[Cine] Las 8 claves de Exit 8: Cómo Genki Kawamura convirtió un videojuego viral en un thriller psicológico

El cineasta japonés Genki Kawamura, reconocido por producir éxitos como Your Name y Belle, debuta en la cartelera nacional con su más reciente obra como director: Exit 8. Este thriller de suspenso psicológico se estrena en los cines de Chile este jueves 7 de mayo. 

Basada en el videojuego de culto que paralizó internet, la película trasciende la premisa original para ofrecer una profunda exploración sobre la psique humana y las responsabilidades de la vida adulta.

Protagonizada por la estrella japonesa Kazunari Ninomiya, la cinta lleva el concepto de los "espacios liminales" a un nuevo nivel narrativo, convirtiendo un pasillo de metro infinito en una metáfora del crecimiento personal.

A continuación, se presentan las 8 claves que definen esta adaptación: 

1. La Paternidad como Motor Narrativo
A diferencia del videojuego original, que carecía de trama, la película introduce una carga emocional crítica. El protagonista descubre que su exnovia está embarazada justo antes de quedar atrapado.
El bucle se convierte en una manifestación física de su miedo a la responsabilidad.
  
2. Respeto a la "Regla de Oro"
Kawamura mantiene la mecánica esencial del juego: si hay una anomalía, hay que dar la vuelta; si no, hay que avanzar. Ignorar un solo detalle devuelve al protagonista al "Nivel 0", generando una tensión constante basada en la observación.
 
3. El Terror de los Espacios Liminales
La película explora la inquietud de los lugares de tránsito vacíos. El diseño visual transforma pasillos de metro familiares en entornos amenazadores, donde la normalidad se siente extraña y peligrosa.
 
4. El Simbolismo del "Hombre que Camina"
El icónico personaje no jugable (NPC) del juego adquiere un rol central. Representa el destino de aquellos que huyen de sus responsabilidades, quedando atrapados para siempre en una rutina sin salida.
 
5. Suspenso Atmosférico vs. Jump Scares
Evitando los sustos fáciles, la cinta apuesta por el thriller psicológico. La paranoia se traslada al espectador, quien termina analizando cada cartel y azulejo de la pantalla junto al protagonista para detectar cambios.
 
6. El Bucle como Purgatorio Moderno
La narrativa eleva el pasillo a un plano metafísico. No es solo un reto de supervivencia, sino un examen psicológico donde el personaje debe confrontar su pasado y sus culpas para poder escapar.
 
7. La Visión de Genki Kawamura
El director aporta su experiencia en éxitos emocionales para dotar de humanidad a una premisa minimalista. Este enfoque de cine de autor ha llevado a la película a destacar en circuitos internacionales como el Festival de Cannes.
 
8. Una Experiencia Inmersiva
La película alinea las habilidades de observación del público con las del personaje. Al sentir la frustración y el cansancio del bucle, la frontera entre el cine y el lenguaje del videojuego se difumina por completo.

 
Con banda sonora de Yasutaka Nakata (creador de Perfume y Kyary Pamyu Pamyu) y Shohei Amimori, "Exit 8" es una experiencia sensorial completa. Kawamura no solo adapta un juego: convierte la ansiedad de la generación moderna —la incertidumbre, la procrastinación, el miedo al compromiso— en arte.

[Cine] Femcine 16 abrirá con la premiada "La voz de Hind Rajab", película que transforma una tragedia en un poderoso acto de memoria

El 16° Festival Cine de Mujeres, FEMCINE, anuncia que la película inaugural de su próxima edición será “La voz de Hind Rajab”, de la cineasta tunecina Kaouther Ben Hania, una obra profundamente conmovedora que propone una experiencia cinematográfica centrada en la escucha, la memoria y la resistencia. 

El certamen se desarrollará entre el 5 y el 10 de mayo en Santiago, consolidándose como uno de los principales espacios de reflexión en torno al cine realizado por mujeres en América Latina. 

Cine urgente, memoria y mirada femenina 

Inspirada en un hecho real ocurrido en enero de 2024, la película reconstruye las últimas horas de Hind Rajab, una niña palestina de cinco años que, tras un ataque armado al vehículo en el que viajaba con su familia, logra comunicarse telefónicamente con personal de la Media Luna Roja Palestina mientras espera ser rescatada. 

Lejos de optar por la representación explícita de la violencia, Kaouther Ben Hania construye el relato a partir del sonido y la palabra. La historia se articula en torno a las conversaciones telefónicas sostenidas con la niña, recreadas desde un centro de operaciones donde trabajadores humanitarios intentan contenerla, orientarla y coordinar su rescate. 

Este enfoque sitúa la voz —frágil, lúcida, profundamente humana— como eje central de una narración que interpela desde lo íntimo y lo político, evitando el espectáculo para abrir un espacio de escucha activa. 

