[Reseña cine] Frozen 2: La aventura congelada regresa con todo

Desde el estreno de su primera entrega en 2013, Frozen ha sido una de las películas más taquilleras dentro del género infantil, y es que la historia de Elsa y Anna, dos hermanas huérfanas, una con poderes sobrenaturales y la otra solo con el amor, ha cautivado a niños y adultos por igual. Tanto así, que con el estreno de su segunda parte, ya rompe récords mundiales y esperamos que rompa algunos aquí también, luego del 28 de noviembre.

Frozen 2 expande el universo, reforzando a personajes que ya conocíamos y que toman mayor protagonismo, como los son Olaf, Kristoff y Sven. Además de agregar nuevos misterios como las personas de la tierra de Northuldra y el Bosque Encantado, los cuales revelarán más de algún secreto.

Esta entrega habla de crecer, de superar etapas, de enfrentar desafíos y del descubrimiento personal, todo en un lenguaje apto para niños, pero que al mismo tiempo es divertidísimo para los adultos. Un ejemplo de ello es Olaf, quien salta en los diálogos con preguntas filosóficas que nadie le responde o también las referencias a videos musicales de los 80’s.

En la música, Frozen 2 tampoco se queda atrás, la nueva “Let it go”, “Into the unknown” (Mucho más allá) interpretada en inglés por Panic At The Disco y en español por David Bisbal, es tan pegote como el himno anterior. También cabe destacar la participación de Weezer con su versión original de “Lost in the Woods”. Sin duda, para los fanáticos, haber esperado seis años para el estreno de una segunda parte, no será en vano, porque Frozen 2 supera con creces a su predecesora.

Por Belén Riquelme

[Reseña cine] El pasado que nos une (After the wedding): Una historia emotiva protagonizada por Julianne Moore

Otro de los estrenos de esta semana es El pasado que nos une (After the weedding), cinta dirigida por Bart Freundlich y protagonizada por las reconocidas y talentosas actrices Julianne Moore y Michelle Williams.  Cabe mencionar que esta es una adaptación de la película danesa Después de la boda dirigida por Susanne Bier y nominada al Oscar en 2007 en la categoría de Mejor película extranjera.

El pasado que nos une nos cuenta la historia de Isabel (Michelle Williams), quien dirige un orfanato en la India y debido a la falta de fondos, son contactados por un donante potencial que le pide que viaje a Nueva York, ciudad a la que no ha querido regresar por más de veinte años (por algo será). Una vez allí, conoce a la posible benefactora del orfanato, Theresa Young (Julianne Moore). Sin embargo, las apariencias engañan e Isabel y Theresa tienen más en común de lo que parece. Mientras la primera piensa que pronto regresará a su querido orfanato, la otra tiene otros planes.

La película tiene una historia interesante y emotiva, pero si son de aquellos que ven muchas películas (como yo), seguramente esta les parecerá algo repetida y predecible. Sin embargo, no hay que olvidar que las protagonistas son Julianne Moore y Michelle Williams, dos grandes del cine que no decepcionan para nada en sus actuaciones.

Si buscan un panorama para distraerse estos complicados días que estamos viviendo, el cine no es una mala opción. El pasado que nos une se está exhibiendo a partir de hoy (jueves 14 de noviembre) en las salas de arte de Cinehoyts, Cinépolis y Cinemark.

Por Gustavo Hernández

[Reseña cine] Estafadoras de Wall Street (Hustlers): Todo el talento de Jennifer López

Debido a la contingencia de lo que ocurre actualmente en nuestro país y luego de aplazar su estreno un par de semanas, este jueves 14 de noviembre se estrenó en los cines Estafadoras de Wall Street, la elogiada película dirigida por Lorene Scafaria y protagonizada por Constance Wu, Jennifer López, Cardi B, Keke Palmer, Julia Stiles y Lili Reinhart.

La película que está basada en hechos reales, nos cuenta la historia de un grupo de strippers desempleadas que se unen para recuperar a sus clientes de Wall Street y así comenzar su propio negocio. Su popularidad e ingresos comenzarán a crecer a pasos agigantados y sus vidas tomarán un rumbo diferente lleno de extravagancia, glamour y excesos. Pero no todo será color de rosa, las cosas también se pondrán peligrosas para estas carismáticas y guapas muchachas.

Estafadoras de Wall Street es una película entretenida, con buen ritmo, buenas actuaciones y una puesta en escena muy bien lograda, dejándonos ver los lujos y el glamour que se vive en los clubes nocturnos adinerados, en donde cada una de las actrices brillan en sus respectivos roles.

Quien se roba la película con su desplante, talento y carisma es Jennifer López, quien con un gran personaje nos muestra una de sus mejores actuaciones, incluso hay quienes apuestan por ella para ganar una estatuilla en los próximo premios Oscar.

La película logra un súper buen equilibrio entre la comedia y el drama, consiguiendo presentarnos un trabajo que se disfruta completamente desde el comienzo. No se pierdan Estafadoras de Wall Street, verla en pantalla grande es un lujo.

Por Gustavo Hernández

[Reseña cine] Midsommar: Una brillante pesadilla

Ari Aster, director de la gran Hereditary (conocida por estos lados como El legado del diablo), vuelve con su segundo largometraje, Midsommar. En esta película, Aster nos va a demostrar que no se necesita acompañar la historia de escenarios oscuros o nocturnos para construir una perturbadora pesadilla.

La historia trata de Dani, que para alejarse de una reciente tragedia, viaja con su novio Christian y los amigos de este a Suecia, para asistir a una celebración cultural dentro de una enclaustrada comunidad y que sólo ocurre cada noventa años.

Como es la fiesta que celebra el solsticio de verano, gran parte de la película transcurre durante el día, eso hace que quizá te preguntes como es que una película de terror pretende asustarnos si pasa casi entera a plena luz de día. Lo que pasa es que Midsommar no es una película de terror. Sí, tiene escenas muy fuertes y perturbadoras, pero lo más seguro es que no te asuste, no al menos en el sentido tradicional del género.

