[Teatro] Montaje internacional llega a GAM: CUERPOS DERRIBAN FRONTERAS DANZANDO

Dos cuerpos anónimos se dan cita en escena, caminando y danzando en distintas direcciones, según la intensidad de lo sonoro. Están descubriendo su lugar. Parecen estar en tránsito, decidiendo si se quedan o se van. Son identidades transformándose. 

Esta es parte de la experiencia que entrega al público “Imaginario corporal: Efecto migratorio”, pieza de danza de la compañía española La Turba que articula identidad y migración, con el cuerpo como biografía hecha de dos culturas: origen y acogida. 

El montaje surge del encuentro entre los artistas Carlota Berzal (España) y Cristóbal Santa María Cea (Chile), quienes confluyen desde experiencias derivadas de la movilidad en diversos territorios y se dan cita en esta obra para indagar una propuesta coreográfica acorde a las problemáticas contemporáneas. 

El resultado es una propuesta escénica que rescata lo extraño y lo deforme, como mixtura entre ambas corporalidades, generando una convivencia artística desde la diversidad para encarnar un nuevo estado corporal. 

Bajo la dirección coreográfica de la destacada artista brasileña Poliana Lima y con la dramaturgia del artista mexicano Ricardo Mena Rosado, la obra ofrece una reflexión sobre la permeabilidad de los países, los cuerpos y las ideas, construyendo un territorio invisible. 

“En un mundo saturado de estímulos, migraciones y desigualdades, resulta urgente encontrar lenguajes escénicos que permitan detenerse, escuchar y mirar de otro modo. La obra no pretende ser panfletaria, pero tampoco indiferente: habla de los procesos migratorios, de la discriminación, de la fragilidad de la identidad y de la densidad de la vida contemporánea. Su fuerza radica en abrir un espacio estético donde lo íntimo y lo político se cruzan, invitando a repensar cómo habitamos nuestros cuerpos y nuestras sociedades”, explica Cristóbal Santa María Cea, uno de sus intérpretes. 

En la pieza, recursos sonoros, visuales, corporales y textuales crean una especie de collage vivo que cuestiona la vorágine de los tiempos que hoy corren. Voces, archivos y música tradicional de España y Chile se mezclan con gestos y acciones que emergen de la investigación coreográfica y de la memoria biográfica, invocando símbolos que resquebrajan el concepto de identidad. 

“La apuesta ha sido sostener un lenguaje poético y simbólico que invite a cada espectador a activar su propio imaginario. Aquí el reto ha sido radicalizar la dimensión corporal y sonora, generando un dispositivo escénico que opera más como experiencia que como relato lineal”, adelanta Santa María Cea. 

El artista agrega que “el mayor desafío es construir una pieza que sea sensible y abierta para todo tipo de público, evitando el riesgo de un hermetismo que la vuelva inaccesible, pero también sin caer en una excesiva pedagogía”. 

20 al 30 Nov 2025 

Ju a Do— 19 h 

Gam.cl

[Teatro] "Honor": Amor, lealtad e igualdad de género se enfrentan cara a cara (Estreno en GAM)

Estrenada en 1995 en Melbourne, “Honor” es uno de los textos más exitosos de Joanna Murray–Smith, una de las dramaturgas contemporáneas más reconocidas de Australia. La obra se ha representado en más de 30 países y en la adaptación que tuvo en Broadway, en 1998, contó con la tres veces nominada a los Premios Oscar, la actriz Laura Linney, en uno de sus roles principales.

Su versión en las tablas locales es una producción del Centro para las Artes Zoco que llega a GAM bajo la dirección de Jesús Urqueta, quien pone en escena un drama emocional que mezcla humor y una lectura feminista. 

Se trata de un drama familiar marcado por la infidelidad y la crisis de identidad, y que explora temas como el amor, la lealtad y el empoderamiento de la mujer, a a través de sus cuatro personajes –Solange Lackington, Bastián Bodenhöfer, Magdalena Müller y Octavia Bernasconi.

En escena, Honor (Lackington) y George (Bodenhöfer) llevan 32 años de matrimonio. Ella es una exitosa escritora, y él, un reputado columnista. Se entienden perfectamente y todo anda bien entre ambos, hasta que un día él le anuncia que va a dejarla por Claudia (Müller), una mujer más joven.

Casi 20 años después de su debut mundial, la pieza sigue ofreciendo una reflexión potente sobre el deseo, la fidelidad, el paso del tiempo y el papel que históricamente ha jugado la mujer en las relaciones de pareja.

“La obra tensiona conceptos desde la experiencia íntima de una pareja de muchos años enfrentada a una ruptura inesperada. En un presente donde las certezas se han vuelto frágiles y los modelos tradicionales de amor están en crisis, me parece urgente poner en escena esas preguntas sin buscar respuestas, sino más bien abriendo un espacio de incomodidad, duda y sensibilidad”, reflexiona Jesús Urqueta, su director.

“Honor” enfrenta al público a grandes cuestionamientos de todos los tiempos, como lo son la ética y la crisis de la edad, abordando también debates actuales como la postergación femenina en pos de los proyectos del hombre y la sororidad de género. Ésta última está proyectada en los personajes de la esposa y la amante.

“La obra igualmente se trata de cómo una mujer joven le dice a una más adulta ‘yo estoy dignificando tu sacrificio’. Pero resulta que la mujer adulta le dice ‘mira qué curioso, o sea, que me quitas a mi marido y dices que estás de mi lado’. Y entonces, ¿de qué respeto o de qué sororidad estamos hablando? ¿Hasta qué punto y cuáles son los límites de eso? Porque uno dice ‘la culpa es del hombre’, pero la culpa es de dos”, relata Solange Lackington (radio U Chile).

