El terror vuelve a tomar protagonismo en la cartelera con el estreno de “La posesión de la momia”, una reinterpretación audaz y retorcida de uno de los relatos más icónicos del género. Tras el éxito global de Evil Dead: El despertar, el guionista y director Lee Cronin regresa con una propuesta que mezcla suspenso, drama familiar y una estética inquietante, pensada para una nueva generación de espectadores que busca experiencias intensas y memorables en el cine.
La historia sigue a la hija de un periodista que desaparece misteriosamente en el desierto sin dejar rastro. Ocho años después, su inesperado regreso desata una serie de acontecimientos perturbadores: lo que debería ser un emotivo reencuentro se transforma rápidamente en una pesadilla imposible de ignorar. Con un elenco encabezado por Jack Reynor (Midsommar), Laia Costa (Victoria), May Calamawy (Moon Knight), Natalie Grace (Raymar) y Verónica Falcón (Ozark) , la película construye una tensión constante que conecta lo sobrenatural con los vínculos familiares más profundos.
Con el respaldo de nombres clave del cine de terror contemporáneo como James Wan (El Conjuro) y Jason Blum en la producción (Paranormal Activity, The Purge y M3GAN), “La posesión de la momia” no solo promete escalofríos, sino también una propuesta estética cuidada y envolvente. El trabajo visual de Dave Garbett, junto al diseño de producción de Nick Bassett y la música de Stephen McKeon, dan forma a un universo oscuro y sofisticado que eleva la experiencia cinematográfica.
La película llegará a los cines de Latinoamérica a partir del 16 de abril de 2026, posicionándose como uno de los estrenos imperdibles para los amantes del terror y quienes buscan una historia que va más allá del miedo.
Una alocada comedia romántica animada situada en un mundo futurista donde humanos y criaturas marinas conviven en sociedad. CHAO: LA SIRENA (チャオ, ChaO) sigue la historia del joven ingeniero naval Stephan, cuya vida cambia inesperadamente cuando ChaO, una misteriosa princesa proveniente del mar, le propone matrimonio. A medida que ambos comienzan a derribar sus barreras emocionales, un romance inesperado y conmovedor empieza a florecer. Aquí hay mariposas en el estómago garantizadas.
La película explora temas como la diversidad, la aceptación y la conexión entre especies distintas, todo envuelto en una estética visual vibrante y surrealista. CHAO: LA SIRENA está producida por Studio 4°C, marca registrada cuando se trata de innovación en el anime, responsable de obras de culto como Mind Game, la trilogía Berserk: The Golden Age Arc y la antología The Animatrix. En sus más de 100.000 ilustraciones, su director Yasuhiro Aoki combina técnicas modernas de animación con un estilo más artesanal reflejado, lo que significó la obtención del Premio del Jurado en el Festival de Animación de Annecy 2025.
CHAO: LA SIRENA cuenta la historia de Stephan, un común y corriente ingeniero que cambia abruptamente su vida cuando una enigmática princesa sirena le propone matrimonio de manera directa e inesperada. Esta simple premisa indaga en temas como el amor fuera de lo convencional, la convivencia entre mundos opuestos y la aceptación de lo desconocido, todo con un tono ligero, accesible y cargado de humor. ¿Qué sucederá con su inesperado e improbable romance?
Producida por Eiko Tanaka, una de las ejecutivas más influyentes de la industria del anime, reconocida por su rol clave en el desarrollo de proyectos de alto nivel internacional en Studio Ghibli (Mi vecino Totoro, Kiki: entregas a domicilio), CHAO: LA SIRENA se consagra como una de las propuestas más originales y atractivas del año dentro de la animación japonesa contemporánea. El resultado es una película fresca, entretenida y distinta, que busca conectar con el público a través de una historia cercana, divertida y visualmente impactante. CHAO: LA SIRENA es una película imperdible para quienes buscan una experiencia diferente dentro de la animación comercial actual.