Midsommar, es en el fondo, una película sobre una relación en decadencia. Todo en la película, la comunidad de Harga, las festividades y los horrores, está al servicio de ver cómo la relación de Dani y Christian va pudriéndose poco a poco. Pero eso no es todo, porque detrás de Midsommar se encuentran un sinfín de elementos que enriquecen la experiencia de ver este filme. El nivel de detalles puesto en la construcción de mundo, las tradiciones de la comunidad, los vestuarios, las escenografías y los diminutos detalles que van develando poco a poco la siniestra trama de la película hacen que Ari Aster nos muestre por qué con sólo dos películas en su historial, es un talento que vale la pena conocer.

Por supuesto, es necesario decir que Midsommar no es una película que debe tomarse a la ligera. Si buscas lo que ofrece una película de terror convencional, probablemente salgas decepcionado. Y es que Midsommar exige la absoluta y total atención de su audiencia. Si se la das, la película te recompensa con unas macabras dos horas y media de una experiencia como pocas.

Por José Andrés Pino

[Reseña cine] Maléfica Dueña del mal: El regreso de Angelina Jolie

Si algo tenemos claro es que Maléfica cambió la historia de Disney para siempre, un live-action que fue todo un éxito y que impulsaría a todos los que vendrían después. La película estrenada en el año 2014 trajo a la pantalla grande la historia de esta villana clásica, interpretada por Angelina Jolie, pero de una forma muy particular en donde se modifica la historia original, de una manera bastante inteligente en donde no termina siendo un filme reciclado, sino una nueva interpretación de la historia, en donde finalmente Maléfica no era la villana que creíamos hasta ese entonces… o por lo menos no tanto. Fue por completo inesperado, resultó y tanta fue la aceptación que hoy, cinco años después llegó a los cines Maléfica: Dueña del mal.

Han pasado unos cuantos años desde que la Princesa Aurora se convirtió en reina del páramo, todo va bien hasta que el Príncipe Phillip le propone matrimonio, él realmente la ama, de eso no hay duda, pero la madre de éste, la Reina Ingrith planea ser la nueva madre de Aurora y a la vez crear una trampa para destruir a todas las criaturas del Páramo, incluida a Maléfica, provocando así una guerra, a la vez que surge la incógnita de si Maléfica es finalmente lo suficientemente buena para ser la madre de Aurora, siendo el espectador testigo de cómo la protagonista a pesar de verse inmersa en un mundo fantástico se verá sometida a uno que otro problema mundano. 

Desde ya les aviso que la película es todo un viaje, de principio a fin, y desde el comienzo ya estamos seguros que será un deleite visual, con un montaje, fotografía y producción que no escatima para impresionar con cada detalle sumado a una adecuada manipulación de CGI. Espectaculares secuencias de acción y fantasía que no dejan de hacerse presentes, junto a un diseño de vestuario que termina de realzar los colores que convierten este film en un cuento de hadas en movimiento.

Se encontrarán con nuevos personajes (ni se imaginan cuantos), ya que se formarán nuevas alianzas con el fin de proteger el Páramo de la destrucción, pero el trío Jolie, Fanning y Pfeiffer son un lujo, hay tanta química entre estas mujeres que se realzan entre ellas y a la vez, otorgando aún más fuerza a la trama. Es interesante como finalmente la villana pasa a ser la Reina Ingrith, un rol antagónico que Pfeiffer interpreta muy bien, pero no por eso Maléfica, a pesar de encontrarse en un proceso de trasformación personal, deja de inspirar respeto y esa majestuosidad que solo Jolie es capaz de otorgar al personaje, porque seamos sinceros, es ella quien se roba la pantalla en cada una de sus apariciones.

Cuando vean la película podrían llegar a pensar que el argumento es algo rebuscado, pero es de esa manera que la trama logra ser original y enganchar al espectador , realzando los aspectos que fueron relevantes en la primera entrega y sumando nuevos. Una gran apuesta de Disney y como lo suele hacer la compañía, la película nos trae uno que otro mensaje, que destaca la capacidad de cada ser para transformarse, que no todas las historias son como nos las cuentan y hay uno que otro villano que puede tener su lado compasivo y ganarse tu corazón. No se pierdan Maléfica: Dueña del mal, ¡Les encantará! 

 Por Camila Toro F.

[Reseña cine] Perro Bomba: Un pedacito de vida en pantalla

¿Alguna vez has ido por la calle y sentido como que vas en un videojuego? Así como que vas caminando con una cámara y solo puedes ver el exterior de lo que te rodea. Apenas capaz de rasguñar la superficie. Pues después de ver PERRO BOMBA la sensación se hace peor y se afirma el dicho de que cada persona es un mundo.

La película narra un pedazo de vida de Steevens, un inmigrante haitiano que lucha en las calles de Santiago por tener un mejor porvenir. Lo interesante, lo más interesante, es que pareciera que se está frente a un documental, aunque en realidad se trata de un personaje de ficción en una situación ficticia. Sin embargo, lo bien realizada de la película da la sensación de verdad.

Entonces, lo que puedes ver en esta casi hora veinte de película es lo que viven los inmigrantes; sus periplos, sus desventuras, sus aspiraciones. Lo bueno, lo malo y lo feo: la música afro, la mezcla cultural, el racismo, la discriminación, la pobreza. Es una experiencia de inmersión que solo la gran pantalla logra y que resulta muy necesaria al momento de practicar el ejercicio diario de empatía.

Quizás el desafío más grandes, al momento de enfrentarnos a PERRO BOMBA, es tener que desprenderse de la expectativa de una película tradicional: la trama no se presenta como usualmente se presentan; los personajes no se elaboran como nos ha acostumbrado Hollywood. Incluso la cámara tiene un enfoque más de cine arte que de Megalodón contra Godzilla.

