[Eventos] “Wuñelfe: Lucero del amanecer”: Ricardo Curaqueo estrena rito escénico inspirado en la cosmogonía mapuche

“Wuñelfe: Lucero del Amanecer” es una creación coreográfica inspirada en la cosmogonía mapuche y los relatos sobre el origen del mundo. En la tradición de ese pueblo originario, Wuñelfe, nombre que se le da al planeta Venus, es representado como una estrella de ocho puntas que anuncia la primera luz del día. A partir de esta figura, el montaje despliega una dramaturgia que acompaña el tránsito desde la oscuridad hacia la primera luz, haciendo visible la génesis del universo.

Primera parte de la trilogía Cuerpos del Retorno, la obra inaugura un nuevo ciclo en la trayectoria del bailarín y coreógrafo mapuche Ricardo Curaqueo Curiche. Con esta pieza, el autor da continuidad al recorrido iniciado con “Malen” (2017, Premio del Círculo de Críticos de Arte de Chile), “Weichafe” (2019) y “Mollfun” (2022), profundizando una poética coreográfica desarrollada desde esta cosmovisión ancestral. 

El montaje reúne en escena a nueve bailarinas y cuatro mujeres del mismo pueblo originario, cuyos cuerpos y voces participan de la construcción coreográfica y dramatúrgica. En este encuentro, la aparición de Wuñelfe deja de ser únicamente una referencia simbólica para convertirse en el acontecimiento ritual que organiza el desarrollo de la pieza.

“La obra transita desde la oscuridad hacia la aparición gradual de la luz, construyendo imágenes físicas y sonoras inspiradas en los ciclos del amanecer y en la figura de Wuñelfe, el lucero de la mañana. Más que una narración lineal, propone una experiencia de presencia compartida donde cuerpo, memoria y ritualidad se encuentran con lenguajes escénicos contemporáneos", adelanta Ricardo Curaqueo, su director.

La composición musical y la dramaturgia sonora fueron desarrolladas en colaboración con el violinista y compositor Francisco Moreira (VÑVM), cuyo trabajo establece un diálogo permanente con la coreografía, configurando una dimensión sonora inseparable de la dramaturgia de la obra.

Para Curaqueo, “el reto es abrir una dimensión más abstracta y sensorial vinculada a la cosmología, la ritualidad y la percepción del tiempo”. Y concluye: “No se trata de ilustrar un mito, sino de activar una experiencia escénica donde cuerpo, voz y ritualidad produzcan conocimiento sensible”. 

31 Jul al 16 Ago
Ju a Sá— 20 h. Do— 19 h

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[Música] Música clásica en GAM: Orquesta solístico inicia temporada con conciertos de bolsillo

El ciclo de la Orquesta Solístico de Santiago presentará una temporada que homenajea los conciertos para solistas, poniendo en relieve la destreza individual de los intérpretes junto al respaldo instrumental del resto del conjunto.

En el "formato bolsillo", la esencia del concierto se potencia al reducir la cantidad de músicos en escena y simplificar la instrumentación. Esto permite que cada nota y emoción se perciban con un impacto y claridad únicos, logrando una mayor complicidad entre el solista y la audiencia. 

La orquesta, formada por músicos de la Filarmónica de Santiago, reunirá en tres presentaciones a destacados intérpretes con un enfoque en piezas fundamentales tanto de la música clásica como de la actual. 

El ciclo se titula "Resonancias del agua", con obras que sumergirán al público en una experiencia estética enriquecedora, invitándolos a contemplar la profunda interconexión entre la música y la naturaleza.

En la primera presentación, el 17 de julio, se interpretarán seis piezas que abarcarán desde el barroco hasta lo contemporáneo. El Concierto para oboe y violín en Re menor de Johann Sebastian Bach, presentará a Claudia Fonseca y Macarena Ferrer como solistas con un paisaje sonoro donde las melodías fluyen como corrientes silenciosas. 

La riqueza de la voz humana se hará presente con el aria "Alto Giove", de la ópera Polifemo de Nicola Porpora. A cargo del contratenor Cristhopher Osorio, su interpretación evocará la fuerza de un manantial que brota a la vida. Escrita originalmente para el legendario castrato Farinelli, esta pieza destaca por su belleza melódica, sus exigencias de control de la respiración, sus trinos y notas largas sostenidas.