La taquillera obra cuenta con las actuaciones de un destacado elenco integrado por Rodrigo Muñoz, Andrés Velasco, Fernando Larraín y Carlos Díaz. Compra tus entradas en www.corpartes.cl.
Basada en el fenómeno televisivo “Separados”, teleserie de TVN estrenada en 2012, y como nueva historia del exitoso montaje “Divorciados”, la hilarante comedia teatral “Divorciados 2.0” se suma a la cartelera del Teatro CA660, con una función única el domingo 26 de abril a las 19:00 horas.
Bajo la dirección de Rodrigo Muñoz —quien además protagoniza la obra—, el elenco se completa con Andrés Velasco, Fernando Larraín y Carlos Díaz, destacados actores nacionales con una reconocida trayectoria en comedia, tanto en televisión como en cine y teatro.
La trama muestra el paso de los años en sus protagonistas, quienes ya no son los mismos —o al menos eso creen—. La vida, los afectos y las obligaciones de la paternidad y la separación los enfrentan nuevamente, esta vez en medio de un enredo judicial que los llevará a desplegar toda su creatividad (y desesperación) para salir del paso.
“Divorciados 2.0” retoma con humor e ironía, la historia de estos entrañables y recordados ex maridos, para mostrar que reinventarse no siempre es tan fácil como parece.
“Estamos felices de seguir sumando comedia teatral a la cartelera de Fundación CorpArtes, ya que este tipo de propuestas genera un espacio de encuentro en torno al humor y las experiencias cotidianas. Estamos seguros de que esta exitosa obra conectará con nuestro público, tal como ocurrió con ‘El guionista del presidente’, que presentamos en marzo en el Teatro CA660”, expresa José Tomás Palma, director ejecutivo de Fundación CorpArtes.
La obra de teatro “Divorciados 2.0” se presentará el domingo 26 de abril a las 19:00 horas, en el Teatro CA660 de Fundación CorpArtes, ubicado en Rosario Norte #660, piso -2, Las Condes. Las entradas se pueden adquirir en www.corpartes.cl y los valores van desde los $23.000 hasta los $33.000, desde 15% de descuento para estudiantes, tercera edad y convenios. Entradas en preventa con un 20% de descuento hasta agotar stock por sector.
Dos destacados documentales llegarán a los espacios de exhibición independientes de norte a sur del país. Se trata de Vuelvo donde nunca estuve (Dir. Constanza Vásquez y Andrés Morales) y Para vivir. El implacable tiempo de Pablo Milanés (Dir. Fabien Pisani), películas que ponen en el centro la memoria, la identidad y la música, a través de relatos marcados por la búsqueda personal, la historia colectiva y la persistencia de los vínculos con el territorio. Ambas tendrán su estreno en Chile durante el segundo semestre de 2026, tras ser seleccionadas en la convocatoria Estrenos en RED, iniciativa que cada año escoge un título chileno y otro latinoamericano para su estreno comercial en salas independientes del país.
En esta nueva versión se recibieron 86 postulaciones de Chile y otros 12 países de la región, destacando en primer lugar Argentina, como el país con mayor procedencia de postulaciones luego del territorio nacional, siguiéndoles México, Brasil y Venezuela. “Este año se han seleccionado documentales que abordan temas relacionados con la identidad, la memoria y la cultura. Son obras que por su propuesta pueden tener una fuerte conexión con el público. La exhibición de este tipo de obras en salas independientes es fundamental, ya que permite acercarlas a las audiencias en condiciones adecuadas, buscando ser una experiencia significativa para el espectador. Además, contribuyen a ampliar la diversidad de la cartelera y a fortalecer el circuito de exhibición”, comentaCynthia García Calvo, encargada de programación de la Red.
Estrenos en RED es una iniciativa financiada por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través de su Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras, y tiene como objetivo reconocer y difundir obras cinematográficas de Chile y Latinoamérica, apoyándolas en el desarrollo de un plan de distribución y materiales que permitan reforzar la estrategia de difusión de cada película como una manera de promover la circulación de estos contenidos en el territorio nacional, apostando por la descentralización y al trabajo en red.