Entonces, PERRO BOMBA es varias cosas en una sola: un ejercicio estético muy bien realizado fácil de disfrutar; un desafío para la mente de salirse de las convenciones cinematográficas tradicionales; un despertar de conciencia respecto del mundo que nos rodea a todos los que vivimos en Santiago en modo videojuego. PERRO BOMBA ya está en la cartera de los principales cines de nuestro país.

Por Adriana Villamizar

[Reseña cine] Guasón (Joker): La risa más dolorosa

Si hablar de esta película es difícil se debe al riesgo de entrar por la senda equivocada. El revuelo que está causando la supuesta incitación de la violencia en el cine suma un nuevo capítulo con el estreno de Joker, de Todd Philips, pero esta vez las cosas parecen más peligrosas que nunca. Profundizar y victimizar a un villano como este puede incitar a lecturas equivocadas, como también despertar voces que harán todo lo posible por buscar responsables de un momento delicado, especialmente en Estados Unidos. La discusión no deja de ser necesaria, pues el impacto que puede generar una obra artística de esta envergadura es, por lo menos, desafiante. Pero si algo nos ha enseñado el cine, es que las cosas pueden hacerse muy mal, o muy bien, y Joker no solo demuestra estar en el lado correcto, sino que en el necesario.

En Arthur Fleck (Joaquín Phoenix) recae todo el peso de una sociedad enferma. Él es un comediante frustrado que vive de manera precaria con su madre, luchando por obtener dinero trabajando como payaso, pero con la principal dificultad de poseer un trastorno que le impide dejar de reír. Desde el momento en que descubrimos los abusos por parte de una Ciudad Gótica violenta y carente de oportunidades, entramos rápidamente en el verdadero trasfondo que tiene esta película, y ese está mucho más cercano a un drama desolador que a una película de superhéroes. Incluso, si se quisiera comparar con la tremenda Logan (2017), allí hay mucho más de esos códigos que en Joker. No obstante, es destacable que la película entre de manera tan precisa y coherente en el universo de Batman al que pertenece, lo que no consta de simples guiños, sino que forma parte central de la trama.

Los lectores de cómics tendrán una visión mayor de lo que significa este villano, pero el cine no nos había dado una mirada tan profunda de sus orígenes. Esta es la oportunidad aprovechada de darle una nueva adaptación al personaje, y de paso, mandar un mensaje claro con esta carta anticapitalista. La responsabilidad de los poderosos en la creación de estos fenómenos suele ser algo común en el mundo de los superhéroes, pero nunca lo vimos en estos niveles de crudeza. No es extraño sentirse abrumado, conmovido y hasta contrariado tras salir de ver Joker, cuando el terror del discurso llega a transformarse en una fantasía poética y perturbada. Hay belleza en una tragedia monumental como la narrada en este drama que no se guarda nada, y aquí la importancia de Joaquín Phoenix es insuperable. Su versión del ‘Joker’ es impresionante, oscura como nunca, y sin salida. Mientras en el pasado hemos visto el poder del Joker, aquí veremos una caída que llega a herir. No solo por la caída de un personaje que es capaz de generarte empatía, es la caída de un sistema que representa el horror en el que deambula la sociedad actual. Lo complejo va en la falta de moralidad llevada al límite, ya que hablar de Arthur Fleck como una víctima que justifica los actos de violencia, con tal grado de grandiosidad visual y sonora, tiende a desviar los méritos propios de una película extraordinaria.

¿Es Joker una celebración de lo peor de nuestra sociedad? Más bien diría que es un funeral lleno de sangre. Creer que una película bien dirigida y cercana a un tema del que queremos escapar es una ofensa a las víctimas, es sesgar el verdadero llamado. Todd Philips pasó de dirigir comedias a este otro extremo por una necesidad de plantear una respuesta a la falta de comedia en nuestras vidas; ese es Arthur Fleck, y esa es la responsabilidad que se busca visibilizar. Joker no tiene temor a explicitar su violencia, tampoco teme a que el personaje goce de una épica que pueda ser cuestionable, en especial durante el último acto. Esa confrontación es lo que la hace tan única, e indudablemente un quiebre que marca un antes y un después en el cine de superhéroes. The Dark Knight (2008) también fue un quiebre en su momento, pero la diferencia es que en esa oportunidad se hablaba de cine. ¿Le hace mal a Joker que la discusión esté tan fuera de mero aspecto cinematográfico? Es difícil asegurarlo, pero no pondré en duda que la película tiene los méritos para merecer ser llamada una obra maestra, e indudablemente una de las mejores películas del año. Lo demás, quedará en la conversación.

Por Andrés Leiva

[Reseña cine] Un amigo abominable: La calidez de la familia y la amistad

En una noche fría de Shangai, iluminada por las luces artificiales de la ciudad, Yi está afligida por la pérdida de su padre y decide tocar su violín en el tejado del edificio para recordarlo. Ahí por cosas del azar descubre a un joven Yeti –que luego tendrá por nombre Everest– que se encuentra perdido y escapando de quienes quieren cazarlo. Yi junto a sus amigos Jin y Peng se embarcarán en un viaje épico para reunir a la criatura con su familia en la punta del Everest.

La calidez que desprende la película es palpable desde los primeros cinco minutos en quese presenta a Yi y a Everest. Ni uno ni el otro están dónde quieren, ambos quieren escapar. Yi perdió a su padre, pero ella cree que puede reunir al yeti con su familia y hará todo para conseguirlo.

Yi es una adolescente independiente –incluso se tilda solitaria–, que solo quiere realizar un viaje que no alcanzó a cumplir con su padre. La melancolía que produce en ella este suceso y que, pese a todo no considere rendirse en ningún momento, la vuelven una heroína fácil de empatizar y apoyar. Su encanto provoca emoción en el espectador, sus escenas poseen un sentir admirable y humano. Es un gran ejemplo de cómo construir un buen personaje principal que haga eco tanto en niños como adultos.