A su interpretación le sucederá el Concierto para piano y orquesta en La Mayor de Wolfgang Amadeus Mozart, interpretado por María Hannemann Vera. Esta obra ofrece una conversación entre el piano y los instrumentos de la orquesta, que juntos crean un efecto similar al de una cascada.

La Romanza en Fa mayor Nº2 de Beethoven, a cargo de la violinista Paula Barrera, invitará a la audiencia a vivir la calma que precede a una tormenta. Y en "Rejoice Greatly" de George Frideric Handel, la soprano Barbara Ramírez, brindará esta aria del oratorio El Mesías como las gotas de agua que brillan al sol.

El cierre de esta primera fecha se complementará con la obra "Exploración: en busca del Alicanto" del joven compositor chileno Jean Barahona, donde la solista Karla Rodríguez guiará a la audiencia con su clarinete a descubrir lo mágico del mundo que nos rodea.

La Orquesta Solístico de Santiago en formato de bolsillo, liderada por la violinista Macarena Ferrer, continuará en GAM con otras dos presentaciones, el 26 de agosto y el 10 de septiembre.

El segundo concierto incluirá la Sonata en sol mayor de J. S. Bach, el Concierto para dos violoncelos en sol menor y el aria "Cessate, omai cessate" de Antonio Vivaldi, el Concierto para corno No. 1 en re mayor de Joseph Haydn y Poème op.25 para violín de Édouard Chausson. En tanto en la tercera presentación, se podrá disfrutar de la emblemática obra "Las Cuatro Estaciones" de Vivaldi.

17 Jul, 26 Ago y 10 Sep
Vi, Mi y Ju— 19 h

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[Teatro] En el Mes del Orgullo: El crimen del joven transgénero que inspiró montaje treatral (GAM)

Nacido y criado en la Ligua, con nombre de artista y siempre sintiéndose mujer. Así creció Dylan Vera, joven transexual de 26 años que fue asesinado a pasos de su casa en La Pintana a fines de 2014. Las razones fueron confusas y se sospechó que su muerte era un caso de transfobia. En los medios, una madre clamaba justicia por la muerte de su hija.

Esta noticia fue la que inspiró al dramaturgo Bosco Cayo a escribir “El Dylan” (2017), bajo la dirección de Aliocha De la Sotta y su compañía Teatro La Mala Clase. Casi diez años después de su estreno y tras haber circulado por decenas de escenarios en Chile y el extranjero, la agrupación trae de vuelta este montaje. 

El autor reconstruye el caso a partir de múltiples voces convirtiendo la brutalidad y violencia de este acto discriminatorio en la oscura imagen de una sociedad que teme a la diferencia. “El Dylan” es la historia de un tránsito, la búsqueda de un renacer y el relato de un niño que quiere ser una niña.  

Cayo cuenta que al momento de escribir decidió centrarse en los discursos y no en los personajes: “La obra se cuenta desde las voces, lo que dicen, sin decir quiénes son los personajes. Todos interpretan al Dylan. Es una obra de teatro que busca incorporarnos en la culpa. Todos somos un poco culpables de la discriminación". 

Montarla en 2026 tiene otro cariz: “Poder presentar nuevamente esta obra, nos permite mirar y mirarnos, lo que hemos cambiado y lo que no, y poder entonces revisarnos", agrega. 

En un escenario prácticamente despojado, cinco actores dan vida a los testimonios de la madre, una amiga, los vecinos y los asesinos. Con vestidos similares en distintos cortes, zapatos de charol y chaquetas negras, van recreando diversos espacios para relatar esta historia.

En el Mes del Orgullo, donde se conmemoran los derechos y la historia de la comunidad LGBTQ+, la obra nos hace reflexionar sobre la ignorancia y la discriminación que desembocan en una desmedida violencia contra todo lo diferente.  

“Volver a presentarla es ver cómo el país se ha ido transformando, cómo la discusión nacional en relación a los cuerpos trans y las identidades de género, se ponen en tensión a lo largo de los años. Cuando estrenamos, la identidad de género era un tema que no se tocaba en el teatro”, afirma la directora, Aliocha De la Sotta.   