Como cada año, el jurado de Estrenos en RED estuvo integrado por representantes de salas asociadas a la Red. En esta edición, participaron Macarena Bello, Jefa de Programación y Públicos de la Cineteca Nacional de Chile (Santiago); Carolina Rojas, productora de Sala Mafalda Mora, Casa del Arte Diego Rivera (Puerto Montt); y Marcia Fehrmann, coordinadora y programadora de Sala Latente (La Serena), quienes seleccionaron las películas considerando la diversidad de territorios, contextos y públicos que conforman.
“Ambas películas proponen dos formas complementarias de conectar con el público: por un lado, un retrato íntimo de una figura fundamental de la música latinoamericana que permite reencontrarse con su legado desde la experiencia colectiva de la sala; y por otro, una obra profundamente ligada al territorio y la memoria, que invita a reflexionar sobre identidad, historia y presente. Son obras que dialogan con distintos públicos y que, desde lugares muy distintos, invitan a detenerse, mirar y pensar en conjunto”, agrega Marcia Fehrmann, jurado de la convocatoria y representante de Sala Latente de la Serena
Sobre las películas
A través de un diálogo íntimo con su padre gravemente enfermo, el hijo del cantautor cubano Pablo Milanés teje el retrato del hombre, del artista y de la compleja época que reflejó y enriqueció con su canto. Para vivir. El implacable tiempo de Pablo Milanés, dirigida por Fabien Pisani, es un documental musical que explora un momento crucial, cuando la música y la historia se entrelazaron atravesando convulsiones políticas, victorias arduamente conquistadas y dolorosos retrocesos, con el canto de Milanés como un reflejo de la esperanza y lucha de toda una generación.
La película, seleccionada como Largometraje Latinoamericano en la convocatoria, cuenta con un gran recorrido en festivales internacionales como Sheffield Doc Fest, en el Reino Unido, y el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata en Argentina; y fue exhibida en la 21º versión del Festival In-Edit en Chile.
Por otro lado, Vuelvo donde nunca estuve, ópera prima de Constanza Vásquez y Andrés Morales, fue seleccionada como Largometraje Nacional en la convocatoria y llegará a las salas de la Red este año. En su etapa de desarrollo la película participó de prestigiosos espacios de work in progress y laboratorios nacionales como el Encuentro Internacional de Industria Conecta y Cine en Construcción del Festival de Cine de Chile FECICH, donde obtuvo el Premio Asesoria de montaje; además de una selección para participar en el Showcase de Chile en Cannes Docs, del Marché du Film, espacio de Industria del Festival de Cine de Cannes en Francia.
La película sigue a Fernanda Olivares, joven descendiente Selk’nam, se convierte en la primera de su comunidad en regresar al territorio ancestral, con el propósito de demostrar que su pueblo, considerado extinto por décadas, sigue vivo y abrir el camino para su regreso, restaurando su identidad y su dignidad.
“Este documental no solo desmiente una historia oficial falsa, sino que honra a un pueblo vivo que resiste y vuelve a poblar su territorio. Gracias a la Red de Salas, buscamos que esta película transforme el silencio en un diálogo urgente y se convierta en un instrumento de justicia y memoria para Chile”, comenta Constanza Vásquez, una de las directoras del filme.
La cartelera completa estará disponible en el sitio web de la Red (www.redsalasdecine.cl) y en las plataformas de cada una de sus salas.
La Asociación Gremial Red Salas Independientes de Cine Chile forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Gobierno de Chile.
Paramount+le da la bienvenida a una nueva generación que llega a romperlo todo. Este próximo 21 de abril, MAZATLÁN SHORE marca el inicio de una nueva era: más intensa, más directa, sin filtros y que ya está dando de qué hablar. El estreno arranca con tres episodios, marcando el inicio de una etapa donde el universo Shore evoluciona.
Como producción original de Paramount+ para Latinoamérica, esta nueva entrega lleva el fenómeno Shore a toda la región con una identidad marcada por la intensidad, la autenticidad y una forma de vivir la fiesta sin filtros.