“Urqueta explica que éste es un texto universal. “Uno se enfrenta a un texto que plantea una confrontación de complejidades entre seres humanos que a la vez es muy accesible al espectador, porque fácilmente puede llegar a sentirse identificado”, asegura. “El público será testigo de un vínculo que se transforma —y quizás, en ese proceso, pueda también confrontar sus propias formas de amar”, concluye.

[Teatro] "Fueguinas" en Gam: Reconocida bailaora chilena estrena obra – homenaje a mujeres Selknam y Mapuche

Natalia García Huidobro crea, dirige e interpreta su nuevo montaje que mezcla danza, teatro y música para reconocer el mundo femenino de los pueblos originarios y su importancia en la historia de Chile. Con coreodramaturgia de Pablo Zamorano y dramaturgia de Isidora Stevenson, seis intérpretes son guiadas por la inspiración de la mujer selknam, Lola Kiepja, y los cantos de la Premio Nacional de Música, Elisa Avendaño Curaqueo –presente en escena– en una ceremonia que narra un gran ejercicio de imaginación, reflexión y preguntas sobre el tema. 

Financiado por el Fondo de las Artes Escénicas 2025 del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, el proyecto escenificado por las cantantes, actrices y bailarinas Marcela Millie, Noelia Coñuenao, Gabriela Arancibia, Ely Ocaña, Elisa Avendaño Curaqueo y la propia Natalia García-Huidobro, se sumerge en la cosmovisión femenina de los pueblos mapuche y selknam para honrar a su sociedad matriarcal, planteando esa ausencia como la invisibilización de todas las mujeres a lo largo del tiempo. 

“Es una pieza escénica que nace de la investigación de los pueblos originarios, de las mujeres sobre todo y de su ausencia en el relato histórico. La obra se inspira en la voz de Lola Kiepja, mujer selknam y los cantos de Elisa Avendaño Curaqueo, Premio Nacional de Música. Ambas guían una ceremonia donde el cuerpo, la palabra, el sonido, el diseño, se encuentran para hablar de identidad, ausencia y resistencia. Más que representar una historia, Fueguinas busca activar una memoria, reconocer las voces que aún habitan en los territorios y reflexionar sobre el lugar que ocupamos en esa continuidad”. 

Así describe la reconocida bailaora nacional, Natalia García Huidobro, a su más reciente creación, Fueguinas que, bajo su dirección, coreodramaturgia de Pablo Zamorano, dramaturgia de Isidora Stevenson e interpretación de Marcela Millie, Noelia Coñuenao, Gabriela Arancibia, Ely Ocaña, Elisa Avendaño Curaqueo y la propia Natalia García-Huidobro; estrena el próximo jueves 13 de noviembre en la Sala A 2 de GAM; gracias al financiamiento del Fondo de las Artes Escénicas 2025 del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. 

“Una puesta que atraviesa distintos lenguajes escénicos, como la danza, el teatro, la música. Seis intérpretes construyen un paisaje, un cuerpo, una voz para narrar este gran ejercicio de imaginación, reflexión y preguntas que nos hacemos nosotras también. Es una experiencia artística muy visual, muy sonora, muy ceremonial. Una invitación a reflexionar sobre estos temas y cómo nos relacionamos con ellos”, agrega. 

Honrando a las comunidades indígenas sobrevivientes e integrando cultura, espiritualidad, saberes ancestrales, ceremonias y lenguajes contemporáneos, el montaje que cuenta, además, con diseño integral de Cristián Reyes, sonoro de Gonzalo Rodríguez y Francisco Infante, y de vestuario de Daniel Bagnara; abre conversaciones urgentes sobre el respeto, la reciprocidad y la interdependencia entre las personas y la Madre Tierra. 

“Fueguinas nos recuerda que la memoria no pertenece sólo al pasado. Habla de las comunidades, de los pueblos, de las mujeres que siguen presentes, de los saberes que nos sostienen y del vínculo que hemos perdido con la tierra, esta historia y este territorio. Es un momento en que necesitamos volver a mirar estos orígenes. Es totalmente fundamental para sanar la historia de Chile”, concluye.

www.gam.cl

COORDENADAS FUEGUINAS

Duración: 50 min

Recomendada para todo espectador +14

Esta obra presenta oscuridad total por largo tiempo, audiodescripción en español, humo y/o polvo en suspensión.

13 al 22 de noviembre

jueves a sábado, 19.30 h

$8.000 Gral. $5.200 estudiantes, personas mayores, cuidadoras y con discapacidad. $4.800 Jueves de Danza.

Sala A2, GAM

Alameda Bernardo O´Higgins 277, Stgo.

https://gam.ticketplus.cl/events/fueguinas

[Teatro] Almodóvar llega a GAM con concierto teatral y el glamour de sus mujeres

El inconfundible universo de las películas de Pedro Almodóvar, con su humor ácido, toques surrealistas y kitsch, irrumpen en escena en “Quiero ser una chica Almodóvar”, montaje donde las mujeres se roban las miradas y reina la pasión. 

Se trata de una propuesta teatral y musical que mezcla nostalgia y fiesta, con un repertorio de canciones que incluye muchos de los éxitos de la filmografía del afamado director de “Mujeres al borde de un ataque de nervios”, “Hable con ella”, “¡Átame!” y “Tacones lejanos”, entre otras.

Las actrices Antonia Santa María, Dindi Jane, y Elvira López Alfonso y el artista finalista de The Voice Chile (2022) Enzo Ferrada, son quienes interpretan –en voz y actuación– una playlist infalible y que forma parte de la banda sonora de varias generaciones. 