Nominada al Oscar y estrenada internacionalmente en el Festival Internacional de Cine de Venecia, donde obtuvo el León de Plata – Gran Premio del Jurado, la película ha sido ampliamente reconocida por su propuesta formal y su capacidad de abordar un conflicto contemporáneo desde una perspectiva ética y profundamente sensible. 

La elección de “La voz de Hind Rajab” como película inaugural dialoga directamente con el espíritu de FEMCINE: un cine que no solo visibiliza las voces de sus creadoras, sino que también pone en el centro historias que interpelan, incomodan y movilizan, reafirmando el poder del cine como herramienta de memoria y reflexión.

[Cine] La posesión de la momia: el terror clásico renace con una mirada contemporánea

El terror vuelve a tomar protagonismo en la cartelera con el estreno de “La posesión de la momia”, una reinterpretación audaz y retorcida de uno de los relatos más icónicos del género. Tras el éxito global de Evil Dead: El despertar, el guionista y director Lee Cronin regresa con una propuesta que mezcla suspenso, drama familiar y una estética inquietante, pensada para una nueva generación de espectadores que busca experiencias intensas y memorables en el cine. 

La historia sigue a la hija de un periodista que desaparece misteriosamente en el desierto sin dejar rastro. Ocho años después, su inesperado regreso desata una serie de acontecimientos perturbadores: lo que debería ser un emotivo reencuentro se transforma rápidamente en una pesadilla imposible de ignorar. Con un elenco encabezado por Jack Reynor (Midsommar), Laia Costa (Victoria), May Calamawy (Moon Knight), Natalie Grace (Raymar) y Verónica Falcón (Ozark) , la película construye una tensión constante que conecta lo sobrenatural con los vínculos familiares más profundos. 

Con el respaldo de nombres clave del cine de terror contemporáneo como James Wan (El Conjuro) y Jason Blum en la producción (Paranormal Activity, The Purge y M3GAN), “La posesión de la momia” no solo promete escalofríos, sino también una propuesta estética cuidada y envolvente. El trabajo visual de Dave Garbett, junto al diseño de producción de Nick Bassett y la música de Stephen McKeon, dan forma a un universo oscuro y sofisticado que eleva la experiencia cinematográfica. 

La película llegará a los cines de Latinoamérica a partir del 16 de abril de 2026, posicionándose como uno de los estrenos imperdibles para los amantes del terror y quienes buscan una historia que va más allá del miedo. 

Más información en https://www.instagram.com/wbpictureschile/

[Cine] ChaO: LA SIRENA: La comedia romántica más inesperada del año del estudio detrás de “The animatrix” y “Mind game”

Una alocada comedia romántica animada situada en un mundo futurista donde humanos y criaturas marinas conviven en sociedad. CHAO: LA SIRENA (チャオ, ChaO) sigue la historia del joven ingeniero naval Stephan, cuya vida cambia inesperadamente cuando ChaO, una misteriosa princesa proveniente del mar, le propone matrimonio. A medida que ambos comienzan a derribar sus barreras emocionales, un romance inesperado y conmovedor empieza a florecer. Aquí hay mariposas en el estómago garantizadas. 

La película explora temas como la diversidad, la aceptación y la conexión entre especies distintas, todo envuelto en una estética visual vibrante y surrealista. CHAO: LA SIRENA está producida por Studio 4°C, marca registrada cuando se trata de innovación en el anime, responsable de obras de culto como Mind Game, la trilogía Berserk: The Golden Age Arc y la antología The Animatrix. En sus más de 100.000 ilustraciones, su director Yasuhiro Aoki combina técnicas modernas de animación con un estilo más artesanal reflejado, lo que significó la obtención del Premio del Jurado en el Festival de Animación de Annecy 2025. 

CHAO: LA SIRENA cuenta la historia de Stephan, un común y corriente ingeniero que cambia abruptamente su vida cuando una enigmática princesa sirena le propone matrimonio de manera directa e inesperada. Esta simple premisa indaga en temas como el amor fuera de lo convencional, la convivencia entre mundos opuestos y la aceptación de lo desconocido, todo con un tono ligero, accesible y cargado de humor. ¿Qué sucederá con su inesperado e improbable romance? 

Producida por Eiko Tanaka, una de las ejecutivas más influyentes de la industria del anime, reconocida por su rol clave en el desarrollo de proyectos de alto nivel internacional en Studio Ghibli (Mi vecino Totoro, Kiki: entregas a domicilio), CHAO: LA SIRENA se consagra como una de las propuestas más originales y atractivas del año dentro de la animación japonesa contemporánea. El resultado es una película fresca, entretenida y distinta, que busca conectar con el público a través de una historia cercana, divertida y visualmente impactante. CHAO: LA SIRENA es una película imperdible para quienes buscan una experiencia diferente dentro de la animación comercial actual. 

Encuéntrala en cines desde este 23 de Abril.