Mazatlán no es solo el escenario, es el “mood” y también la diferencia. Aquí la cultura del norte marca el ritmo: más directa, más intensa y sin rodeos. Entre banda, corridos tumbados y una energía que se vive al cien, esta nueva generación deja claro que esto es otra forma de vivir el universo Shore. Aquí, el desmadre no se disimula, se vive.
Diez personalidades nuevas, cinco mujeres y cinco hombres, llegan con una sola mentalidad: vivirlo todo. Con actitud frontal, sin filtros y cero ganas de bajarle, vienen a prender la casa, armar alianzas, romperlas y dejar que todo pase.
Desde el primer episodio, todo se prende sin aviso. En cuestión de horas, las miradas, los roces y los comentarios empiezan a subir la temperatura. La fiesta arranca con todo, pero también las tensiones: egos que chocan, actitudes que incomodan y rivalidades que empiezan a cocinarse, especialmente entre algunas de las mujeres, dejando claro que aquí nadie viene a quedarse callado. Las conexiones avanzan rápido, los choques escalan y la energía no baja en ningún momento porque si algo queda claro desde el inicio, es que aquí nadie viene a bajarle, todos vienen a subirle.
Con toda la actitud y sin miedo al descontrol, ellos son los 10 que llegan a Mazatlán a prenderlo todo desde el primer momento:
Aldo – Guadalajara, 23 años. Parte de la comunidad LGBT, se define entre celos, toxicidad y actitud posesiva, además de un “mala copa” que no pasa desapercibido aunque también presume ser de los más leales y transparentes con los suyos.
Alex – Culiacán, 27 años. Guapo, empático y hasta con un lado “zen”, pero también enamoradizo, fiestero sin límite, torpe y profundamente rencoroso si alguien se mete con él.
Brallan – Culiacán, 30 años. Noble y puro pero también el alma de la fiesta. Busca equilibrio en la casa, aunque su forma de ser y de hablar puede desconcertar a más de uno.
Irvin – Chihuahua, 30 años. El estereotipo del ranchero mexicano: fiestero, mujeriego y bailador, pero también abierto a todo. Su presencia lo convierte en el centro de la discordia, con conflictos que terminan pasando directa o indirectamente por él.
Héctor – Coahuila, 26 años. Enfocado en el ejercicio y en ligar, convencido de que todas querían con él hasta que la realidad lo bajó a la friendzone. Aun así, deja claro que el chisme, la fiesta y la intriga siempre van con él.
Nayelli –Monterrey, 23 años. Sigilosa y astuta, con apariencia inocente pero en realidad pura dinamita. De día es una, de noche se transforma en alguien dispuesta a romperlo todo.
Nancy – Guadalajara, 22 años. Seductora y controladora, capaz de desarmar con una sola mirada. Puede parecer la villana de la historia… pero guarda un lado mucho más suave de lo que aparenta.
Roxana –Monterrey, 28 años. Imposible pasar desapercibida: amada y odiada por igual, su presencia desata envidias, pasiones y varios pleitos en el camino.
Yaritza – Zacatecas, 28 años. Se autoproclama la “mamá” de la casa, intentando cuidar a todos… aunque su carácter fuerte la lleva a chocar con varios y sacar las garras cuando es necesario.
Yuliana –Mazatlán, 25 años. Alegría pura, siempre risueña y viviendo para la fiesta. Manipuladora como pocos y dispuesta a todo con tal de conseguir lo que quiere.
Pero en esta casa no todo es descontrol. También hay reglas y alguien que se encarga de recordarlas. La figura de La Patrona, interpretada por Celia Correa de Lizárraga, mujer de negocios, socialité y esposa de uno de los nombres más importantes de la música de banda, Poncho Lizárraga, entra para poner orden dentro del caos y marcar el ritmo de una experiencia donde no solo se trata de fiesta, sino de demostrar de qué están hechos.