26 Jun al 5 Jul
Vi y Sá— 19 h. Do— 17 h

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[Teatro] “Voces de la comedia”: El stand-up inundará de risas las salas de GAM

El Centro Cultural Gabriela Mistral, GAM, apuesta por incorporar desde este año el stand-up comedy como una expresión más de las artes escénicas. Este nuevo espacio para el humor debuta con el ciclo “Voces de la comedia”, el que contempla cuatro fechas y es curado por Absurda Studios.

Desde el 24 de junio, la risa sube al escenario de GAM con una selección de miradas y estilos de algunos de los exponentes más influyentes del humor actual: Natalia Valdebenito, Pamela Leiva, La Wilo, Pao Molina, Vicho Viciani y Luni Love.

Los comediantes formarán duplas los miércoles de junio y julio para presentar un recorrido por la observación social, la sátira y sus experiencias de vida en un formato íntimo.

Esta alianza entre el centro cultural y Absurda Studios busca que la comedia no solo sea un espacio para reír, sino también una herramienta de lectura del presente y un catalizador del relato social.

"Creo importante impulsar proyectos que no solo conecten la comedia como entretenimiento superficial, sino también con el lugar cultural que ocupa. Este proyecto, en conjunto con GAM, marca un hito al abrir ese espacio dentro de una programación cultural, permitiendo que la comedia dialogue con otras disciplinas y públicos. La idea es abrir camino y demostrar que la comedia puede ser un espacio mucho más amplio, diverso y digno de lo que históricamente se nos ha mostrado", comenta Erik Avilés, La Wilo, uno de los fundadores de la productora audiovisual Absurda.

Los fuegos los abrirán el 24 de junio Pamela Leiva y Luni Love. Parte del nuevo show “Comer Rezar We!@r” traerá Pame Leiva a GAM para invitar al público a recorrer sin filtro distintas historias de su vida. Un espectáculo que ha circulado por todo Chile y que ha consolidado a la puentealtina como una de las comediantes más queridas de Chile. Por su parte, Luni Love presentará "Lunipersonal", con un repertorio afilado, valiente y delirantemente catártico. Esta comedianta y cantante, que saltó a la fama con su podcast "LEVE" junto a Vale Vieira, tiene un récord de seguidores y destaca por un estilo directo y vinculado a las vivencias de las nuevas generaciones.

Natalia Valdebenito y La Wilo unirán fuerzas el 1 de julio para sorprender a la audiencia con sus estilos opuestos. Valdebenito es un referente indiscutido y pionera del stand-up moderno en Chile, con una propuesta que mezcla teatralidad, crítica política y activismo social. La Wilo, famoso por su podcast “Weona que Creici”, ha construido una voz propia donde la cultura pop y la experiencia queer se entrelazan. Hoy presenta su nueva rutina “Patas con tierra”.

El 8 de julio será el turno de Pao Molina y Vicho Viciani, dos jóvenes con miles de seguidores en redes sociales. Molina es escritora e influencer y con el fanpage "Confesiones de una soltera" cosechó éxitos gracias al humor de observación sobre la vida adulta y la soltería. Tras su paso por el Festival de Olmué (2024), Vicho Viciani se ha popularizado por sus rutinas sobre ponerse viejo tras los 30 años. Actualmente, conduce el podcast “Diario de un Apocalipsis” con Pamela Leiva y destaca por su humor nostálgico sobre la vida cotidiana y la masculinidad frágil.

Para finalizar este inédito ciclo, el 24 de julio, los seis comediantes se unirán para ofrecer una única presentación en la sala grande de GAM. 

“No creo que estemos cambiando el mundo, pero sí creo que podemos ser parte de algo significativo para muchas personas. Y desde ahí, el contenido que presentamos cobra sentido: como un espacio de encuentro, de identificación y de apertura. Es una invitación a permitirse disfrutar sin culpa. En un contexto donde las tensiones son constantes, el escenario se vuelve un lugar para volver a conectar con algo esencial: esa vibración que tiene la risa, esa capacidad de aliviar, de abrir y de alguna manera, de acariciar el corazón”, finaliza el comediante.

24 Jun al 24 Jul
Mi— 19.30 h. Vi— 19.30 h

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[Teatro] Velocirraptors: Mujeres mayores lideran una revolución en un supermercado mayorista en nueva obra en GAM

Tres mujeres mayores observan un eclipse. La energía del momento las impulsa a iniciar una revolución y a liderar una revuelta en un supermercado mayorista. Ahí se organizan, discuten, y también sueñan un mundo diferente que las incluya. A ellas y a todas las mujeres, sin importar su edad. 