[Cine] Dos documentales llegarán a salas de la Red Salas de Cine Chile a través de Estrenos en RED 2026

Dos destacados documentales llegarán a los espacios de exhibición independientes de norte a sur del país. Se trata de Vuelvo donde nunca estuve (Dir. Constanza Vásquez y Andrés Morales) y Para vivir. El implacable tiempo de Pablo Milanés (Dir. Fabien Pisani), películas que ponen en el centro la memoria, la identidad y la música, a través de relatos marcados por la búsqueda personal, la historia colectiva y la persistencia de los vínculos con el territorio. Ambas tendrán su estreno en Chile durante el segundo semestre de 2026, tras ser seleccionadas en la convocatoria Estrenos en RED, iniciativa que cada año escoge un título chileno y otro latinoamericano para su estreno comercial en salas independientes del país.

En esta nueva versión se recibieron 86 postulaciones de Chile y otros 12 países de la región, destacando en primer lugar Argentina, como el país con mayor procedencia de postulaciones luego del territorio nacional, siguiéndoles México, Brasil y Venezuela. “Este año se han seleccionado documentales que abordan temas relacionados con la identidad, la memoria y la cultura. Son obras que por su propuesta pueden tener una fuerte conexión con el público. La exhibición de este tipo de obras en salas independientes es fundamental, ya que permite acercarlas a las audiencias en condiciones adecuadas, buscando ser una experiencia significativa para el espectador. Además, contribuyen a ampliar la diversidad de la cartelera y a fortalecer el circuito de exhibición”, comenta Cynthia García Calvo, encargada de programación de la Red. 

Estrenos en RED es una iniciativa financiada por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través de su Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras, y tiene como objetivo reconocer y difundir obras cinematográficas de Chile y Latinoamérica, apoyándolas en el desarrollo de un plan de distribución y materiales que permitan reforzar la estrategia de difusión de cada película como una manera de promover la circulación de estos contenidos en el territorio nacional, apostando por la descentralización y al trabajo en red.

Como cada año, el jurado de Estrenos en RED estuvo integrado por representantes de salas asociadas a la Red. En esta edición, participaron Macarena Bello, Jefa de Programación y Públicos de la Cineteca Nacional de Chile (Santiago); Carolina Rojas, productora de Sala Mafalda Mora, Casa del Arte Diego Rivera (Puerto Montt); y Marcia Fehrmann, coordinadora y programadora de Sala Latente (La Serena), quienes seleccionaron las películas considerando la diversidad de territorios, contextos y públicos que conforman.

“Ambas películas proponen dos formas complementarias de conectar con el público: por un lado, un retrato íntimo de una figura fundamental de la música latinoamericana que permite reencontrarse con su legado desde la experiencia colectiva de la sala; y por otro, una obra profundamente ligada al territorio y la memoria, que invita a reflexionar sobre identidad, historia y presente. Son obras que dialogan con distintos públicos y que, desde lugares muy distintos, invitan a detenerse, mirar y pensar en conjunto”, agrega Marcia Fehrmann, jurado de la convocatoria y representante de Sala Latente de la Serena 

Sobre las películas

A través de un diálogo íntimo con su padre gravemente enfermo, el hijo del cantautor cubano Pablo Milanés teje el retrato del hombre, del artista y de la compleja época que reflejó y enriqueció con su canto. Para vivir. El implacable tiempo de Pablo Milanés, dirigida por Fabien Pisani, es un documental musical que explora un momento crucial, cuando la música y la historia se entrelazaron atravesando convulsiones políticas, victorias arduamente conquistadas y dolorosos retrocesos, con el canto de Milanés como un reflejo de la esperanza y lucha de toda una generación. 

La película, seleccionada como Largometraje Latinoamericano en la convocatoria, cuenta con un gran recorrido en festivales internacionales como Sheffield Doc Fest, en el Reino Unido, y el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata en Argentina; y fue exhibida en la 21º versión del Festival In-Edit en Chile. 

Por otro lado, Vuelvo donde nunca estuve, ópera prima de Constanza Vásquez y Andrés Morales, fue seleccionada como Largometraje Nacional en la convocatoria y llegará a las salas de la Red este año. En su etapa de desarrollo la película participó de prestigiosos espacios de work in progress y laboratorios nacionales como el Encuentro Internacional de Industria Conecta y Cine en Construcción del Festival de Cine de Chile FECICH, donde obtuvo el Premio Asesoria de montaje; además de una selección para participar en el Showcase de Chile en Cannes Docs, del Marché du Film, espacio de Industria del Festival de Cine de Cannes en Francia. 

La película sigue a Fernanda Olivares, joven descendiente Selk’nam, se convierte en la primera de su comunidad en regresar al territorio ancestral, con el propósito de demostrar que su pueblo, considerado extinto por décadas, sigue vivo y abrir el camino para su regreso, restaurando su identidad y su dignidad.