“Piensa en mí” y “Un año de amor” de Luz Casal, “La llorona” popularizada por Chavela Vargas, “Lo dudo” de Los Panchos, “Luna de miel” de Julieta Venegas” y “Resistiré” del Dúo Dinámico, son parte de una selección compuesta por 20 temas que son interpretados en vivo y con una banda de músicos.

La idea de llevar al teatro el cine de Almodóvar surgió de la dupla compuesta por el director Álvaro Viguera y la actriz y productora Antonia Santa María (La Santa). “Quisimos rescatar las canciones más emblemáticas de su filmografía que interpelan a toda una generación que vio en él, un referente que quebró los lugares comunes de los lazos interpersonales y que a través de esa acción pudo mostrar personajes muchas veces invisibilizados dentro de la sociedad española”, explica Viguera.

“La obra es un retazo musical y escénico del mundo almodovariano. Nos inspiramos libremente en ese ambiente de deseo, nostalgia y pasiones muchas veces descontroladas. No copiamos, realizamos una reinterpretación propia”, asegura el director.

El espectáculo, lleno de colores y con un diseño integral sugerente, no sólo es un recorrido por la música de las películas del español, sino también un tributo a las míticas chicas de Almodóvar, a esas mujeres sin complejos, que están siempre al borde de partir o de quedarse, que encuentran en la música su refugio, su escape y su verdad más profunda. 

“Somos cuatro mujeres en diferentes situaciones. Yo, por ejemplo, interpreto a la mujer enamorada, abandonada, deseando lograr el amor tanto de un hombre como el de su madre”, adelanta Antonia Santa María, quien además cuenta que el resto del elenco encarnan otros roles que hablan de libertad, autonomía, experiencia, insatisfacción, intensidad, rabia, belleza, etc. 

Las protagonistas son personajes apasionadas, intensas, en busca de aventuras, libertad y amor. En suma, son el reflejo de historias que arrastran humanidad, rasgos característicos en las películas de Almodóvar.

“Damos espacio y validez a los deseos de la diversidad de mujeres que existen en el mundo y elegimos hacerlo a través de estas representantes del cine de Almodóvar, porque tienen una libertad exquisita y un humor muy rico”, profundiza Santa María.

Para la actriz, el español es “un tremendo referente no solo en el mundo del cine, sino que también a nivel estético y de discurso. En tiempos donde quizás era todo más convencional se atrevió a poner a mujeres particulares en sus historias. Sus películas son una maravilla, con textos preciosos y profundos, algunos de ellos los estamos rescatando en este espectáculo”.

23 al 26 Oct

Ju, Sá y Do— 19.30 h. Vi— 19 h
Entradas en gam.cl

[Música] Del Barroco al rock: GAM florece con conciertos para todos los gustos en septiembre

Entre clásicos y hits noventeros, diversas bandas, ensambles, solistas, cuartetos y proyectos musicales chilenos se tomarán la cartelera desde el 4 de septiembre el GAM. Conciertos, residencias, lanzamientos de EP e invitados internacionales marcarán la pauta de este mes en el centro cultural. 

Por primera vez llega la Orquesta Solístico de Santiago haciendo una residencia de ensamble en GAM con un ciclo de música barroca. La primera sesión será el 4 de septiembre junto a Ana Liz Ojeda, violinista de trayectoria internacional, interpretando obras emblemáticas del compositor italiano Antonio Vivaldi como “Las cuatro estaciones”. El ensamble está integrado por músicos de la Orquesta Filarmónica de Santiago y buscan acercar las obras universales a diversos públicos. 

Los Santos Dumont celebrarán los 30 años de su afamado disco debut "Un día en el ático (y lo que encontramos ahí)" en un concierto el 5 de septiembre. Por primera vez en su carrera, la banda ícono del rock penquista interpretará el disco completo, marcado por canciones psicodélicas y de fuerte influencia británica. Serán acompañados por el músico Carlos Cabezas y teloneados por la banda santiaguina Kaleidoscopio. 

Luego será el turno del rap, hip hop y folk en un espectáculo que celebra la diversidad cultural iberoamericana. Cuatro artistas se reúnen en la Residencia Trenzando, que busca visibilizar el trabajo de músicos emergentes de zonas urbano-rurales. Sobre el escenario se presentarán el 6 de septiembre los músicos chilenos Treko EKZ (Alonso Cepeda) y Proverbio (Juan Enrique Muñoz), el dúo español Las Nietas del Charli (María y Raquel Rubio) y, como invitado especial, el reconocido artista nacional Bronko Yotte. 

Una noche de música y poesía prometen Nata Cortés y Santiago Valenzuela con el lanzamiento en vivo de su EP “Canto de helechos”, álbum de poemas de autoras chilenas musicalizados a partir de improvisaciones. El disco cuenta con poemas de Elvira Hernández, Daniela Catrileo, Nadia Prado, Victoria Ramírez, Leonor Olmos y Angélica Panes. Un concierto íntimo y a la vez colectivo y sensible que se realizará el 7 de septiembre. 

El 12 de septiembre estará en cartelera el proyecto musical Estela Ríos. Tras una residencia creativa en el Estudio de grabación de GAM, los músicos de la escena independiente nacional Carla Bolgeri, Francisco Marín (Bolgeri-Marín), Tiare Galaz (Niña Tormenta) y Álvaro Solar (Protistas) se unen en este proyecto de improvisación y creatividad musical que tendrá su primera apertura de proceso en este concierto único e irrepetible. 