En clave de comedia negra, Velocirraptors aborda la vejez, el rol de la mujer y los cambios sociales que, con un espíritu lúdico y transgresor, pone en cuestión los estereotipos sobre lo que significa envejecer en un país como el nuestro.

Este montaje es un proyecto financiado por el Fondo Nacional de Fomento y Desarrollo de las Artes Escénicas, convocatoria 2025, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. 

Escrita y dirigida por Andrea Franco (Mutilados, Boca Abajo), la obra surge del interés de la autora por explorar la situación, muchas veces precaria, en que viven las mujeres mayores. “Fue una época en la que vi varios casos en prensa sobre mujeres mayores abandonadas por sus familias. Pensé que había muy pocas obras sobre personas mayores, y mucho menos sobre mujeres, sobre todo con perspectiva de género. ¿Qué rol han jugado las mujeres más viejas? Hay una historia que las deja de ver cuando ya son mayores, como si nunca hubieran sido partícipes de los espacios políticos”, explica la dramaturga.

En el supermercado, “las viejas” -encarnadas por Andrea García-Huidobro, Andrea Ubal y Gabriela Aguilera- hacen asambleas y lives en redes sociales para invitar a otras mujeres a sumarse a su revolución. Desde un lugar lúdico, los personajes llevan al límite los estereotipos que tenemos sobre la vejez. “Las actrices son más jóvenes que las mujeres que interpretan. Me pareció importante hablar de la vejez, pero más que eso, sobre la representación de la mujer. Y cómo las mismas mujeres contribuimos a eso”, comenta Franco. 

El título de la obra hace alusión al término utilizado en redes sociales para referirse a las mujeres que, una vez abiertas las puertas del metro, corrían por un asiento. “Dentro de esto está la idea de que si las mujeres viejas son “choras”, también es visto como un problema. ¿Por qué una mujer mayor no puede exigir su asiento? Ahí hay algo distorsionado a nivel de imágenes y de representación”, agrega la directora. 

Al ritmo de la cumbia psicodélica, el trap, y un universo sonoro a cargo del destacado músico Cuti Aste, Velocirraptors es una propuesta actual que explora la marginalidad, la precariedad económica y la soledad, pero también la fuerza de la lucha colectiva y la necesidad de un feminismo que no deje a nadie fuera por su edad. 

La obra tendrá su estreno en GAM, con funciones del 26 de junio al 12 de julio, viernes y sábado 20:30 hrs y domingo 18:30 hrs.

Taller de dramaturgia colaborativa para personas mayores

En el marco del estreno de Velocirraptors, la dramaturga y directora Andrea Franco realizará el taller “Memorias en comunidad: dramaturgia colaborativa a partir de archivos personales”, dirigido a personas mayores interesadas en participar de un espacio de encuentro donde las experiencias individuales puedan transformarse en memoria compartida y reflexión sobre la vida comunitaria. El taller se realizará el martes 7 y jueves 9 de julio de 11:00 a 12:30 hrs. en BiblioGAM. Gratuito previa inscripción. 

Ficha artística

Dirección y dramaturgia Andrea Franco Marin | Asistente dirección Monserrat Estévez Calderón | Intérpretes Andrea García-Huidobro Celedón, Andrea Ubal Rodríguez, Gabriela Aguilera Vallejo, Monserrat Estévez Calderón, Juan Pablo Larenas Dintrans | Producción Heny Roig Monge | Diseño Integral Manuel Morgado Escalante | Diseño Audiovisual y Fotografías Liú Marino Águila | Diseño Sonoro Guillermo “Cuti” Aste von Bennewitz, Emilio Adasme Campos | Comunicaciones Fogata Cultura
Proyecto financiado por el Fondo Nacional de Fomento y Desarrollo de las Artes Escénicas, convocatoria 2025
Patrocina Escuela de Teatro Pontificia Universidad Católica de Chile.

Coordenadas

Temporada: 26 de junio al 12 de julio, viernes y sábado 20:30 hrs y domingo 18:30 hrs.