“Este documental no solo desmiente una historia oficial falsa, sino que honra a un pueblo vivo que resiste y vuelve a poblar su territorio. Gracias a la Red de Salas, buscamos que esta película transforme el silencio en un diálogo urgente y se convierta en un instrumento de justicia y memoria para Chile”, comenta Constanza Vásquez, una de las directoras del filme.

La cartelera completa estará disponible en el sitio web de la Red (www.redsalasdecine.cl) y en las plataformas de cada una de sus salas.

La Asociación Gremial Red Salas Independientes de Cine Chile forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Gobierno de Chile. 

[Cine] Las Catadoras: La tragedia invisible de las mujeres que desafiaron a la muerte

Esta es la realidad que enfrentan las protagonistas de "Las Catadoras", el drama histórico dirigido por Silvio Soldini que llega a los cines este jueves 16 de abril para contar una de las historias más insólitas y perturbadoras de la Segunda Guerra Mundial.

La esperada película Las Catadoras (título original: L'assaggiatrice) llega a las salas de cine chilenas, marcando un hito para los amantes del cine italiano en el país. Este estreno es posible gracias al exclusivo patrocinio del Instituto Italiano de Cultura en Chile, cuya gestión permite acercar esta aclamada producción a la audiencia local para fortalecer el vínculo artístico entre ambas naciones. El filme contará con un evento de avant premiere el 09 de abril a las 18:30 horas en Instituto Italiano de Cultura. Abierto al público previa inscripción en https://iicsantiago.cl/

Basada en la novela "At the Wolf's Table" de Rosella Postorino —que a su vez se inspiró en el testimonio real de Margot Wolk, la última sobreviviente del equipo de catadoras de Hitler—, la película transporta al espectador al otoño de 1943 en Prusia Oriental. Allí, siete mujeres alemanas son reclutadas a la fuerza para una tarea macabra: probar cada plato del menú del Führer antes de que él lo consuma, esperando una hora bajo custodia para confirmar que no han sido envenenadas.

Elisa Schlott interpreta a Rosa Sauer, una joven que regresa a la granja de sus suegros huyendo de Berlín bombardeada, solo para ser arrancada de su refugio y enviada a la Guarida del Lobo, el cuartel general de Hitler en medio del bosque. Allí, la emoción inicial por los banquetes gourmet preparados por chefs se transforma rápidamente en un ritual de terror: cada comida es una ruleta rusa, cada hora de espera una eternidad de incertidumbre.

Lo que distingue a "Las Catadoras" no es la acción bélica convencional, sino la violencia psicológica sutil. El director italiano Silvio Soldini, conocido por "Pan y tulipanes", utiliza una paleta de grises y marrones para construir una atmósfera de desesperación que envuelve a las protagonistas. La cámara no permite distancia: estamos ahí, en la mesa, compartiendo el miedo colectivo de mujeres que deben comer mientras el hambre devora al país, que deben sobrevivir a pesar de la culpa y la paranoia.

Entre las catadoras se teje una compleja red de lealtad y traición. Elfriede (Alma Hasun) guarda un secreto peligroso. El teniente de las SS (Max Riemelt) representa la autoridad que oscila entre protección y amenaza. Y en medio de todo, Rosa descubre que la resistencia no siempre significa heroísmo dramático: a veces es solo seguir respirando, bocado tras bocado.

Con una duración de 123 minutos y coproducida entre Italia, Bélgica y Suiza, "Las Catadoras" es un recordatorio de que las guerras no solo se pelean en campos de batalla. Se libran también en comedores silenciosos, en la tensión entre mujeres obligadas a depender unas de otras, en el peso de colaborar con el régimen para sobrevivir. Es una película sobre el costo humano invisible del poder, visto desde la perspectiva femenina que la historia suele omitir.

Para quienes buscan cine histórico que vaya más allá de las batallas y los generales, "Las Catadoras" ofrece una ventana a una realidad tan inquietante como real. Una historia donde la supervivencia se mide no en años, sino en horas entre comida y comida.

INFORMACIÓN DE PANORAMAS

09 de abril
18:30 horas

Función Pre Estreno. Gratuita previa inscripción. En Instituto Italiano de Cultura. Sitio web https://iicsantiago.cl/ Dirección: Triana 843,  Providencia.

16 abril - Estreno Comercial

Cines de Cadenas y salas independientes 

Cinépolis La Reina, Cinemark Alto Las Condes, Cine Arte NORMANDIE, Cine EL BIÓGRAFO, Cine Arte de Viña del Mar, Cine Arte Universidad Austral.

[Cine] Matapanki se estrenará en salas nacionales este 26 de marzo

El 19 de marzo, en la Sala CEINA del Centro Arte Alameda, se realizará la avant premiere de Matapanki, el largometraje de egreso 2023 de Cine UDD, dirigido por Diego “Mapache” Fuentes, tras un exitoso paso por diversos festivales internacionales. 