El XXV Festival Internacional de Música Contemporánea de la Universidad de Chile llegará con dos novedosas jornadas musicales. Se presentarán las intérpretes del Cuarteto Vila con música de Pedro Humberto Allende, María José Valenzuela, Alfred Schnittke y Diego Newen González. Además, el Cuarteto de Saxofones Oriente interpretará obras del argentino Marcos Franciosi y el pianista griego Ermis Theodorakis, ofrecerá un repertorio de Arnold Schönberg, Luciano Berio e Iannis Xenakis. 

La música de cámara llegará de la mano del Instituto de Música UC el 24 de septiembre. Las profesoras Tiffany Tieu y Eun Seong Hong ofrecerán cuatro estrenos con música contemporánea asiática de los compositores Tan Dun, Eunike Tanzil, Isang Yung, He Zhanhao y Chen Gang. 

Y para finalizar un clásico septiembre musical, no podía faltar toda la chilenidad con una nueva edición del 18 chico en GAM que pronto lanzará su line up.

4 Sep - Orquesta Solístico de Santiago
5 Sep - Los Santos Dumont
6 Sep - Residencia Trenzando
7 Sep - Nata Cortés y Santiago Valenzuela
9 y 10 Sep - Festival Internacional de Música Contemporánea
12 Sep - Estela Ríos
24 Sep - IMUC

[Eventos] Cerca de 200 artistas expondrán sus obras en GAM

Como cada agosto, Art Stgo retorna a GAM para inundar sus espacios públicos con lo mejor del arte y para ofrecer un panorama gratuito de primer nivel para toda la familia. En esta instancia única, los artistas se dan cita en primera persona para presentar su trabajo e interactuar con el público. 

El fin de semana del 23 y 24 de agosto, 185 artistas se darán cita para dar visibilidad al arte chileno. Curada por la galerista Nicole Andreu, la feria busca superar la asistencia de 30 mil personas que visitaron la versión del año pasado. 

Entre las novedades de esta versión, destaca un nuevo espacio dedicado para la exhibición de esculturas, especialmente pensando en obras de mayor volumen. Y también se suma una zona Kids, que tendrá talleres gratuitos para niños, y un área gourmet con oferta gastronómica de primer nivel. 

Otra novedad será la app Art Stgo, con la que las personas podrán contactarse directamente con los artistas en todo momento y generar un puente de ventas de obras, acceder a catálogo de artes visuales, aprender las diferentes técnicas y tener acceso a un mapa para recorrer con precisión toda la feria. 

“Estamos orgullosos de ser anfitriones de Art Stgo, una feria residente de GAM, que hemos recibido desde sus inicios, hace doce años, con la clara intención de ampliar el alcance de las artes visuales. Ser testigos y partícipes de su crecimiento y transformación nos llena de entusiasmo, pues contribuye a acercar al arte contemporáneo”, destaca Alejandra Martí Olbrich, directora ejecutiva de GAM. 

Este evento, creado y desarrollado por la productora Kraneo, se ha vuelto en una plataforma de difusión para artistas: “Este año tuvimos más de 450 postulaciones de artistas, de los cuales el 70% eran nuevos, es decir, postulan por primera vez. Esto habla de la necesidad de la plataforma Art Stgo para los talentos que buscan mostrar su obra”, comenta Rodrigo Latorre, director de la feria y fundador de Kraneo. 

Por su parte, Paulina Latorre, gestora cultural de la feria señala: “Considerando mejorar la experiencia de todos los asistentes, este año replanteamos el layout de Art Stgo, con el objetivo de mejorar el tráfico al interior de la muestra, generando un desplazamiento más fluido entre los stands”. 

23 y 24 Ago 

Sá y Do — 10.30 a 20 h 

Gam.cl

[Teatro] GAM: Un rito llevará a una masa de intérpretes a bailar hasta la muerte

Con la misión de celebrar sus 15 años de vida, GAM sigue reponiendo emblemáticas obras de todos los tiempos que han sido las favoritas del público a lo largo de los años. En esta oportunidad, la danza se hace presente con "Rito de primavera". 

Tras 11 años, vuelve a GAM esta elogiada reinterpretación contemporánea que el coreógrafo Jose Vidal hizo de "La consagración de la primavera" del compositor Igor Stravinsky. Su versión lleva ese rito al colectivo, con 47 cuerpos que guían una experiencia sensorial. Además de participar bailarines del elenco original e histórico, se incorporan nuevos intérpretes chilenos y extranjeros. 

En el montaje, los primeros minutos de la composición de Stravinsky son fragmentados, modificados y extendidos, conservando su estructura original. Desde un trabajo vocal y el estudio de la partitura, se desarrolla un lenguaje de movimiento, también incorporando elementos de danzas urbanas como hip-hop, house y música electrónica. 

La obra de Stravinsky fue escrita en 1913 y describe el rapto y sacrificio pagano de una doncella al inicio de la primavera, que debía bailar hasta su muerte a fin de obtener la benevolencia de los dioses. Los distintos pasajes de la pieza describen el color e intención de los movimientos, como “Danza de las adolescentes”, “Juego de las tribus rivales”, “Adoración de la tierra”, y “Danza sagrada”. 

Vidal toma este argumento para llevarlo a una experiencia sensorial inmersiva que involucra al público en una especie de ceremonia de liberación, donde el cuerpo colectivo se sacrifica en búsqueda de la existencia. 

Los intérpretes bailan así hasta la muerte para cumplir estos ritos. Lo hacen en grandes escenas de conjunto y transportando al público a un escenario con piso de tierra, donde deben sacarse los zapatos para ser envueltos por colores, temperatura, textura, movimiento, humo y sonido. 