Y si algo deja claro Mazatlán desde el inicio, es que esto apenas empieza. En una casa donde nadie se guarda nada, la fiesta no baja, las tensiones suben y cualquier cosa puede detonar en segundos. Entre banda sonando fuerte, noches que se alargan y una actitud que no pide permiso, esta nueva generación confirma que el universo Shore no solo está de regreso sino que está más prendido que nunca. Porque en esta nueva era, el caos no se evita… se busca. Y cuando arranca, no hay forma de pararlo.
En tiempos donde todo cambia rápido, hay algo que siempre se mantiene. Under Pizza sigue siendo ese lugar donde comer rico no significa gastar de más. Con pizzas familiares desde $5.990, se demuestra que es posible tener la mejor calidad a un precio conveniente, porque cuidar el bolsillo no es solo una promo puntual, sino parte de cómo funciona todos los días.
Under Pizza apuesta por esa fórmula, una que no falla: ingredientes de calidad, precios que se mantienen en el tiempo y una propuesta pensada para el día a día sin esperar. Una combinación donde la relación precio-calidad está al centro y con todo resuelto.
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Desde la masa recién horneada hasta ingredientes de gran calidad e importados desde Estados Unidos, como el pepperoni, el queso 100% mozzarella y su salsa de tomate hecha con tomates seleccionados, todo apunta a lo que realmente importa: una propuesta pensada y que se nota en cada porción.
“En Under Pizza día a día trabajamos en mantener el equilibrio perfecto entre buenosingredientes, procesos robustos y un menú completo a buen precio, no se trata solo de unaspizzas a buen precio, se trata de cumplir nuestra promesa en toda nuestra oferta. Nuestrofoco está en ser consistentes en el tiempo, cumplir lo que prometemos y seguir siendo lapizza más rica y conveniente de Chile”, señaló Marieta Medina, Gerente Comercial y Marketing de Under Pizza.
En cada local, la experiencia se repite: entregas rápidas y un ambiente donde siempre hay espacio para uno más. Ya sea una junta improvisada, una pausa en el trabajo o una comida en casa, Under Pizza está pensado para acompañarte en todo momento sin que el presupuesto sea un problema.
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Del 05 al 10 de mayo, se celebrará en Santiago una nueva edición de FEMCINE, el 16° Festival Cine de Mujeres que este año desplegará su programación en seis espacios de Santiago: Cineteca Nacional de Chile, Sala K (U. Mayor), Sala Cine UC, CCC Centro de Cine y Creación, Sala de Cine de Ñuñoa y Centro Cultural de España. Es un proyecto financiado por el Fondo de Fomento Audiovisual, Convocatoria 2026 del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.
El Festival Cine de Mujeres, FEMCINE, anunció que en su edición número 16 distinguirá a la gestora cultural Roser Fort Aguilera como Mujer Destacada FEMCINE 2026, uno de los reconocimientos que entrega el certamen.
Este galardón, otorgado anualmente por el festival, tiene como objetivo relevar la trayectoria de mujeres que han contribuido de manera significativa al desarrollo y fortalecimiento del panorama audiovisual y cultural en Chile. En esta ocasión, la distinción recae en Roser Fort por sus más de treinta años de labor dedicada a la difusión del cine independiente y por su compromiso con la generación de espacios culturales abiertos, diversos y comunitarios.
Roser Fort Aguilera es una gestora cultural de larga experiencia en el cine y otras diversas expresiones artísticas. Formada como profesora de Educación Física, rol que ejerció durante catorce años, inició su carrera en el mundo de la cultura como relacionadora pública de las editoriales Hachette y Dolmen, y posteriormente en el mismo cargo en el canal ARTV.
Actualmente directora del Centro Arte Alameda —cargo que ejerce desde 1995—, ha sido una figura clave en la promoción de propuestas cinematográficas alternativas, consolidando uno de los centros culturales independientes más importantes del país. Además, ha impulsado la difusión del cine de autor nacional e internacional a través de Centro Arte Alameda Distribución.