Con este hito se da el puntapié inicial para la exhibición de la película -a partir del jueves 26 de marzo- en las salas comerciales y alternativas de Santiago, con funciones en: Cinépolis, Cinemark, Cineplanet, Matucana 100, la Cineteca Nacional, el Centro Arte Alameda, la Sala Nemesio La Reina y la Sala de Cine de Ñuñoa. También estará disponible en las regiones de Valparaíso (Sala Insomnia), de Coquimbo (Sala Latente de La Serena) y Los Lagos (Sala –1 en Puerto Varas). 

“Esta es la recta final del desafío, para la cual nos hemos estado preparando. Los festivales fueron muy bonitos y le permitieron a la película llegar a nuevos territorios y públicos y tener un recorrido, pero para nosotros la distribución en salas era la meta, el llegar a los espectadores de Chile, la gente de Quilicura, de Santiago y regiones. Estamos nerviosos y ansiosos, sí, pero también felices de cumplir el sueño de ir al cine y ver que están el poster y el stand con el personaje”, manifestó Diego “Mapache” Fuentes. 

Recientemente, el filme ganó la Mención Especial del Jurado Internacional en el prestigioso Festival Internacional de Cine de Berlín, donde compitió en la categoría Generation 14+ -dedicada a obras que exploran el universo juvenil desde miradas honestas, arriesgadas y contemporáneas- y fue destacado por su trama desafiante y la técnica de animación utilizada. 

Además, en territorio nacional, la película se coronó como Mejor Película Chilena en la última edición del Festival internacional de Cine de Valdivia, donde se quedó también con el premio al mejor largometraje en la categoría Juvenil. 

Matapanki cuenta la historia de Ricardo, un joven punk de Quilicura cuya vida transcurre entre las fiestas, el alcohol y el cuidado de su abuela que está enferma. Sin embargo, esta premisa cambia cuando el protagonista toma una misteriosa mezcla de licores, que le activan superpoderes y lo convierten en una especie de héroe. Así, lo que comienza como un delirio personal, escala rápidamente cuando Ricardo comete un error que involucra al poder político y desata un conflicto de alcance mundial.

[Cine] El cine francés se toma las salas: Richard Linklater revive la leyenda de la "Nouvelle Vague"

El próximo 5 de marzo llega un evento cinematográfico sin precedentes: el estreno de la nueva película de Richard Linklater junto a la versión restaurada en 4K del clásico de Jean-Luc Godard, Sin Aliento. 

Un diálogo entre dos épocas 

El estreno de "Nouvelle Vague" (2025) no es solo un lanzamiento más; es un homenaje vibrante al espíritu rebelde que transformó el cine para siempre. Dirigida por el aclamado Richard Linklater, la cinta llega a las salas precedida por el éxito de sus 10 nominaciones a los Premios César 2026, consolidándose como la producción francesa más importante del año. 

Como complemento perfecto, el público tendrá la oportunidad única de ver (o volver a ver) "Sin Aliento" (À bout de souffle, 1960). Esta pieza fundamental de Jean-Luc Godard regresa en una espectacular versión restaurada en 4K, permitiendo apreciar la modernidad y el riesgo de su propuesta original con la calidad técnica de hoy. 

Lo que debes saber de "Nouvelle Vague" La película de Linklater nos transporta al París de finales de los 50, donde un grupo de jóvenes cineastas decidió romper las reglas. El film se centra en la recreación del rodaje que lo cambió todo, contando con un elenco de primer nivel: 

Guillaume Marbeck: En la piel del visionario Jean-Luc Godard. 

Zoey Deutch: Interpretando a la icónica Jean Seberg. 

Aubry Dullin: Como el inolvidable Jean-Paul Belmondo. 

Sinopsis: A través de la recreación del rodaje de Sin Aliento, Linklater muestra cómo Godard, Seberg y Belmondo se convirtieron en símbolos de una revolución cultural que, décadas después, sigue siendo la brújula del cine contemporáneo. 

La exhibición simultánea de ambos films permite un ejercicio cinematográfico fascinante: ser testigos de la historia real detrás de la ficción y, acto seguido, sumergirse en la obra maestra resultante. 

Sin duda este es uno de los hitos imperdibles de la temporada para cualquier espectador que desee entender el ADN del cine moderno. 

Fecha de estreno: 5 de marzo. 

Salas: Consultar cartelera local.

[Cine] Un sonido. Una cacería. Ninguna escapatoria. - Este 12 de febrero 🎬 El Sonido de la muerte

El miedo más profundo no es morir, sino enfrentarse a la propia muerte. Desde esa premisa nace “El sonido de la muerte”, el nuevo thriller sobrenatural dirigido por Corin Hardy (“La Monja”, “The Hallow”), una película que convierte un antiguo silbato azteca en el detonante de una pesadilla imposible de detener.

Se estrena en cines chilenos este 12 de febrero.