"El público vivirá una experiencia sensible de rito contemporáneo que invita a sacudir la energía, remover las partículas y abrir la piel. La invitación es a permitir que surja la emoción, el éxtasis, el decante emocional, y por esto la pieza propone la participación sensorial a través de un medio ambiente. Vivir una experiencia intensa de rito contemporáneo es un espacio vital para sentirnos parte de un tejido colectivo mediante el cual juntes transmutamos, purgamos, elevamos la energía y sintonizamos espiritualmente", reflexiona su creador, Jose Vidal. 

Estrenado en 2014 en GAM, el montaje fue un hito desde su creación. Vidal actualizó un campo creativo que fue revolucionario en la estética musical y escénica de los cuerpos e innovó en los modos de hacer danza en nuestro país, siendo esta propuesta apreciada por curadores extranjeros que en varias oportunidades llevaron el montaje a Europa (Holanda, Francia, Alemania).

8 al 30 Ago
Ju a Sá — 20 h
Gam.cl

[Teatro] Vuelve María Izquierdo con Amores de cantina al GAM

En 2011 “Amores de cantina”, la tragicomedia musical del dramaturgo chileno Juan Radrigán, se convirtió en uno de los hitos teatrales de la cartelera nacional. La primera producción propia de GAM se estrenó ese año como parte de la celebración del primer aniversario del centro cultural y conquistó al público. 

A 15 años de su debut, el montaje vuelve a las salas con su elenco original de actores -que incluye a María Izquierdo, Luis Dubó, Claudia Cabezas, Ema Pinto y Francisco Ossa, entre otros- para interpretar en vivo las emblemáticas baladas, cuecas urbanas, tangos, cumbias, boleros y rancheras. 

Con su piel traslúcida, pelo empolvado y vestida con ropas de otro tiempo, la actriz María Izquierdo es la narradora fantasma y que habla desde la muerte sobre amores vencidos, fatales y furiosos, en la cantina de don José, encarnado por Luis Dubó. Escoba en mano y cantando a capella va advirtiendo lo que vendrá para el resto de los protagonistas. 

En esta cantina sin lugar ni tiempo definidos, deambulan ocho seres en un tránsito entre la vida y la muerte. Son convocados por amores incompletos, eventos trágicos, el vino y la necesidad de narrar para convertir sus penas en música. Todo cambiará cuando llegue un desconocido para saldar cuentas y desatar la tormenta. 

Cada una de las vivencias que cuentan los personajes, crean el contexto de la historia principal, mostrándonos lo que cada uno puede llegar a perder con tal de obtener la felicidad. De esta forma, circulan en la dramaturgia temas universales que generan una instancia festiva y de real encuentro con los espectadores. 

La actriz María Izquierdo ya vaticinaba hace una década su éxito: “Se trata de una puesta en escena que está llamada a trascender, porque tiene mucho que ver con la cultura popular. Esta obra va a gustar, es una perlita muy chilena y por eso es un agrado poder estar en ella". 

El montaje, dirigido por Mariana Muñoz, propone un lenguaje musical que su directora ha potenciado al encargar composiciones de distintas sonoridades y tradiciones. Asimismo, el texto sigue la línea de creaciones del dramaturgo, siempre pobladas por seres fantasmagóricos que arrastran culpas y desengaños, y que operan como alegoría del Chile actual. 

“Es una obra que nos habla de la memoria de Chile y de su historia de desolación. Nos cuenta de la necesidad de organización, del poder popular, de manifestación, de lucha y de jubileo. Nos habla del amor, del rol de la mujer, de la libertad, de la marginalidad y de la identidad de un país, pero también de la pertenencia de la humanidad al misterio de la existencia. De ahí su trascendencia. Volver a poner en escena la obra hoy, viene a colaborar con el movimiento social recordándonos el sentido de la lucha poética que Juan Radrigán realizó a lo largo de toda su obra”, enfatiza Mariana Muñoz, su directora. 

La obra fue seleccionada en la Muestra de Dramaturgia Nacional y elegida como uno de los mejores montajes del 2011 por el Círculo de Críticos de Arte de Chile. Fue un éxito inmediato de público y crítica, se grabó un disco con la banda sonora, se publicó un libro con el texto y tuvo presentaciones en distintos lugares de Chile y el extranjero 

23 Mayo al 8 Jun 

Ju a Sá— 19.30 h. Do— 18 h

[Teatro] Adolescentes enfrentan los prejuicios masculinos en escena en "La posibilidad de la ternura" en GAM

Un grupo de adolescentes chilenos se sube a escena para exponer sus genuinas visiones sobre aquello que significa convertirse en hombres. Ellos decidirán resistir al mandato cultural que les impone ser agresivos y fuertes, buscando construir su propia masculinidad. 

Bajo la dirección de Marco Layera y Carolina de La Maza, los jóvenes cocrearon este montaje a través de sus experiencias y testimonios, en base a diversos cuestionamientos: ¿Qué es lo que nos frena a mostrar y pedir afecto? ¿Qué pasa si no queremos cumplir con las exigencias que se nos imponen? ¿Qué nos prohíbe demostrar nuestra fragilidad? 

“Nosotres fuimos intérpretes y también creadores. El proceso significó abrirnos, conversar, empatizar con el otro, hablar de lo que nos pasa, y a partir de nuestras experiencias, fuimos conformando relatos, ficcionando e investigando. El ejercicio que hacemos es subirnos al escenario y ser nosotres, no un personaje”, sostiene Dimitri Bueno, uno de los intérpretes del montaje. 