Lugar: Centro Cultural Gabriela Mistral, GAM 

Valor entradas: $12.000 general, $8.400 personas mayores, estudiantes, personas cuidadoras y personas con discapacidad, $7.800 viernes de teatro.

https://gam.ticketplus.cl/events/velocirraptors?referal_name=gamcl

[Teatro] “A los pies del árbol” regresa a GAM: Patricia Rivadeneira habita la cabeza de Humberto Maturana

A cinco años de la muerte de Humberto Maturana (1928-2021) vuelve “A los pies del árbol”, experiencia escénica que pone en relieve uno de sus planteamientos más trascendentes, el de la “autopoiesis”. La pregunta que obsesionó al Premio Nacional de Ciencias durante toda su vida —¿qué es lo vivo?— revive en esta pieza.

Inspirada en “El árbol del conocimiento”, el libro que Maturana escribió con Francisco Varela y que circuló por el mundo, la obra despliega sus fragmentos en un dispositivo escénico con luz y música en vivo. 

La coproducción GAM (2023) es una creación de Manuela Oyarzún, quien dirige a Patricia Rivadeneira y asume el desafío de llevar a escena el planteamiento del recordado biólogo y filósofo. 

La autopoiesis, tesis central de Maturana, postula que todo ser vivo está continuamente creándose a sí mismo: reparándose, manteniéndose, modificándose. En un momento en que la pregunta por lo humano es más urgente que nunca, la obra hace de este concepto una pregunta escénica.

“Humberto Maturana fue un destacado científico que con los años se convirtió en humanista, acercando la lógica de la ciencia y la razón, al reino del corazón y la conciencia. Hoy, el trabajo artístico puede conceder un espacio en el cual integrar ambas dimensiones, contribuyendo a la toma de conciencia de los procesos de desarrollo humano y su despliegue en nuestra cultura”, ahonda Manuela Oyarzún, su directora.

El público verá a una actriz dentro de un dispositivo escénico como si estuviera dentro de la cabeza de Maturana. Acompañada del equipo creativo, ella intentará resolver las preguntas esenciales que hizo el filósofo, acompañándonos a conocer más sobre nosotros mismos, sobre los seres vivos y sobre el amor.

““A los pies del árbol” es una performance filosófica que propone que tanto ciencia como arte son formas de conocer e interpretar el mundo. El teatro, por tanto, es una parte inherente a nuestra evolución como especie, y en el ejercicio de este, se crean vínculos y espacios donde crece el saber", comenta Oyarzún. 

11 al 14 Jun
Ju a Sá— 19.30 h
Do— 18.30 h

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[Música] Junio de conciertos: Lo mejor del Indie y del Hip Hop llegan a GAM en inédito ciclo musical

Cuatro conciertos ofrecerán en GAM connotados artistas de la agencia Armónica cada jueves de junio: Pedropiedra, Javiera Electra, Masquemusica y A Favor del Loco con Candelabro trío con Matías Ávila.

El “Ciclo Armónica 2026: Música y Perfo” se enfoca en la versatilidad de los proyectos y la diversidad de estilos, donde cada artista despliega un personaje y da rienda suelta a una interpretación potente, íntima y propia.

El ciclo lo iniciará Pedropiedra (4 Jun) con un show especial que debutará en Santiago presentando “La Tómbola”. En este concierto, el artista va armando el espectáculo con el público sobre la marcha, en una elección al azar del repertorio.

Pedropiedra es uno de los compositores más activos, versátiles y referentes de la música pop en Chile. Su humor, cotidianidad y sus melodías pegajosas, lo han consagrado como un compositor que es capaz de transitar desde el hip hop al pop, renovando su sonido de manera permanente. Ya cuenta con seis álbumes de larga duración editados.

Javiera Electra (11 Jun), una de las voces más atractivas de la escena nacional, traerá su aclamado larga duración del 2025 “Helíade”. Su desplante y la potencia de su voz la han convertido en una de las apuestas más interesantes y con mayor proyección de la escena chilena actual, siendo invitada por Mon Laferte en su icónica presentación en el Festival de Viña del Mar pasado.

Como artista trans, Javiera es además cantautora, productora, artista visual, dramaturga y activista emblemática de la escena underground. Ha planteado una música con un sentido teatral y performático, que se mueve desde el pop y hacia espacios como el folk, el art rock, la electrónica, el noise, la música experimental y el folclor.