“Quería que cada muerte fuera única, física, perturbadora y, sobre todo, cinematográfica”

La historia se inspira en un objeto real utilizado en rituales prehispánicos. Al investigar el mito del silbato de la muerte —documentado incluso por National Geographic—, los productores encontraron una idea tan simple como aterradora: al hacerlo sonar, no se libera un demonio cualquiera, sino algo mucho peor: la muerte, que comienza a perseguir sin descanso.

Como premisa central de una película: “Pensábamos que era una idea novedosa: si hacías sonar el silbato, la muerte te perseguiría. Parecía un concepto de terror innovador”, cuenta David Gross, uno de los productores del filme.

Ese concepto fue el que atrajo también a Corin Hardy, reconocido por su amor enciclopédico por el cine de terror. El director vio en la historia la oportunidad de crear una película que combinara el horror clásico con una carga emocional intensa, desarrollando personajes complejos y muertes diseñadas para ser tan impactantes como memorables. “Quería que cada muerte fuera única, física, perturbadora y, sobre todo, cinematográfica”, explica el director.

Protagonizada por Dafne Keen (“Logan”, “His Dark Materials”) y Sophie Nélisse (“Yellowjackets”, “La ladrona de libros”), la película sigue a un grupo de estudiantes que, sin saberlo, activan el silbato y desatan una cacería sobrenatural donde nadie puede esconderse. A ellas se suman Sky Yang, Percy Hynes White y Nick Frost, en un elenco que mezcla juventud, vulnerabilidad y una sorprendente carga emocional.

Al leer el guion, Hardy se entusiasmó cada vez más con la oportunidad de recrear las muertes. Cada una debía ser distintiva y provenir de una motivación diferente, de cómo murió la persona y cómo se puede visualizar. Fue un reto bienvenido. “En el terror es difícil no repetir algo que ya sucedió. Intenté incorporar algo a cada una para hacerla memorable. Hay ciertos mecanismos dentro del terror, como la tensión o los sobresaltos. Pero intentaba realmente interrogar e investigar cómo podíamos mejorar aún más algo del guion y cómo darle vida en la pantalla”, dice Hardy. 

“El sonido de la muerte” apuesta por un uso intensivo de efectos prácticos, stunts reales y un diseño sonoro clave para la experiencia. El silbato —concebido casi como un personaje más— fue diseñado especialmente para la película, al igual que su sonido, trabajado para provocar una reacción física en el espectador. “El 50% del terror está en el sonido”, afirma Hardy, y aquí esa idea se convierte en regla. 

Con ecos de clásicos modernos como “Final Destination”, “It Follows” e “Insidious”, pero con una identidad propia anclada en la mitología y el miedo existencial, “El sonido de la muerte” propone un terror que no se ve, pero se siente y del que no se puede escapar.

[Cine] Preparen los pañuelos: La historia de Flor M. Salvador, 'Boulevard', llega finalmente al cine con Eve Ryan y Mikel Niso

El fenómeno literario que nació en la plataforma de Wattpad y conquistó las librerías de todo el mundo hispano, “Boulevard”, finalmente se prepara para su gran debut en la gran pantalla. Tras años de espera y múltiples teorías por parte de los lectores, la adaptación de la obra de Flor M. Salvador ya es una realidad tangible que promete trasladar toda la carga emocional y la atmósfera melancólica del libro a las salas de cine, marcando un hito para la literatura juvenil contemporánea. 

La noticia más esperada por el "fandom" ha sido, sin duda, la revelación del elenco protagonista. La actriz Eve Ryan ha sido la elegida para personificar a la dulce pero resiliente Hasley Weigel, mientras que el actor Mikel Niso asumirá el desafiante y complejo papel de Luke Howland. Ambos actores tienen la importante misión de dar vida a una de las parejas más icónicas y queridas de las redes sociales, cuya química es el eje central de esta historia de amor, pérdida y autodescubrimiento. 

La trama, que se desarrolla en un entorno escolar donde la música y los secretos juegan un papel fundamental, se mantendrá fiel a la esencia agridulce que caracteriza el estilo de Salvador. Bajo el respaldo de Wattpad WEBTOON Studios, la producción busca capturar la estética visual del "boulevard de los sueños rotos", asegurando que cada detalle, desde los cigarrillos de Luke hasta las conversaciones bajo la lluvia, resuene con la nostalgia que los seguidores llevan años imaginando. 

Con la confirmación de Eve Ryan y Mikel Niso, las expectativas están por las nubes. Esta adaptación no solo representa un triunfo para la autora mexicana, sino también un regalo para una comunidad de lectores que ha crecido junto a estos personajes. Muy pronto, las salas de cine se llenarán de pañuelos y suspiros para presenciar cómo el amor entre Luke y Hasley trasciende las páginas para convertirse en una experiencia cinematográfica inolvidable.

En abril de este año llega a las salas de cine en España, esperemos que en la misma fecha llegue a las salas de Chile.