Sobre el escenario, cada uno irá compartiendo sus sentimientos colectivamente para contenerse unos a otros, embarcándose en la construcción de su masculinidad, enfrentándose al miedo a ser marginados y abriéndose a la posibilidad de manifestar afecto libremente. 

Leftraru Valdivia, otro de los intérpretes, comenta: “Abordamos cómo nos sentimos vulnerables por el simple hecho de no mostrar rudeza en situaciones donde socialmente deberíamos mostrarla, donde nos da miedo mostrarnos frágiles, porque según la sociedad eso no es normal en un niño o un hombre. Principalmente nos cuestionamos por qué la ternura tiene que ser sinónimo de debilidad”. 

En medio de un contexto en donde la dominación del hombre no deja de imponerse mediante guerras y sistemáticas violencias, la práctica de la ternura adquiere un poder revolucionario que permite habitar otras formas de comprender la vida alejadas de la barbarie y brutalidad. La obra reivindica la ternura haciéndola parte de un espacio de lucha y resistencia constante. 

Tal como lo manifiesta Leopoldo Pulgar en su crítica en Biobío: “La posibilidad de la ternura se nutre de la palabra testimonial de un elenco con cuerpos en busca de identidad que, por ahora, asumen la necesidad de continuar resistiendo y luchando contra los prejuicios, construyendo sus propios espacios de pertenencia colectiva”. 

Esta producción GAM se presentó por primera vez en septiembre del 2023 en la Ruhrtriennale de Bochum (Alemania) y con una gira por España. Luego de su estreno en Chile en GAM, al año siguiente continuó de gira por países como Noruega, Italia, Holanda, Portugal, Alemania y México. 

15 al 18 Mayo Ju a Sá— 19.30 h, Do— 18.30 h

[Teatro] Estreno de danza en GAM: Cuerpo y luz se unen en un relato danzado

Los movimientos de la luz solar en el hemisferio sur y los delirios al experimentarla son la gran fuente inspiradora en “Revelar”, la nueva creación de la artista Daniella Santibáñez. 

El montaje es la última parte de Ensayos sobre la Luz, trilogía que ya deleitó al público con “Aparecer” y “Develar”, e indaga en los imaginarios que gatilla la exposición prolongada a la luz, compartiendo las sutiles, pero alucinatorias experiencias ópticas que son captadas con los sentidos. 

“La luz no es solo un elemento externo que ilumina, sino una entidad que anima, transforma, da volumen y moviliza. Forma parte de todo lo vivo y está presente también en los cuerpos y sus relaciones con el mundo”, explica Daniella Santibáñez, autora del proyecto. 

Tanto en el proceso de creación como en la pieza resultante, la fotografía y la danza han estado vinculadas, observando, registrando, experimentando y creando operaciones corporales, coreográficas y escénicas, ya que el cuerpo, al igual que el papel fotográfico, es una materia que por ser sensible a la luminosidad es capaz de crear – o revelar - imágenes.

Este testimonio danzado “invoca al acto de revelar como una posibilidad de volver a contemplar y recordar la presencia de la luz solar, su traspaso e impresión en nuestros cuerpos”, adelanta su creadora e intérprete.

La creación de solarigrafias – imágenes que recogen el recorrido diario del Sol por el cielo - detonó las prácticas corporales que se ven en la escena, dando pie a la aparición de criaturas solares y cuerpos luminiscentes que recuerdan el tránsito a otros mundos.

En un espacio escénico cuidado, y con la música en vivo de Valentina Maza, los asistentes verán cómo la luz se materializa en elementos como la vestimenta, el movimiento, las acciones y el sonido. 

“El montaje transita entre una puesta en escena y una instalación, donde conviven una arquitectura lumínica, un operador de luces con su mesa a la vista, una violista y compositora de música electrónica en vivo, más una performer bailando una colección de prácticas corporales sensibles a la luz”, describe Santibáñez.

La idea es envolver al público en una experiencia de contemplación colectiva, invitándoles a – como asegura la bailarina- "sensibilizarnos con la belleza, la extrañeza y la sutileza".

"Necesitamos prácticas que nos vinculen espiritualmente con la vida, algo fundamental para la subsistencia en tiempos de crisis sociopolítica. Ahí es donde entra en juego la capacidad de delirar, porque es una oportunidad para abrirnos a otros imaginarios que nos permitan pensar otros mundos posibles", precisa Santibáñez.

[Teatro] Pam Berry: Brujas y monjas se cruzan con una joven lesbiana

La destacada dramaturga y escritora Rae del Cerro (“Antes de morir quiero conocer el cielo”), ganó la XX Muestra Nacional de Dramaturgia en categoría emergente, con “Pam Berry”, texto que indaga en la violencia, el trauma y la soledad que el sistema patriarcal y heteronormada impone a la identidad lésbica.

La obra recorre la búsqueda de una joven que siente ser la única lesbiana en el mundo y por eso prefiere soñar, porque en los sueños, puede vivir su identidad y ser quien ella quiere ser.

Mientras duerme, Pam Berry puede ser ella misma y pasar tiempo con Sor Marina, una supuesta monja de claustro que se convierte en su única amiga. Un día, la religiosa le da señales de que podría existir en la vida real y que pronto podría desaparecer. Con la esperanza de encontrarla, Pam acude a una bruja, pero las cosas no se darán como esperaba.

En ese camino se encontrará con dificultades como la violencia y la discriminación, pero también se dará cuenta que no está sola en su forma de amar.

El montaje se construye desde la actuación y el canto, donde la música y el cuerpo expresan la emotividad y tristeza, pero también ternura y humor. Es un trabajo gestual que toma elementos del circo, con una puesta en escena sensible que habla del amor en toda su diversidad y complejidad, una pieza sobre los imaginarios y sueños lésbicos de libertad.