“Agradezco este premio entregado por mis pares, las mujeres. Son más de 30 años dedicados a trabajar en gestión cultural y cine, que entiendo que es una herramienta fundamental para que las personas empaticen con el mundo en que vivimos, pues sólo así podemos generar cambios contundentes en nuestra sociedad. En este camino, por supuesto, no he avanzado sola. En Centro Arte Alameda me acompaña un equipo entusiasta y apasionado. Recibo este premio de la mano de esas voluntades. En tiempos complejos y en momentos tranquilos, el cine y las artes deben estar presentes, porque apelan a cada espectador con discusiones urgentes y una necesaria reflexión. La gestión cultural moviliza y sigue adelante por el interés genuino de comunidades, quienes hacen suyas las butacas en las que tantas veces nos hemos reunido” destaca Fort. “Agradezco al equipo FEMCINE, con quienes nos conocemos hace ya largo rato. Quienes han sido clave en hacer visible el trabajo de creadoras mujeres. Mi deseo es que sigamos creando, sigamos produciendo y sigamos emocionándonos con obras inspiradoras, pues sé que éstas nos han educado y educarán a las futuras generaciones”.
La ceremonia de entrega de este reconocimiento se llevará a cabo el martes 5 de mayo en la Cineteca Nacional de Chile, instancia en la que se le hará entrega de la estatuilla que simboliza este homenaje a su trayectoria.
Con este reconocimiento, FEMCINE reafirma su compromiso con visibilizar el trabajo de mujeres que, desde distintos ámbitos, han impulsado transformaciones relevantes en el ecosistema cultural y audiovisual del país.
Toda la programación se encontrará disponible en femcine.cl.
COORDENADAS DE CARTELERA
SEDES & ENTRADAS Cineteca Nacional de Chile, Plaza de la ciudadanía 26 Nivel -2. Sala de Cine UC - Av. Libertador Bernardo O'Higgins 390, Santiago. Sala CCC - Raulí 581, Santiago. Sala K - U Mayor - Marín 321, Santiago. Sala de Cine de Ñuñoa - Av. Irarrázaval 4055, Ñuñoa. Centro Cultural de España - Providencia 927, Providencia.
“Propaganda” es una comedia de humor negro que logra abordar uno de los grandes problemas del mundo hiperconectado que habitamos: ¿qué es real y en quién podemos confiar?
La pieza logra profundizar en esta temática contingente cuestionando varios frentes, como el significado de las palabras según quién las use, el algoritmo de las redes sociales que crea una realidad sesgada y lo seductor que resultan los discursos extremistas.
La creación GAM-Theater Heidelberg (Alemania), escrita por Juan Pablo Troncoso y Björn Deigner, tuvo su debut internacional en octubre pasado en el país germano y considera un elenco de cinco actores chilenos y alemanes.
En escena, un collage de situaciones se suceden en cuatro idiomas: dos influencers alemanes disparan mensajes odiosos y seductores a miles de personas en todo el mundo; una líder del movimiento identitario alemán enciende a sus seguidoras en Chile y busca esparcir sus ideas; cae una bomba y estalla una nueva guerra; inmigrantes europeos arriban a un NeoChile y una guardia fronteriza se debate si permitirles el paso o no.
“La obra se presenta como una estructura fragmentada, donde distintas narrativas aparecen, se interrumpen y se superponen hasta desembocar en un contexto que podría parecer inesperado: la guerra. Pero esa irrupción no es una exageración ni un artificio dramático, sino una cercanía que hoy atraviesa nuestras conversaciones, miedos y nuestras pantallas”, adelanta su directora, Ana Luz Ormazábal (“María Isabel”, “Este teatro no está vacío”, entre otros).
Según cuenta la artista, el montaje parte de una investigación teatral que derivó en cómo se construye y circula la propaganda hoy, tanto en Chile como en Alemania. El resultado: un relato donde sus personajes son seres radicalizados, aislados de la realidad y fuertemente influenciados por las redes sociales.