Un gran acierto es la compañía que produce la música durante la cinta. Yi toca el violín en determinadas ocasiones con un claro sentido de añoranza, con el que busca recordar las palabras de su padre “aunque el camino sea difícil no debes rendirte”. Una frase que puede resultar cliché, pero su trasfondo es puro y cada escena se realza con los sentimientos que despiden las cuerdas del violín y de la misma Yi.

Lo más destacable de la animación son los paisajes. Campos floreados, nubes color pastel y noches estrelladas terminan por cautivar al espectador por sus hipnóticos colores y movimientos. Ensoñar ciertos escenarios al ritmo del score solo vuelven más encantadora a Un amigo abominable. Y todavía más, en determinadas escenas que se ven danzar al compás del violín de Yi.

El humor es ingenioso, aunque recurra a trucos conocidos, porque es un elemento transversal a todos los personajes que componen el filme. Incluso la broma más infantil e inocente produce risas y si no, una pequeña cosquilla de ternura. Gran parte de ello es gracias a Jin y Peg, los amigos inseparables de Yi.

Gracias a Jill Culton, quien dirigió y concibió la idea de la película animada, DreamWorks parece haber recuperado esa chispa que a comienzos de siglo tanto disfrutaba. Un amigo abominable no busca reinventar el género, la cinta está más preocupada de hechizar y hacer volver a creer al público en la magia de lo imposible.

Es una historia que llegará al corazón de grandes y pequeños. Y que los hará querer abrazar a sus seres queridos. Es apta para todo público y se estrenó el pasado jueves 26 de septiembre.

 Por Constanza Lobos

[Reseña cine] Ted Bundy: durmiendo con el asesino. ¿Una historia de amor o un retrato de un asesino en serie?

Recientemente se ha estrenado la película Ted Bundy: durmiendo con el asesino de Joe Berlinger, protagonizada por Zac Efron y Lily Collins que retrata la otra vida de uno de los femicidas más famosos de la cultura gringa de los sesenta y setenta.

La historia comienza con Liz Kendall (Collins), una joven madre que sale a divertirse a un bar donde conoce a Bundy (Efron) y precipitadamente inician una relación. Bundy aparece y desaparece de la vida de Liz, debido a sus estudios de Derecho, pero la ayuda a criar a su hija Molly. Es en ese mismo tiempo que los rumores de un apuesto y brutal asesino de mujeres, sospechosamente parecido a Bundy, empieza a atormentar la conciencia de Liz.

La película intenta no dar a conocer los crímenes de Bundy de inmediato, sino que se pone en el papel de Liz, quien descubre cada vez cosas más sospechosas sobre su enamorado. Es esta construcción de la trama que te hace querer saber ¿qué va a pasar? ¿de verdad es culpable?, sobre todo si no conoces la historia de Bundy. Además Efron interpreta increíblemente a Bundy, llegando a confundirse algunas imágenes que fueron recreadas con las de la vida real.

Ted Bundy: durmiendo con el asesino te invita a revelar al asesino detrás de la cara bonita, sin ser una película morbosa o enfocada en sus crímenes. Aunque, si después del film quieres saber más, puedes revisar el documental de Netflix, Conversaciones con asesinos: Las cintas de Ted Bundy.

Por Belén Riquelme

[Reseña cine] ¿Dónde estás, Bernadette?: El agradable viaje de Cate Blanchett

‘¿Dónde estás, Bernadette?’ es la adaptación al cine de la exitosa novela de María Semple que lleva el mismo nombre. Significa además el regreso de Richard Linklater en dirección y siendo acompañado de la siempre fabulosa Cate Blanchett de vuelta a un protagónico. Esta comedia familiar se transforma rápidamente en un divertido viaje de crecimiento personal, como también en ese desahogo de amor que siempre puede unir a las familias, incluso tras el peor de los desastres. La película comienza dejándote en claro la premisa, con una Bernadette Cox (Cate Blanckett) que escapó de su mundo, incluyendo su familia, para pasar frío a propósito en la Antártica. Ella nos invita a conocer su historia, y apenas nos vamos al pasado, este racconto toma un ritmo que fluye estupendamente, al menos durante la primera mitad.

Yendo más a ese detalle de los sucesos que marcaron el viaje de Bernadette, merece la pena considerar que estamos frente a una arquitecta muy exitosa, y también con serios problemas para relacionarse con la gente. Tanto así que abandonó su profesión en su mejor momento, por lo que ahora, como madre de la joven Bee (Emma Nelson) y sumida en sus problemas de ansiedad y agresividad desencadenará en un desastre que llevará a los personajes a crecer. Como mencioné anteriormente, la historia funciona bien en varios pasajes de los primeros actos, donde el rol de secundarios, como la vecina Audrey (Kristen Wiig) es preciso y necesario, aunque hay cosas que no terminan de levantar el desenlace de la película. A nivel de guion hay escenas muy bien pensadas, tan graciosas como solo Cate Blanchett podría lograr, pero la evolución del viaje familiar se siente poco inspirado y predecible.

Bee está bien como la hija que nos enseña a comportarnos como adultos, pero Billy Crudup interpretando al padre trabajólico no aporta demasiado, lo que se vuelve evidente cuando la familia toma el protagonismo. Puede que enfatizar en el fuerte y determinante carácter femenino entre madre e hija haya sido una declaración de principios adecuada para la historia que se buscaba relatar, pero no hay riesgos al respecto. Es un final correcto, sin más, aunque queda la sensación de que hay un gran potencial desperdiciado. De todas formas, ‘¿Dónde estás, Bernadette?’ es disfrutable e imprescindible para cualquier fan de Cate Blanchett. Ella por sí sola es capaz de levantar lo que sea, y más encima aprovechando esos espectaculares glaciares, a los que les queda poca vida. Pueden ver la película desde hoy mismo en las principales cadenas de cine del país.