[Cine] PALESTINA 36, película preseleccionada al Oscar®, se estrena en cines este 12 de febrero

El próximo 12 de febrero llega a las salas chilenas Palestina 36, la esperada película dirigida por Annemarie Jacir que representa a Palestina en el shortlist de los premios Oscar® 2026 en la categoría de Mejor Película Internacional. Su destacado elenco cuenta con Jeremy Irons, Liam Cunningham, Hiam Abbass, Karim Daoud Anaya, Dhafer L’Abidine, Yasmine Al Massri, Billy Howle, Robert Aramayo y Saleh Bakri, entre otros. Este épico drama histórico tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto TIFF el pasado mes de septiembre, cuya ovación fue de 20 minutos. En su paso por festivales internacionales ganó el Gran Premio en el Festival Internacional de Cine de Tokio y el Premio del Público en la Mostra de São Paulo. 

UN TESTIMONIO CINEMATOGRÁFICO HISTÓRICO 

Palestina 36 recrea uno de los momentos más cruciales de la historia palestina, y que se ha contado pocas veces: la revuelta campesina de 1936-1939 contra el colonialismo británico, considerada uno de los levantamientos anticoloniales más grandes y prolongados del Imperio Británico. Esta revisión histórica es fundamental para entender el contexto de lo que vive Palestina en el presente. 

1936. Mientras pueblos de toda la Palestina bajo Mandato Británico se levantan contra el dominio colonial británico, Yusuf vaga entre su hogar rural y la inquietante energía de Jerusalén, anhelando un futuro más allá de la creciente agitación. Pero la historia es implacable. Con el aumento de inmigrantes judíos que escapan del antisemitismo en Europa, y la población palestina uniéndose en el levantamiento más grande y prolongado contra los 30 años de dominio británico, todos los bandos se precipitan hacia una colisión inevitable en un momento decisivo para el Imperio Británico y el futuro de toda la región. 

La producción, que inició en Palestina en enero de 2023, enfrentó muchos desafíos, incluyendo pausar y retomar el rodaje más de 4 veces luego de los eventos de octubre de 2023. Hubo que trasladar la filmación a Jordania, y luego en noviembre de 2024 logró volver a finalizar el rodaje en Palestina, siendo la única película de ficción filmada en Palestina en los últimos dos años. 

“Palestina 36 es una celebración de una rebelión desafiante que se enfrenta a una oposición militar insuperable: una representación dramática de sus fracasos y su resistencia. Colonialismo e imperialismo, nuestras propias traiciones y asuntos, somos testigos de la desintegración de un país. En 1936, perdimos una parte de nosotros mismos. Me pregunto: ¿perdimos?, ¿ganó el Imperio? Esta película trata sobre todas esas cosas. Es la historia de un pueblo, una comunidad de personas llenas de sueños y deseos. Gente corriente que se encuentra en una época extraordinaria. Es un guiño a la persistencia del espíritu humano, al deseo de un pueblo de ser libre. Es nuestra historia”, declara la directora Annemarie Jacir. 

Con fotografía de la reconocida francesa Hélène Louvart (La hija oscura, Nunca rara vez, a veces siempre y La quimera, entre otras), quien destaca por capturar realismo e intimidad, Palestina 36 es una experiencia cinematográfica con un meticuloso trabajo de reconstrucción histórica que incluyó la restauración completa de una aldea palestina de la época.

La directora, cuyas tres películas anteriores también fueron seleccionadas como representantes oficiales de Palestina para los Oscar®, es reconocida internacionalmente por obras como "Salt of This Sea" (Cannes), "When I Saw You" (ganadora del Mejor Film Asiático en la Berlinale) y "Wajib" (36 premios internacionales, incluyendo el Festival de Cine de Londres BFI). 

Una coproducción internacional, el estreno de Palestina 36 está a cargo de Cinecolor Films y llegará a cines de todo el país el próximo 12 de febrero.

[Cine] "SOLO NECESITAS MATAR": El anime basado en la historia original de "Al Filo del Mañana" llega a los cines chilenos

La novela que Tom Cruise llevó al éxito mundial en 2014 regresa a sus verdaderas raíces. “SOLO NECESITAS MATAR” (All You Need Is Kill), la obra maestra de Hiroshi Sakurazaka, recibe finalmente su adaptación animada definitiva: una producción de alta factura visual a cargo del prestigioso Studio 4°C que promete conquistar tanto a los puristas del género como a nuevas audiencias. Dirigida por Kenichiro Akimoto, la película llega a las salas chilenas el próximo 05 de febrero. 

Vive, muere, repite: El origen del bucle 

En un futuro cercano, la humanidad enfrenta su extinción. Una gigantesca flor alienígena conocida como "Darol" estalla sobre Japón, liberando hordas de criaturas monstruosas ("Mimics") que arrasan todo a su paso. En medio del caos, Rita, una joven voluntaria, muere brutalmente en combate. Pero la muerte no es el final. 