“Se cruzan historias de personas que podríamos ser nosotros mismos, personajes que en algún momento creyeron en ciertos mensajes propagandísticos que circulan cotidianamente por internet y que instalan miedo, promesas, odio o esperanza”, explica Ormazábal.
"En algunos grupos y sectores, el uso de palabras, eslóganes y la disputa por el lenguaje aparece como un componente fundamental y problemático en la supuesta llamada batalla cultural. La obra no solo se construye a partir de cuerpos, puesta en escena, dispositivos audiovisuales, lumínicos, etc., sino que también hace una apuesta y una defensa por entrar la disputa por las palabras", ahonda Juan Pablo Troncoso, uno de sus autores.
“Propaganda” es una propuesta escénica que incorpora subtítulos, ya que en ella conviven cuatro idiomas: español, alemán, inglés y francés. Se presenta, además, como un proyecto teatral, en colaboración con Goethe Institut, donde la visualidad y la música en vivo tienen un gran protagonismo, con cantos, escenas polifónicas y cuerpos intentando habitar lenguas que no les pertenecen.
Se trata de una invitación a reflexionar críticamente sobre la información, la desinformación y las relaciones de poder, mostrando cómo estas dinámicas se repiten a lo largo del tiempo, tensionando dos culturas y sistemas distintos cuando estos se encuentran.
“Me interesa mirar el rol del algoritmo y ese modo en que terminamos hablándonos sólo entre quienes pensamos igual, sin fricción, sin disputa real. Más allá de las etiquetas ideológicas de derechas o izquierdas, la obra mira de frente la contradicción humana: esa zona oscura, autoritaria, que todos llevamos dentro. No para celebrarla, sino para preguntarnos qué hacemos con ella", concluye Ormazábal.
17 Abr al 2 May Ju a Sá (+ Mi 29)— 19.30 h. Do— 18.30 h Entradas en gam.cl
Inspirada en la infancia y la adolescencia de Juan Pablo Escobar, la ficción retrata la Colombia de los años 80 y 90 a través de un gran despliegue de producción que incluyó un centenar de personajes, más de 90 locaciones de rodaje e impactantes escenas de acción
Ya se encuentra disponible exclusivamente en Disney+ Dear Killer Nannies: criado por sicarios, la nueva serie de ficción dramática que transporta a las audiencias a la Colombia de los años 80 y 90. Narrada desde la singular perspectiva de su hijo, Juan Pablo Escobar, la producción recrea con detalle el universo privado de Pablo Escobar Gaviria, el famoso narcoterrorista colombiano.
Íntegramente realizada en Latinoamérica por talentosos equipos de la región, Dear Killer Nannies: criado por sicarios se destaca por una minuciosa reconstrucción de época, impactantes escenas de acción y un gran despliegue técnico y creativo. Estos son algunos datos reveladores de cómo se construyó el mundo de la serie.
RODAJE A GRAN ESCALA
El rodaje de Dear Killer Nannies: criado por sicarios se desarrolló en Colombia y se extendió durante 75 días. Contó con un equipo multidisciplinario integrado por 327 personas que dio vida a cada escena de la serie y fue filmada en 94 locaciones de Bogotá y diferentes ciudades y pueblos del departamento de Antioquia, incluyendo Medellín, Popalito, Itagüí, El Peñol y Santa Fe de Antioquia. Previo al rodaje, y como parte de la investigación de la serie, el equipo recorrió todas las localidades donde sucedieron los acontecimientos reales. Entre los detalles más significativos de la producción, está la creación de la escena donde explota el edificio Mónaco que se filmó en un edificio aledaño al real.
ENTORNOS ICÓNICOS QUE COBRAN VIDA
La serie recrea con precisión todos los entornos donde se movía Pablo Escobar Gaviria junto a su familia, incluyendo lugares icónicos como su Hacienda Nápoles en las afueras de Medellín, el edificio Mónaco en la ciudad y el barrio Pablo Escobar en Medellín. Al tratarse de espacios muy bien documentados a lo largo de los años, los equipos de diseño de producción y de arte se apoyaron fuertemente en ese material para replicarlos. A su vez, a través de Juan Pablo Escobar tuvieron acceso a los álbumes familiares, lo que brindó información hasta ahora desconocida sobre los lugares donde sucedieron los acontecimientos.