Por Andrés Leiva

[Reseña cine] It Capítulo 2: Tan cerca y tan lejos de la grandeza

Después de dos años de espera, la segunda mitad de la adaptación de la novela “It” de Stephen King, llega a la pantalla grande. 27 años más tarde “Los Perdedores”, ahora adultos, deben volver a encontrarse para acabar de una vez por todas con Pennywise, la malvada entidad cósmica que adopta la forma de un payaso para capturar a sus presas.

Andy Muschietti regresa en la dirección y con él, la expectativa de, al menos, lograr equiparar el éxito de la primera parte. Sin embargo, así como este segundo capítulo hace bien muchas cosas, también hace mal otras.

Lo primero es lo primero, el reparto adulto de Los Perdedores es simplemente fenomenal, todos y cada uno de ellos. Tanto los nombres conocidos (James McAvoy, Jessica Chastain, Bill Hader), como los no tan conocidos (James Ransone, Jay Ryan, Isaiah Mustafa) hacen un gran trabajo tomando las cualidades tan características de cada uno de sus personajes.

Pero hay dos nombres que van más allá y destacan por un magnífico trabajo: Bill Hader como Richie Tozier y James Ransone como Eddie Kaspbrak. Ransone, de perfil más bajo, logra recrear física y psicológicamente a Eddie de tal forma, que logra enaltecer a su personaje con un carisma sensacional. Hader, por otro lado, logra equilibrar los dos aspectos más importantes de su personaje, el trauma que ha acarreado por 27 años y su sentido del humor como un maestro, algo que en el mundo de la representación dramática es sin duda muy difícil de lograr.

Y es que It capítulo 2 es una película acerca del trauma y lo difícil que es acarrearlo por tanto tiempo, pero tristemente la película lo banaliza a tal punto que ya deja de ser un factor importante. Es más, sólo se vuelve un mecanismo para crear situaciones llenas de jumpscares que terminan por volverse completamente predecibles, y por ende, muy poco aterradores.

Además de ser injustificadamente larga, con casi tres horas de extensión, la película tenía una ardua tarea de adaptar elementos muy importantes de la novela, que tanto narrativa como visualmente resultan muy complejas de poner en la pantalla. Me refiero concretamente a las subtramas de algunos de los protagonistas y también a la confrontación final con Pennywise.

En relación al primer punto, el filme de Muschietti se queda corto y no da importancia suficiente a las cicatrices de los perdedores ahora que son adultos (quizá solo con la excepción de un triángulo amoroso y el secreto de Richie), y sólo rasca la superficie de sus personajes.

En cuanto al final, posiblemente el momento más importante de la película, hay una suerte de vaivén entre buenas y malas decisiones que últimamente hacen que el momento de mayor tensión en la batalla pierda precisamente eso, la tensión.

Sumando y restando, It capítulo 2, pasa a ser una película que se apega mucho más que su primera mitad a los cánones del terror comercial —lo que para algunos será un acierto, para otros un error—, pero que así y todo logra funcionar gracias a un reparto altamente talentoso y una historia que todos los fanáticos de la primera mitad no querrán perderse por nada en el mundo. 

Por José A. Pino

[Reseña libro] La palabra más sexy es sí de Shaina Joy Machlus: Una guía de consentimiento sexual

Les aseguro en esta primera oración, de lo que será mi comentario sobre la obra de Shaina Joy Machlus, que es el libro que debe estar en los veladores de todos. Mujeres, hombres, lectores y no-lectores, no podría enfatizar más en ello. Por lo que los invito a continuar leyéndome.

Es un texto que aborda por completo la cultura del consentimiento, nos lleva a aprender de forma clara y concisa sobre la educación sexual en su todo. Puedes abrir cualquier página y no estarás perdido, además de venir acompañado de ilustraciones llenas de color y diseño de la artista sueca Petra Eriksson.

Desde orientación sexual, género, feminismo, la cultura de la violación hasta cómo aprender a conversar manteniendo el consentimiento como la piedra angular. La narrativa de Shaina Joy Machlus toma conceptos que a la distancia parecen ser complejos de entender y luego los convierte en piezas tan sencillas de comprender que uno llega a preguntar, ¿cómo pude haber pensando que era complejo?

Esta guía llegó a mis manos hace dos semanas aproximadamente, no pude escribir sobre ella enseguida porque tuve que leerla con cariño y atención para poder sentir que era ya el momento de recomendárselas.

La violencia de género, sexual y la discriminación nos compete a todos. No solo a las feministas, si no que también a los hombres. Desde cómo el porno ha puesto la presión en ellos a cumplir, pasando por mantener ciertos estándares, hasta no poder mostrar sentimientos que los hagan ver débiles, son parte de la violencia de género. Que las mujeres deban satisfacerse con la penetración porque sí, es violencia de género, el daño que provoca no poder negarte a algo que no quieres, es violencia de género.

Hay que conocerse a sí mismo y mantener un diálogo constante con las personas. Vivir la cultura del consentimiento es luchar de forma directa con la cultura de la violación. Hay un capítulo que se tilda Información de emergencia que justamente habla de qué hacer si se sufre una agresión sexual, además sobre lo que uno puede hacer para ayudar a prevenir las violaciones.

Como si fuese una carta de invitación a leer, al comienzo del texto hay una nota de la traductora que enfatiza en cómo utilizar un lenguaje lo más inclusivo posible:

 “Cuando buscamos los adjetivos que mejor nos ayuden a describir nuestros sentimientos, el tiempo o el cuerpo de un buen vino”. 