“A través de la puesta en escena de esta historia de amor entre lesbianas, nos hacemos cargo de este contenido poético y del discurso político a través del humor, del melodrama y la música”, señala la directora Ana Luz Ormazábal. 

Como explica la dramaturga Rae del Cerro, la obra contiene “un componente relativo al teatro de las rebeldías sexuales y de género y su especificidad lésbica, que es temática central en esta obra, y que, sin duda, me parece importante promover. Hay una deuda histórica con las dramaturgias lésbicas y los montajes lésbicos”.

29 Nov al 15 Dic.
Ju a Sá — 19.30 h. Do — 18 h.
Entradas en gam.cl

[Música] Nicole presentará sesión musical íntima en GAM

Para celebrar los 30 años de uno de sus discos más renombrados, “Esperando Nada”, la cantante y compositora chilena Nicole, presentará en GAM un formato íntimo donde interpretará parte de sus grandes éxitos.

La artista nacional ya comenzó desde noviembre a recorrer el país con su inédita gira “Dame Luz Tour”, la que incluye nueve ciudades y teatros. Rancagua, Temuco, Valdivia, La Serena y Valparaíso ya disfrutaron de su música. Tras su presentación en GAM el 3 de diciembre, se desplazará a Talca y Concepción, para finalizar en el Teatro Municipal de Santiago.

Cabe destacar que en GAM, se presentará en un formato íntimo, electroacústico, solo voz y guitarra, en una experiencia nueva y dinámica para el público. Además, la cantante tendrá una conversación profunda con la periodista y especialista en música, Marisol García. 

Treinta años después del disco que la llevó a la fama, Nicole espera interpretar de manera íntegra este álbum en vivo, lo que para ella ha significado reencontrarse con canciones “que no he tocado hace muchos años, y que me llevaron a lugares que atesoraba: reviví muchos momentos de grabación y conciertos que hice en esa época. Cuando estaba con esa ilusión de que me fuera bien en la música, de poder dedicarme realmente a esto y solo a la música. Toda esa sensación volvió a mi mente”. 

“Estoy muy emocionada, porque recorrer la mayor cantidad de teatros que hay en Chile, era algo que realmente quería hacer desde hace mucho tiempo. Y en esta instancia, que es súper especial, donde se cumplen 30 años de este disco, un trabajo que marcó un inicio muy importante”, comentó la artista.

La artista comenzó su carrera en 1989, fecha en la que editó su primer álbum "Tal Vez Me Estoy Enamorando". Sin embargo, “Esperando Nada” (1994), su segundo disco, fue el que definitivamente la relanza a la escena musical chilena de la mano de su primer sencillo “Sin gamulán”. Otros hits de ese trabajo fueron icónicos para la intérprete y para el público, como "Dame luz", "Extraño ser", "Sólo el mar", entre otros.

Actualmente, Nicole se mantiene vigente y consagrada en el mundo musical. Hace alrededor de un año, lanzó su último disco “Claroscuro” el cual tuvo un gran recibimiento por parte del público, en especial de los seguidores más nuevos.

En ese sentido, la destacada artista comentó que es muy motivante hacer una presentación distinta: "Espero que todos cantemos fuerte y  disfrutemos de un conversatorio post show. Será un alto en medio de la gira que no se pueden perder, es una cita”, compartió.

3 Dic
Ma – 19.30 h
Promociones y ventas en gam.cl

[Eventos] "Baila en la plaza" invita a mover el cuerpo en el GAM

“Baila en la plaza” es una invitación abierta a todas las personas que deseen sumarse a la alegría del baile en una instancia gratuita, al aire libre y con los mejores profesores y bailarines profesionales. 

Durante noviembre y diciembre, la iniciativa presentada por Seguros SURA, transformará el Centro Cultural GAM en un punto de encuentro, donde se podrá disfrutar de clases de distintos estilos de baile. Ya sea para aprender algo nuevo o simplemente moverse al ritmo de la música, este proyecto es la oportunidad perfecta para conectarte con el arte del movimiento y la comunidad.

Las clases serán los sábados y domingos, a las 16 horas, tendrán una duración de 1 hora y 30 minutos y se realizarán en Plaza Zócalo sin inscripción previa.

"Estamos muy contentos de ser el epicentro de esta actividad que democratiza la danza, sacándola a los espacios públicos de manera gratuita. Como Centro Cultural GAM es muy importante que esta manifestación artística llegue a todos los cuerpos y a todas las personas que sientan el impulso de bailar, pues la danza es parte de nuestros derechos culturales”, asegura María José Cifuentes, directora de programación de GAM.

El sábado 9 de noviembre los asistentes podrán aprender salsa casino, estilo de baile de salón cubano de carácter popular y tradicional, surgido a finales de la década del 50. Es la forma original de bailar la salsa, que se caracteriza por una serie de giros provenientes del mambo cubano. Es definida como un baile animado, juguetón y que no está orientado a la competición. Muy común es la "Rueda de casino", donde un grupo de parejas realizan una serie de figuras en conjunto, lo que hace que se vea coreografiado.

La clase, a cargo de la agrupación Santiago Baila Salsa, repasará pasos básicos, para luego construir una “figura” coreográfica. El objetivo es que el público aprenda de una forma entretenida y que conozca más de esta expresión artística. 

El turno del Lindy hop, estilo de baile swing que capta cada vez más adeptos en nuestro país, será el domingo 10 de noviembre. La jornada la guiará Crazy Legs Chile, academia y compañía de danza dedicada a los estilos de baile más icónicos de la era del jazz, swing y rock’n roll (1920s-1960s), como el Lindy Hop, Charleston, Authentic Jazz, entre otros. 