La potencia vocal y el carisma interpretativo son también parte de las características esenciales de Masquemusica (18 Jun), nombre artístico de Macarena Campos y catalogada como “una de las voces femeninas más reconocibles" del hip hop chileno. En GAM lanzará su nuevo álbum, “La Bella de lo Roto", sucesor del aplaudido “Tarde o Temprano”, y que ya ha adelantado los singles “Digo Adiós” junto a Pablo Ilabaca, y “Lo Siento”.

Masquemusica comenzó a trabajar como corista del cantante Bronko Yotte, hasta que en 2020 lanzó su carrera como solista. Ya el 2023 se presentó en Lollapalooza, teloneó a Los Bunkers en México y a Alicia Keys en su presentación en Chile y fue nominada a los Premios Musa como Artista Revelación.

El cierre del ciclo será con Matías Ávila (25 Jun), una de las figuras más relevantes de la nueva generación del rock chileno. Llegará a GAM con dos de sus proyectos: con la banda de indie/rock “Candelabro” y con su proyecto alternativo “A Favor del Loco”. Todo ello de la mano del desgarro, melancolía e intensidad que transmite en sus actuaciones en directo.

Una de sus características es la nostalgia como elemento fundacional de su música, además de la apropiación de símbolos religiosos desde una mirada popular, referencias del rock progresivo chileno, la poesía nacional, el jazz y el ska.

4 al 25 Jun
Ju— 20 h

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[Teatro] La voz de Andrés Pérez revive en un teatro abandonado (GAM)

“Rescate” es un montaje que nos sumerge en un diálogo íntimo entre el Teatro Windsor de Chañaral, en actual estado de abandono, y la voz inmortal de uno de los más destacados creadores del teatro chileno.

La dramaturgia se compone gracias a los registros de audio del director Andrés Pérez Araya (1951-2002), quien narra la obra invitando a presenciar cómo un espacio silenciado sigue dialogando con su historia. 

Sin recurrir a la inteligencia artificial, el público vivirá una experiencia sensorial y poética, con historias relacionadas a los teatros antiguos y deshabitados del norte de Chile en la voz real del fallecido director. 

Fundado en 1886, el Teatro Windsor de Chañaral, región de Atacama, es una histórica construcción de madera que fue un centro cultural y social vital para la comunidad. Se cuenta que Andrés Pérez trabajó en este lugar, y desde ahí empieza la fábula que se narra en este montaje.

“Se trata de una investigación escénica y tecnológica que busca reactivar teatros abandonados mediante archivos sonoros, registros audiovisuales, dramaturgia contemporánea y nuevas tecnologías, entendiendo el teatro como un lugar de memoria viva”, explica el director y dramaturgo Alejandro Moreno.

En escena, se contará la historia de un grupo de niños, la de la vida de un caracol, la de una actriz francesa que vivió en Chile y la de una mujer que trabaja en un cabaret en Punta Arenas

La obra es un espectáculo de dramaturgia que emerge del habla, del ritmo, de las pausas y de la memoria contenida en la voz del creador de “La Negra Ester”. Son relatos y fábulas que Pérez nunca contó de esta forma, pero que se vuelven posibles mediante una escritura escénica que trabaja con su archivo sonoro como materia viva.

Moreno tomó todos los archivos de audio que encontró del fallecido director y los transcribió. Así comenzó un trabajo con el Ingeniero en Sonido, Joaquín Vallejo, para armar frases mezclando distintas palabras. 

Según cuenta el dramaturgo, “este proyecto más que inteligencia artificial es un proyecto de artesanía artificial, ya que nosotros construimos manualmente, análogamente, el habla de Andrés Pérez. No fue un proceso mecánico de un software, fuimos juntando como un collage de palabras".

“Es una invitación a detenerse, a escuchar y a conectar con la memoria desde un lugar sensible. Reflexionar sobre el patrimonio teatral hoy implica reconocer que los espacios abandonados, las voces ausentes y las historias no contadas siguen teniendo algo urgente que decirnos. La emoción se convierte así en el motor del sistema escénico y en una forma de resistencia frente al olvido”, concluye Moreno.

La obra es un tributo a Andrés Pérez en el marco del mes del teatro, donde cada 11 de mayo se celebra el Día Nacional del Teatro en conmemoración a su natalicio.