Esta guía es brillante, fuera de explicar todo de la manera más amigable posible cuenta con un glosario completo de términos que nos ayudarán a comprender mejor todo lo que vamos a leer y releer. Es el norte definitivo, los invito a aventurarse en La palabra más sexy es sí, será la mejor decisión que puedan tomar se los asegura una lectora feliz. 

Por Constanza Lobos

[Reseña cine] Había una vez en... Hollywood: El inigualable Quentin Tarantino

Quentin Tarantino encontró en el cine la voz para llegar a ser uno de los grandes, y este es el resultado final de ese viaje. Eso es lo primero que me viene a la cabeza en los primeros minutos tras haber visto Había una vez en... Hollywood, al igual que ideas retumbantes como “no soy capaz de procesar lo mucho que me gustó esta película”. Y ese proceso de análisis es importante ya que no estamos ante la típica película de Tarantino, pero aun así termina siendo la más Tarantino de todas. ¿Cómo se llega hasta este punto? Desde la icónica diversión de Pulp Fiction hasta los 70mm de Los Ocho más Odiados hay un recorrido que ya nos había mostrado los mundos que mueven este imaginario, y que este noveno filme de una filmografía de ensueño entre de lleno en Los Ángeles de los años 60 no sorprende. Que DiCaprio y Brad Pitt protagonicen tampoco debiera sorprender si se considera que ambos habían trabajado anteriormente con libretos del director. Pero aunque las piezas nos lleven aquí, ver Había una vez en... Hollywood es mucho más que un reciclaje de ideas, por el contrario, es una de las experiencias cinéfilas más fascinantes que recuerde del último tiempo.

La historia de un Hollywood que creció junto al western es el principal homenaje que Tarantino plasma tras los sets de cine y el glamour de una ciudad que deslumbra. La película es extensa, el primer indicador de que no hay ningún apuro por quitarle magia a unos alucinantes viajes por las calles de Los Ángeles, sin más prisa que la impuesta por una banda sonora increíble que marca el ritmo y el tono de principio a fin. Te seduce sin siquiera entender hacia donde irá la historia, y es que con dos actores talentosos es más que suficiente para entrar rápidamente en una hipnosis profunda. ¿Pero de qué trata realmente? Fuera del contexto histórico y de tener el antecedente que la película se conecta de alguna forma con los asesinatos de Charles Manson, ha habido un secretismo en relación a la trama, y con justa razón. Tenemos a Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) haciendo de una estrella de Hollywood en temprana decadencia. También está su doble de acción y mejor amigo Cliff Booth (Brad Pitt). También aparece Sharon Tate (Margot Robbie), la actriz que nos acerca al hecho real de estos asesinatos. Y ese es el círculo que corre de manera paralela, aunque no precisamente de la manera que esperas.

Lo más complejo es comprender lo que conecta realmente todo esto, y hay que decirlo; es impredecible. El evidente primer obstáculo pasa por que la película le de tanto tiempo a escenas que parecen no llevar a nada (algo lejos de la realidad), mostrando frecuentemente el cotidiano de los personajes, y de aquí nace el riesgo de que el relato se sustente de información extra cinematográfica para armarse en su totalidad. Aunque la historia se sostenga en sí misma en relación a ciertos arcos argumentales, hay mucha información que es necesaria para poder conectar las piezas correctamente, especialmente en relación al rol que cumple Sharon Tate, lo que puede resultar en que la cortina de créditos sea tan satisfactoria como desconcertante. Lo bueno es que la experiencia de un director que no necesitaba volver a demostrarnos su talento acá queda de manifiesto, porque Había una vez en... Hollywood es una joya por donde se le mire. Cualquier crítica hacia la narrativa queda bastante debilitada luego de un segundo visionado, ya que la película realmente necesita de ese tiempo para ser absorbida como merece. Esta es la declaración máxima de amor de Tarantino hacia el cine que lo ha acompañado durante toda su vida, y si eso no fuera suficiente, siempre estarán sus secuencias perfectas, o sus personajes inolvidables (Brad Pitt es oro puro), y un clímax de escándalo para dar la talla como una de las mejores películas del año. Nadie más podría haber hecho esto con éxito, y si en el pasado Tarantino nos dejó íconos legendarios que han dejado huella en la historia del cine, ahora tenemos su firma más honesta y manchada con sangre, como debe ser.

Por Andrés Leiva

[Reseña cine] La espía roja: Amor en tiempos de espías

Sí, probablemente estarás pensando que el título de esta reseña no puede hacer justicia a una película del calibre de La espía roja, porque, seamos sinceros, no es justo hacer parodia de una obra de arte. Pero bueno, también es cierto que La espía roja hace explícita la unión de dos cosas que siempre aparecen juntas, pero que pocas veces nos detenemos a reflexionar: el amor y el espionaje.

Así tal cual. Imposible decir que el máximo 007 no hizo algunas locuras de amor. Hay un trasfondo ahí de amor-engaño en todo el rollo del espionaje, pero no nos vayamos en la profunda, sino que centrémonos en lo que vinimos: La espía roja. 

La película comienza (y no hay ningún spoiler en esto) con una mujer acusada de ser espía de los comunistas en la época de la Segunda Guerra Mundial. La cosa es que la acusan hoy -tipo SXXI- por algo que sucedió hace 50 años; por vincularse con la gente equivocada en el momento equivocado... por amar a Leo.

Leo es un joven revolucionario alemán, que viene a desequilibrar el mundo de la pobre e inocente Joan con sus aires de cambio ¿pobre e inocente Joan? Ni tanto. El peligro es que esta joven, estudiante de física, se posiciona en nada más y nada menos que lo que sería -tal vez- el proyecto que da curso a la Bomba Atómica... así que ¿pobre y inocente? ¿Hace algo efectivamente? Eso tienen que descubrirlo por su cuenta. 