Al despertar, Rita se encuentra de nuevo al inicio del mismo día fatídico. Una y otra vez. Prisionera de un bucle temporal despiadado, deberá transformar su desesperación en experiencia bélica. En su ciclo infinito conoce a Keiji, otro soldado atrapado en la misma paradoja. Juntos lucharán, aprenderán de cada error y buscarán la única estrategia posible para romper el ciclo y salvar el futuro. 

Del papel a la pantalla: Un fenómeno de culto La novela original (2004) trascendió fronteras y definió el tropo del bucle temporal en la ciencia ficción moderna. Su adaptación hollywoodense, "Edge of Tomorrow" (Al Filo del Mañana), recaudó más de 370 millones de dólares y demostró la potencia de la historia. 

Ahora, Studio 4°C —la casa de animación detrás de joyas visuales como "Tekkonkinkreet" y "Mind Game"— entrega una reinterpretación visceral y fiel al espíritu japonés del material base. La crítica internacional ya ha destacado su propuesta tras su paso por festivales: 

"Las secuencias de acción son increíbles y la razón principal para no perdérsela. Es un espectáculo visual que justifica la pantalla grande". — ScreenAnarchy 

Nominada a Mejor Largometraje de Animación en el Festival de Sitges, la película combina la adrenalina de la acción con una profunda reflexión sobre el destino. Este verano, descubre el verdadero origen del fenómeno. "All You Need Is Kill" llega a los cines el 05 de febrero.

[Cine] Las 5 claves para entender "La Única Opción", el nuevo filme de Park Chan-wook

El director de "Oldboy" regresa con una película que desafía géneros y cuestiona el sistema. Con 98% en Rotten Tomatoes y triple nominación a los Globos de Oro. Estreno 15 de enero en cines.

Park Chan-wook presenta un artefacto cinematográfico diseñado para incomodar. "La Única Opción" funciona en múltiples niveles, y entenderla requiere prestar atención a sus capas. 

Estas son las cinco claves para descifrarla.

Sátira del capitalismo extremo:
La premisa es simple: un hombre pierde su trabajo y decide asesinar a sus competidores para crear una vacante. Pero Park Chan-wook no está interesado en el crimen per se. Lo que le importa es la pregunta que subyace: ¿qué tipo de sistema convierte a un padre de familia en asesino? La película no juzga a Yoo Man-su (Lee Byung-hun). Lo presenta como producto lógico de un mercado que descarta personas como si fueran inventario obsoleto.

Hibridez de géneros:
¿Es comedia? ¿Es thriller? ¿Es drama social? La respuesta es sí a todo. Park Chan-wook mezcla géneros con una precisión que desorienta. Una escena puede comenzar como suspenso y terminar en carcajada nerviosa. El Wall Street Journal lo describió así: "La película es un crowd-pleaser desenfrenado de Park, quien exhibe un genio raro con la cámara a lo largo de toda la obra, ideando tomas, zooms y transiciones impresionantes."
Esta hibridez no es capricho estilístico. Refleja la experiencia de Man-su: su vida es absurda y aterradora al mismo tiempo.

Estética y puesta en escena:
Cada plano en "La Única Opción" está compuesto con obsesión. Park Chan-wook utiliza la simetría, los colores desaturados y los espacios cerrados para transmitir la claustrofobia mental de su protagonista. Las oficinas son laberintos. Los hogares son escenarios de teatro. Nada es casual.
Rotten Tomatoes resume: la película está "dirigida con precisión prístina por Park Chan-wook."

Simbolismo y entorno:
Man-su trabajó 25 años en la industria del papel. El papel se arruga, se descarta, se recicla. Como él. Park Chan-wook llena la película de estos ecos visuales: documentos que se acumulan, currículums que nadie lee, tarjetas de presentación que ya no significan nada. El entorno cuenta la historia tanto como los diálogos.

La deshumanización:
El arco de Man-su es el de un hombre que pierde su humanidad mientras intenta recuperar su lugar en un sistema que nunca lo vio como humano. La ironía es brutal: para volver a ser "alguien", debe convertirse en nadie. Lee Byung-hun interpreta esta transformación con una actuación que le valió nominación al Globo de Oro.
A su lado, Son Ye-jin ("The Negotiation", "Be With You") como Mi-ri representa lo que Man-su está perdiendo: conexión, afecto, normalidad.

Reconocimiento internacional:
La película fue la apertura del Busan International Film Festival 2025, fue Nominada al León de Oro en Venecia (82ª edición), ganadora del Premio del Público en Toronto International Film Festival 2025, es la Selección oficial de Corea del Sur para el Oscar a Mejor Película Internacional y cuenta con una triple nominación a los Globos de Oro: Mejor película – comedia o musical; Mejor película en lengua no inglesa; Mejor actor en comedia o musical por Lee Byung-hun.

"La Única Opción" llega a las salas de Chile el 15 de enero. Una obra imprescindible del cine coreano actual.