28 May al 7 Jun

Ju a Sá — 19 h. Do — 18 h

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[Teatro] Glengarry Glen Ross: Éxito de Broadway y ganadora del Pulitzer llega a GAM con destacado elenco

El despiadado mundo de las ventas y la lucha profesional por no quedar fuera del juego, son los ejes centrales de “Glengarry Glen Ross”, la icónica pieza del dramaturgo y guionista David Mamet. 

Estrenada originalmente en 1983, el relato sigue más vigente que nunca. A 40 años de su primer montaje, la obra -ganadora del Premio Pulitzer- continúa cautivando a los espectadores por su crudo realismo, pues retrata sin tapujos las consecuencias de la codicia desmedida que exige la sociedad. 

Bajo la dirección de Álvaro Espinoza, la adaptación chilena entrega la misma mirada punzante. “Una obra descarnada e intensa”, describió la crítica de El Mercurio tras su debut el año pasado. 

Protagonizada por Guilherme Sepúlveda, Eduardo Herrera, Mateo Iribarren, Andrés Velasco, Nicolás Pavez, Pablo Schwarz y Gonzalo Muñoz-Lerner, la historia transcurre en una oficina de bienes raíces, donde un grupo de vendedores da la pelea diaria por mantener a flote sus ventas y sus carreras. 

En medio de una competencia despiadada para conservar sus empleos, el jefe les impone una regla brutal: solo los dos mejores mantendrán su trabajo. Con el despido acechando, se ven envueltos en una carrera desesperada por conseguir los mejores clientes, desencadenando un juego de manipulación, traición y estrategias agresivas que los llevará al límite. 

“Los personajes están todos en la rueda del hamster, intentando sobrevivir de cualquier manera y a cualquier costo, supeditando su escala valórica y moral a la necesidad más inmediata, sobrevivir en este competitivo mercado laboral, en el que las emociones, convicciones y lealtades son desplazadas por necesidades de mercado, productividad y eficiencia como valores supremos”, profundiza Álvaro Espinoza, su director. 

Quienes asistan a las funciones no solo se sorprenderán con la fotografía social que Mamet logra en el texto y los seres que lo habitan; también serán testigos de una escenografía novedosa y sin precedentes. 

Con diálogos afilados, personajes definidos y un ritmo trepidante, esta obra sigue resonando con el público actual con la interrogante: ¿hasta dónde estamos dispuestos a llegar para triunfar? 

La fama de “Glengarry Glen Ross” traspasa las tablas, con una recordada versión cinematográfica, de 1992, que tuvo en su elenco a grandes estrellas de Hollywood, como Al Pacino, Jack Lemmon y Alec Baldwin. La película es considerada un clásico del cine mundial. También presentó su última versión en Broadway en 2025.

28 May al 7 Jun
Ju a Sá— 19.30 h. Do— 18.30 h
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[Música] Ciclo de boleros inunda de romanticismo el corazón de Santiago (GAM)

Con una mirada contemporánea, cercana y emotiva, el ciclo “Bolero Falaz” se impone como uno de los panoramas imperdibles para ponerle pasión y ritmo con cinco intérpretes: Claudio Constanzo, Carmen Prieto, Rosario Alfonso, Valentina Lambert y Cristóbal Briceño. El ciclo -cuyo nombre está inspirado en la canción del grupo Aterciopelados- propone redescubrir el bolero, corriente musical de letras sensibles y llenas de amor, con orígenes en Cuba y México fundamentalmente, y que cultivó con grandes exponentes como Lucho Gatica y Armando Manzanero. 

Producida por GAM bajo el alero del Colectivo Abejorros y la producción musical de la periodista Marisol García, esta cita llega para evidenciar que el bolero está más vivo que nunca gracias a una nueva generación de intérpretes. 

“Sentimos que el bolero sigue siendo un espacio profundamente vivo dentro de la música latinoamericana. Más allá de la nostalgia, es un género que habla de emociones universales como el amor, la pérdida, el deseo y la memoria, temas que siguen conectando con distintas generaciones”, cuentan desde la agrupación. 

La idea es ofrecer una visión fresca del estilo romántico que en 2023 fuera declarado Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO. “Crear un espacio que ponga en valor esa tradición, pero también mostrar cómo el bolero puede dialogar con artistas y sensibilidades contemporáneas, incluso desde escenas musicales que no necesariamente provienen del género”, explica el Colectivo Abejorros. 