También habrá oportunidad para aprender hip hop freestyle con Nicolás Cancino, un destacado referente de esta disciplina, con formación en Danza y Coreografía en la Universidad UNIACC y un vínculo profundo con los orígenes del estilo en Nueva York. Su clase tendrá lugar el sábado 16 de noviembre. 

El domingo 17 de noviembre será el turno del old way vogue, baile que surge en los años 60 dentro de la comunidad Ballroom y las drag queens afroamericanas. Es la forma más clásica del voguing, caracterizada por trazos lineales, ángulos rectos, una ejecución precisa y elegante, y por supuesto, las famosas poses de modelos de la revista Vogue.

Esta sesión es impartida por Kari Ninja Keller/Kari Navarrete, integrante de Iconic House of Ninja y de Pioneer Kiki House of Keller, y licenciadx en Artes mención Danza en la Universidad de Chile.

El twerk también tendrá una oportunidad en “Baila en la plaza”, el sábado 30 de noviembre, en una clase impartida por Sudakas Sudadas, proyecto liderado por Andrea Uribe, Camila Soto y Diana Carvajal, que investiga el freestyle twerk, práctica urbana de fama mundial que se caracteriza por sus movimientos de cadera y muslos.

El domingo 1 diciembre habrá una clase de danza afro jazz, que fusiona movimientos de danzas de ascendencia africana, jazz y estilos contemporáneos. Esta danza se centra en restablecer un equilibrio entre el cuerpo y el espíritu, buscando la armonía y la conciencia para controlar la fuerza interior. Se caracteriza por su ritmo dinámico, movimientos expresivos y una conexión profunda con la cultura africana y sus raíces.

Esta última será liderada por Evens Clercema, bailarín y coreógrafo haitiano ha enfocado su trabajo en danzas afro haitianas y jazz contemporáneas. Director artístico y coreógrafo de la Compañía Arte & Cultura JAFCO América, vive en Chile hace 15 años, trabajando como profesor de danza en cursos permanentes y seminarios intensivos en a nivel nacional e internacional.

Salsa casino: 9 Nov. Sá – 16 h.

Swing: 10 Nov. Do — 16 h.

Hip hop freestyle : 16 Nov. Sá — 16 h. 

Old way: 17 Nov. Do – 13.30 h

Twerk: 30 Nov. Sá – 16 h

Danza afro jazz: 1 Dic. Sá – 16 h

Plaza Oriente

Entrada liberada

[Teatro] Verbatim: Comedia fantástica juega con la sincronización de labios

¿Qué harías si un día despertaras y sintieras que dentro de ti hay una voz que no es la tuya? Este es el punto de partida de “Verbatim”, proyecto escénico-sonoro que trabaja con este concepto que significa la reproducción exacta de una oración desde una fuente a otra.

Y en este caso, de un cuerpo a otro a través del lip sync, técnica utilizada en animación, videojuegos y películas.

La obra gira en torno a Ana, personaje que tiene la impresión de estar fuera de su propio cuerpo y sueña que es otra persona. Por su parte, Laura, es una mujer que padece un trastorno de la personalidad que la obliga a mentir y que por eso se esfuerza en hablar lo menos posible. Dentro de ella habita “La voz”, una especie de doble que a ratos toma el control de sus pensamientos y que poco a poco intentará apropiarse de la mente de los demás.

¿Quién es el original y quién es la copia? ¿De quién es esta voz? Son parte de las preguntas que plantea este ejercicio teatral, que dialoga con lo fantástico o esotérico y con el humor y el suspenso. 

El montaje ahonda en la unión por fragmentos de la voz y el cuerpo, lo que produce sospecha, caos y repetición, el plagio de una voz que se reproduce como un eco en el tiempo y el espacio.

“El proyecto busca ideas, estéticas y lenguajes que exploren el cuerpo humano y sus posibilidades de sincronización y desincronización de la voz. Este montaje es un viaje en el tiempo y en la mente de los personajes”, devela Muriel Miranda, a cargo de la dramaturgia y la dirección de la pieza. 

La artista cuenta que éste es el resultado de un largo proceso de experimentación. "Empecé a pensar en qué pasa si yo pongo sobre una imagen una conversación suplantada. Entonces pensé en el cuerpo y la voz como entidades disociadas, así como lo eran las películas antiguas, uniendo sus partes en postproducción”, profundiza.

En escena, los intérpretes Natalia Valladares, María Siebald y Daniel Marabolí, se sentarán en un living de una casa y a veces en la nieve, convirtiéndose en eco de ellos mismos.  Además de sus protagonistas, existe una cuarta voz que emerge de en uno de ellos y que busca apropiarse del resto. 

El público podrá ser testigo, no sólo de las voces del elenco, sino que también podrá escuchar sus pensamientos. 

La directora hace hincapié en lo que pasa sobre el escenario, donde se da una dinámica de “atletismo”, pues en su interpretación el elenco debe tener un manejo excepcional del tiempo, el que debe ser “muy exacto y sincrónico”, aclara.

"La obra es una apertura, una invitación a ver y escuchar, juntos y por separado. A agudizar los sentidos. La obra problematiza sobre la escisión entre el cuerpo y la voz, sobre la suplantación y la identidad. Sobre los originales y las copias, sobre quién miente, sobre ser impostor. Los personajes se van convirtiendo en ecos de ellos mismos", finaliza Miranda.

25 Oct al 10 Nov.

Ju a Sá — 19 h. Do — 18 h

Entradas desde $5.600 en gam.cl