Lo que sí les puedo contar es que es muy cool el salto temporal. Tanto que parece que fuera una sola línea de tiempo atemporal, pero no. Son muchos flash backs en los que se va construyendo una versión de la historia que nos permite hacernos parte y jurado de la vida de la pequeña camarada (el sobrenombre menos hot del mundo). ¡Muy recomendado! ¡En sus cines favoritos ya!

Por Adriana Villamizar

[Reseña teatro] Il concerto: Un divertido espectáculo para toda la familia

Hasta el próximo domingo 15 de septiembre (Sábados y domingos) a las 16 y 18 horas en Centro Cultura Gabriela Mistral (Gam) estarán dando Il Concerto, una entretenida obra de teatro de época para toda la familia.

En un palacio en Papudo durante la Colonia, una marquesa insomne recibe a dos músicos italianos. Los llamó para conciliar el sueño, pero Il Maestri de Maestris y Cabeza di Pattata no logran hacerla dormir, porque la marquesa oculta un secreto.

Y mientras lo intentan, el cansancio y delirio de los que no duermen genera algunos eventos catastróficos. De eso trata Il concerto, nueva obra de la compañía Cirkoqoshka que se inspira en los conciertos barrocos.

Música, humor, equilibrismo, acrobacia y técnica clown se unen en esta obra de circo contemporáneo. La música compuesta por Álvaro Pacheco, principalmente para violín y clavecín, se inspira en Purcell, Bach, Vivaldi y Scarlatti.

No se pierdan este espectáculo diferente que les hará reír de buena gana. Un panorama para toda la familia que les encantará.

Dirección: Sebastian Vila
Dramaturgia: Cirkoqoshka
Elenco: Alvaro Pacheco, Carolina Gimeno, Carola Sandoval, Mario Escobar
Técnicos: Daniela Valenzuela, Nicolas Ormazabal
Composición Músical y Arreglos: Alvaro Pacheco
Diseño Integral: Carola Sandoval.
Asistencia Técnica Circo: Gabriela Parker

[Reseña libro] Vienen por ti de Andrea Larrabe: Una novela cargada de misterio, de esas lecturas que se disfrutan de principio a fin

En esta oportunidad les traigo la reseña de Vienen por ti escrito por la autora chilena Andrea Larrabe, periodista y conocida youtuber. Esta es su primera novela y créanme que lo hizo de maravilla, un libro de romance paranormal adolescente capaz de enganchar al lector de principio a fin. Si la portada y el título llaman la atención, imagínense la historia que hay entre sus páginas.

La protagonista de esta historia es Estée Deveraux, una adolescente que no es para nada común, ya que junto a su familia, son los encargados de capturar almas para el diablo en la localidad de Puerto Umbra, un trabajo que Estée disfruta muchísimo al sentirse por sobre cualquier humano normal y espera ansiosa a cumplir los 17 años para tomar el mando, pero al llegar ese tan esperado día sucede algo que cambia por completo su forma de pensar, dándose cuenta que este no es solo un trabajo, sino una maldición en su familia que se ha trasmitido de generación en generación. A su vez conocerá a Gabriel un nuevo compañero de clases que será capaz de romper sus barreras y además cambiar por completo su destino.

Partiré contándoles que hace un buen tiempo no me enganchaba tanto una novela, la autora tiene la capacidad de encantar al lector desde la primera línea. Al ser un género al que no le suelo dar preferencia me asustaba decepcionarme y resultó ser todo lo contrario.

En primer lugar quiero destacar a la protagonista, una chica que detesta a los humanos, súper segura de sí misma y que no le teme a nada. Al comienzo me costó bastante empatizar con Estée al ser un tanto arrogante y narcisista, pero gracias a esto vemos cómo esta chica va evolucionando. Estamos acostumbrados a conocer a protagonistas que con el transcurso de la historia se van empoderando, en el caso de Estée, de comienzo ya es una chica empoderada, tanto así que no se permite a sí misma ser vulnerable, poco a poco va surgiendo un autoconocimiento, permitiéndose vivenciar emociones y sentimientos que lejos de volverla una mujer débil, la hacen aún más fuerte y consiente de sí misma, definitivamente esta protagonista va más allá de cualquier cliché.

Luego está su familia, que también logra ser protagonistas de esta historia, es imposible no encariñarse con ellos, los Deveraux se componen de Estée, su hermana Liki, su madre Simone y su padre Gerard. Cada uno cumple un rol fundamental, tanto al momento de capturar las almas, como en la historia, Liki es esa hermana que a pesar de ser menor da buenos consejos, Simone una madre preocupada encargada de hacer que la protagonista no pierda sus peculiaridades humanas y Gerard, un padre que le encanta cocinar, que no tiene miedo de ponerse un tutu para divertir a sus hijas y siempre preocupado de su amada Simone. También se encontraran con Damián, un demonio amigo de la familia del que de seguro querrán saber más (un spin-off de este personaje no estaría mal) y Gabriel, este chico enamorado de la psicología que cambia la vida de Estée, tan dulce y maduro, el libro es narrado por la protagonista pero hay un par de capítulos que son narrados por Gabriel, lo que es fantástico, ya que así conocemos la perspectiva de ambos personajes.

Quise dejar para el final al Diablo o “El jefe” como lo llama Estée, porque si, hace acto de presencia en más de una oportunidad, la cual es bastante interesante, ya que a diferencia de como solemos imaginar a este personaje, acá es una especie de padre, alguien cálido, lo que da a lugar a como la autora platea el bien y el mal, que va mucho más allá de lo religioso.

La autora tiene una prosa impecable, es ágil, un libro que se lee rápido y con facilidad, uno podría pensar con esto que es una prosa escueta, pero por el contrario, está cargada de detalles que logran que el lector imagine cada acontecimiento, cada escena, lo que se agradece. Y qué decir del final, da un cierre a la historia, pero también es bastante abierto como para dejarnos con ganas de más, lo que puede llegar a ser difícil de lograr, pero la autora lo hace sin problema. Si me preguntan por algo que no me haya gustado, quizás el romance de Estée y Gabriel que fue algo predecible, pero no por eso deja de ser emocionante.