El ciclo abrirá el 17 de mayo con Claudio Constanzo, reconocido cantor, arpista, guitarrista, investigador y difusor de la música tradicional chilena. Junto a una banda en vivo de lujo —con piano, contrabajo y percusiones— el artista hará un homenaje vibrante al legado de figuras como Vicente Bianchi y Clarita Solovera. 

El 24 de mayo se dará un encuentro inédito y poderoso con la unión de tres grandes mujeres: Carmen Prieto, Rosario Alfonso y Valentina Lambert. Las cantantes entrelazarán por primera vez sus voces femeninas para recorrer un repertorio latinoamericano esencial. Respaldadas por músicos de amplia experiencia, el trío cierra el ciclo celebrando la diversidad del género en una atmósfera que invita a la contemplación y al disfrute. 

El broche de oro será el 11 de julio con la esperada presentación de Cristóbal Briceño (ex Ases Falsos). El cantautor deja de lado su faceta más eléctrica para confirmar el valor de la canción popular. En una presentación íntima, Briceño se dará licencia para revisitar el género bajo su sello personal, adaptando su repertorio propio y sorprendiendo con nuevas lecturas del estilo romántico. El artista promete emocionar a sus seguidores más fieles y a los nuevos oyentes por igual. 

“La selección de artistas se hizo pensando en reunir distintas generaciones, trayectorias y aproximaciones al bolero, desde artistas con una larga historia dentro del género hasta músicos y músicas que vienen desde otros espacios sonoros, pero que logran apropiarse del bolero desde una sensibilidad muy personal”, dice el Colectivo Abejorros. 

“Bolero Falaz” llega como una invitación a vivir la música en un ambiente cercano, al atardecer, reafirmando la vitalidad de un género que sigue dialogando con nuevas generaciones de artistas y públicos.

17 y 24 May
Do— 18 h

11 Jul
Sa— 20 h

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[Teatro] Vuelve a la cartelera familiar de GAM "El niño de los fósiles"

A través de marionetas, una iluminación amable de colores cálidos y neutros, un universo sonoro en vivo sin sonidos estridentes y escenografía armada con objetos reciclados de madera y cartón, “El niño de los fósiles” es un montaje creado especialmente para la comunidad neurodivergente. 

Bajo el formato de funciones distendidas o RP (Relaxed Performance), el tercer proyecto de la compañía Teatro Marote -que nació como una obra audiovisual en 2019- está adaptado para espectadores de todas las edades, características y sensibilidades, en un ambiente cómodo que garantice una experiencia amable, contenedora e integradora.

Basada en hechos reales, la obra – que debutó el año pasado convirtiéndose en una de las favoritas del público familiar - narra la historia de Gabriel, un niño de 10 años que vive en Los Vilos en los años 70 y que no calza con los modelos de enseñanza de la época. 

Es castigado una y otra vez por los adultos, pero usa como vía de escape su fijación por los fósiles y los dinosaurios. Así, decide motivar a sus amigos a vivir experiencias significativas, a mirar el mundo desde otros ojos y hacer uno de los descubrimientos paleontológicos más importantes de la región.

“El niño de los fósiles” nos sumerge en la vida escolar de este niño a través de marionetas, principalmente con la técnica del marote: muñecos híbridos a escala humana manipulados por intérpretes. En escena se suman objetos y música en vivo para invitar a los espectadores a viajar junto a los protagonistas.

“Como compañía, tenemos la premisa de trabajar en historias protagonizadas por infancias. Acá es una historia llena de travesuras y anécdotas de un niño, que creemos que hay que contar. Esta obra puede inspirar a muchos que se sienten rechazados por el sistema”, explica su directora y dramaturga, Scarlett Carrasco.

Así, mediante la magia del teatro de animación, una temática inclusiva y un formato distendido desde su origen creativo, el montaje también busca discurrir sobre los espacios que existen para las infancias neurodivergentes y cómo contribuir en formatos de integración.

“El teatro no se ha hecho cargo de los públicos neurodivergentes. Esta obra reflexiona sobre la temática, invitando a las y los espectadores a experimentar un nuevo formato que reconoce, acoge y da espacio a la diversidad neurocognitiva”, concluye Carrasco. 

2 al 10 Mayo
Sá — 12 y 16 h. Do— 16 h
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