En total, se construyeron 208 decorados para la serie, que incluyen ricos detalles de época y referencias a gustos y preferencias de las personas reales, como los objetos que adornaban la habitación de Juan Pablo en la Hacienda Nápoles. Además, se intervino fachadas de tiendas y la señalética en decenas de calles para rodar las escenas en exteriores, de las que participaron casi 1950 extras.
EN BUSCA DE LOS JUAN PABLOS PERFECTOS
Uno de los desafíos más grandes de la producción fue encontrar a los actores ideales para interpretar a Juan Pablo en su niñez. Un total de 652 niños participaron del proceso de casting en las ciudades de Marinilla, Medellín, Carmen de Viboral y Pereira.
Una vez seleccionados, los actores Miguel Tamayo y Miguel Ángel “Orión” García trabajaron con un equipo interdisciplinario que incluyó una psicóloga, entrenadoras vocales y un coach de actuación infantil, así como a la destacada coach actoral María Laura Berch, conocida por su trabajo en series como Santa Evita. Teniendo en cuenta la temática de Dear Killer Nannies: criado por sicarios, el trabajo con los jóvenes actores se abordó con especial respeto, tanto en la previa del rodaje como durante las grabaciones y en los meses posteriores.
IMPACTANTES ESCENAS DE ACCIÓN
Al recrear una época marcada por la violencia, la nueva serie se destaca por numerosas secuencias de acción a gran escala en las que participaron 167 dobles de riesgo. En materia de armas, se usaron un total de 57 de diferentes tipos y se ejecutaron más de 300 disparos de armas de salva, con más de 200 efectos de impacto sobre superficies como vidrios, paredes y objetos. (Todas las escenas fueron realizadas bajo estrictos protocolos de seguridad).
A su vez, aparecen en escena 148 vehículos de acción de los años 80 y 90, así como un helicóptero y un avión comercial. Por último, hubo un extenso trabajo de efectos visuales: se desarrollaron más de 800 planos de variada complejidad, entre los que se destaca la explosión del edificio Mónaco en el episodio 5.
EL ESTILO ESCOBAR
El trabajo de vestuario en la serie fue esencial para la reconstrucción de época, especialmente en el caso de Pablo Escobar Gaviria. La vestimenta que luce John Leguizamo en pantalla fue 100% confeccionada para replicar los icónicos looks de Escobar a lo largo de los años, tomando como referencia el material audiovisual de la época.
El vestuario también fue una herramienta importante para imprimirle identidad a cada uno de los “nannies” al centro de la historia. Si bien los personajes no tienen correlatos directos con figuras de la realidad, la esencia de los “niñeros” que cuidaron a Juan Pablo está en los personajes. El equipo de vestuario, junto con el de maquillaje y peinado, estudió exhaustivamente las fotos de los sicarios de Pablo Escobar para crear sus looks con la mayor autenticidad posible. Cada “nanny” tiene un estilo específico, al tiempo que cada uno lleva un arma con una cacha personalizada según el gusto del personaje.
Dear Killer Nannies: criado por sicarios ya está disponible con todos sus episodios, exclusivamente en Disney+ en Latinoamérica y otros mercados internacionales, y en Hulu en Estados Unidos.
Dear Killer Nannies: criado por sicarios es una obra de ficción inspirada en hechos reales. Algunos personajes, situaciones y diálogos han sido dramatizados o ficcionalizados con fines narrativos. Las recreaciones fueron realizadas con fines narrativos y de producción, y no corresponden necesariamente a representaciones exactas de los hechos históricos.
Los controles parentales de Disney+ garantizan que la plataforma sea una experiencia de streaming adecuada para todos los miembros de la familia. Los suscriptores pueden crear perfiles protegidos por un PIN y establecer, para determinados perfiles, límites de acceso basados en la clasificación del contenido.
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