Vienen por ti es una novela cargada de misterio, de esas lecturas que se disfrutan de principio a fin, con una trama entretenida junto a personajes increíbles. ¡No se la pueden perder! 

 Por Camila Toro F.

[Reseña teatro] Impostoras: Tres casos reales de historias que son mentira

Este sábado 17 de agosto y el domingo 18 serán las últimas funciones de la obra de teatro Impostoras en Centro Cultura Gabriela Mistral (Gam). Esta aclamada obra está inspirada en los casos reales de tres mujeres acusadas de fingir algo que no son.

La directora de la obra es Mariana Hausdorf, quien explora el límite entre la realidad y la ficción, construyendo un trabajo realmente atractivo para los espectadores.

Una de las protagonistas es Tania Head, quien presidió la red de sobrevivientes tras escapar del atentado a las Torres Gemelas. Hasta que el 2007 el New York Times descubrió que su conmovedor relato de escape era falso. Tampoco se llamaba Tania.

Junto a Tania, aparece una estadounidense activista de la comunidad afrodescendiente y una polaca que explica su trabajo como doble de Angela Merkel. Impostoras se basa en tres casos reales de historias que son mentira. 

Heidrun Breier, Sol de Caso y Renata Puelma son dirigidas por Mariana Hausdorf en esta puesta en escena contemporánea, donde la iluminación y el sonido son controlados por las mismas actrices. El diálogo que se genera entre ellas cruza alemán, inglés y español, con subtítulos al español.

No dejen pasar la oportunidad de disfrutar de una obra de calidad, seguramente se sorprenderán con los tres casos que nos presentan, en donde las tres protagonistas mienten con el objetivo de conseguir un beneficio mayor, sin importar las consecuencias.

Me gustó mucho la puesta en escena, los juegos de luces, la música y las actuaciones, todo se complementa muy bien. El hecho de que esté hablada en español, inglés y alemán le entrega un toque especial.

La obra tiene la colaboración de Taller Compartido La Cisne Negro, Goethe Institut y Fundación Teatro a Mil. 

Dirección y dramaturgia Mariana Hausdorf Andrade 

Elenco: Heidrun Breier Funk, Sol De Caso Gazmuri y Renata Puelma Müller 

Diseño sonoro Camilo Plaza Armijo 

Diseño escenográfico y vestuario Isidora Carriquiry Berner 

Diseño y realización de iluminación Benjamín Carriquiry Berner 

Asistencia de dramaturgia Andrés Kalawski Isla 

Diseño gráfico Fabián Flores Bernales y Nicole Fuentes Soto 

Traducción inglés Francisca Aguilera Osorio 

Técnica subtítulos Lukas Kalmar

[Reseña cine] Anna: El peligro tiene nombre

Luc Besson, director de grandes películas de acción como León el profesional y El transportador, vuelve a sus inicios con el estreno de Anna. En esta entrega, Besson recoge la idea del agente secreto y el conflicto de la Guerra Fría para internar como protagonista a Anna (Sasha Luss) la femme fatale que hará lo imposible por conseguir su libertad.

Con un elenco destacado entre los que se encuentran Helen Mirren, Cillian Murphy y Luke Evans, Besson juega con las temporalidades, aborda las luchas de poder de dos grandes potencias de la época y logra recrear la glamurosa vida del agente secreto a lo 007, pero que en la oscuridad, no es más que un entrenado asesino.

Además, Besson intenta incorporar ideas feministas entre las que destacan el empoderamiento de la mujer y la sororidad aunque no logra concretarlas del todo debido a que se queda estancado en el personaje de la femme fatale. A pesar de ello, Anna consigue ser una buena película de acción, abordando algunos clichés que se convierten en indispensables en este género. Desde esta semana véanla en los principales cines del país. 

Por Belén Riquelme

[Reseña cine] Araña: Grandes ideas que se quedan cortas

Andrés Wood vuelve a las salas chilenas con su nuevo largometraje, Araña. La película sigue a tres miembros del grupo de extrema derecha Patria y Libertad, Inés, Justo y Gerardo durante dos períodos de tiempo: a principios de los setenta y la actualidad. En ese contexto se desenvuelve un filme que intenta dar un mensaje acerca de los peligros del resurgimiento del fascismo y la violencia que lo caracteriza, pero que últimamente termina por jugar más al impacto, dejando de lado la cohesión narrativa y el desarrollo de sus personajes.

Los flashbacks de Araña nos van mostrando los sucesos más importantes del pasado de sus protagonistas, y es ahí donde están los mejores pasajes de la película, por lo que resulta decepcionante que el filme no se quede más tiempo en esa línea. Porque cuando volvemos al presente, toda esa tensión, ese suspenso, parece desvanecerse por completo, en escenas que supuestamente debieran ser el hilo principal de la trama pero que sólo nos llevan a una confrontación final trivial y carente de tensión.

El director de Machucha y Violeta se fue a los cielos toma un excelente concepto acerca del pasado, y de como los movimientos de extrema derecha siguen latentes en nuestra sociedad, pero a fin de cuentas no logra dotar estas ideas de un buen trasfondo narrativo o visual.

De esta forma el gran peso de levantar esta película está en sus protagonistas, donde Marcelo Alonso y su contraparte joven Pedro Fontaine, junto con María Valverde como una joven Inés, son por lejos el punto más fuerte de Araña, con una atención al detalle acerca de sus personajes que resulta notable.

A fin de cuentas, Araña es una película que no logra vivir a la altura de su propio potencial, pero que al menos logra retratar el implacable paso del tiempo y que el pasado siempre está al acecho. Incluso, si uno busca bien, puede encontrar momentos de verdadero suspenso y tensión.

Por José A. Pino