Papa Johns vuelve a sorprender a los amantes de la pizza con el lanzamiento de su nueva “Pan Pizza”, una propuesta que llega para ampliar su menú con una preparación diferente, intensa en sabor y pensada para quienes buscan una experiencia más contundente en cada bocado.
La nueva especialidad destaca por la preparación de su masa fresca en sartén, la cual se hornea sobre una base de queso que se funde tanto en los bordes como en su misma base, logrando una textura exquisita y única. A esto se suma la combinación de salsa de pizza y su inconfundible salsa garlic, creando una mezcla de sabores mucho más intensa y sabrosa.
Este nuevo producto estará disponible en cuatro especialidades: Super Pepperoni, Napolitana, The Works y Boom de Jamón, todas desarrolladas para potenciar la experiencia única que trae esta nueva preparación.
“Innovar constantemente y sorprender a nuestros clientes es parte esencial de nuestro ADN. Pan Pizza no solo llega a Chile, sino que también a todos los Papa Johns del mundo, y con ella buscamos entregar una experiencia distinta y llena de sabor, manteniendo siempre la calidad y frescura de nuestros ingredientes que nos caracteriza como marca”, explicó Mario Lorca, Gerente Comercial de Papa Johns Chile.
La nueva Pan Pizza ya está disponible en formato mediano a un valor de $14.990 y también en formato combo junto a una bebida por $16.990 en todos los locales del país, además de la app oficial, el sitio web dePapa Johns y su call center 600 390 5000.
De esta manera, la cadena de pizzerías líder en el país continúa reforzando su compromiso con la innovación dentro de la categoría, acercando nuevas experiencias y sabores a sus consumidores en todo Chile.
El próximo lunes 18 de mayo a las 19:30 horas, el Teatro Municipal de Las Condes será el escenario de “Dos Rostros del Romanticismo”, un concierto único, que contará con la dirección del destacado maestro Pedro-Pablo Prudencio, quien liderará a la Orquesta de Cámara del Municipal de Santiago, con un cuidado repertorio que cautivará a los amantes de la música clásica.
Esta propuesta, que combina elegancia, emoción y excelencia interpretativa, tendrá dos hitos. Durante la primera parte, se interpretará el célebre Concierto para violín en mi menor, Op. 64 de Felix Mendelssohn, una pieza que destaca por su lirismo, virtuosismo y profundidad emocional, y que será interpretada por el destacado violinista Richard Biaggini como solista, quien aportará su sensibilidad y técnica a esta obra icónica.
Mientras que en la segunda parte del concierto, el público se deleitará con La muerte y la doncella de Franz Schubert, una composición intensa y dramática que, a través de sus contrastes y riqueza expresiva, se ha consolidado como una de las más grandes obras de la música de cámara.
Será un emocionante recorrido por dos de las obras maestras del repertorio clásico universal, que dirigirá uno de los directores más relevantes del país, quien además dirige la Orquesta Filarmónica de Santiago y el Ciclo Bach Santiago.
Fecha: Lunes 18 de mayo de 2026.
Horario: 19:30 horas
Lugar: Teatro Municipal de Las Condes (Av. Apoquindo 3300)
Entradas ya a la venta en la boletería del Teatro Municipal de Las Condes, ubicada en Av. Apoquindo 3300 y en el sitio web www.tmlascondes.cl. Descuentos disponibles con Tarjeta Vecino Las Condes (stock limitado).
Con una puesta en escena delicada y profundamente emotiva, “Después de la niebla” se instalará como una de las propuestas más sensibles y atmosféricas del cine chileno reciente. Dirigida por Miriam Heard (“Tierra yerma”), la película construye un retrato íntimo de la infancia desde una mirada contenida y poética, donde los silencios, las ausencias y los pequeños gestos adquieren una enorme fuerza emocional.
Después de recorrer festivales como Sanfic y Shanghái, donde ganó el Premio de Oro, se estrenará en cines chilenos el próximo 21 de mayo. Distribuye Market Chile.
Basada en la exitosa novela “Después de la niebla” de María Edwards Urrejola.
“Una experiencia cinematográfica reflexiva y emocionalmente”
Ambientada en el sur de Chile en 1988, “Después de la niebla” sigue a María, una niña de ocho años que vive durante la semana en una pensión en Osorno, lejos de sus padres. Mientras intenta adaptarse a la distancia y a la sensación constante de abandono, los fines de semana vuelve a la casa familiar ubicada junto a un lago. Pero la llegada de amigos de sus padres desde Santiago terminará profundizando aún más su sensación de invisibilidad.
Más que apoyarse en grandes conflictos o explosiones dramáticas, “Después de la niebla” encuentra su fuerza en lo sutil: en las miradas, en los tiempos muertos, en lo que no se dice. La película observa con enorme sensibilidad la experiencia emocional de una niña que intenta comprender dinámicas adultas que todavía no logra descifrar completamente, pero que ya comienza a sufrir en silencio.
La directora Miriam Heard Bey construye así una obra contemplativa y honesta, capaz de conectar con el espectador desde la memoria emocional y desde experiencias universales como la soledad, la necesidad de afecto y el miedo a sentirse desplazado dentro de la propia familia.
Uno de los aspectos más destacados de la película es su atmósfera visual y sonora. Los paisajes del sur de Chile —la niebla, el lago, los bosques húmedos y los espacios vacíos— funcionan como una extensión del mundo interior de María.
El elenco aporta además una naturalidad y una sensibilidad fundamentales para el tono de la película. Destaca especialmente el trabajo de la pequeña Ema Godoy en el rol protagónico, quien sostiene gran parte de la película desde una interpretación sutil y humana. Junto a ella participan Inés Martín Bernaldo de Quirós, Mario Horton, Valentina Murh, Viviana Herrera, Heidrun Breier, Álvaro Espinosa, Rocío Uson y Daniel Guillon, dando vida a personajes marcados por afectos complejos y tensiones silenciosas.
Gracias a su sensibilidad artística y a la universalidad de los temas que aborda, “Después de la niebla” se transforma en una experiencia cinematográfica reflexiva y emocionalmente. Una película de silencios, atmósferas y emociones contenidas.
ay historias que no pasan de moda, solo encuentran nuevas formas de volver a emocionar. Este año, la magia de Disney On Ice regresará a Chile con una propuesta que no solo reúne a personajes inolvidables, sino que también abre la puerta a nuevas generaciones.
Uno de los momentos más esperados del espectáculo será, sin duda, la llegada de Stitch y Angel, quienes por primera vez interrumpirán el hielo con sus aventuras, energía, humor y una presentación pensada para sorprender y divertir.
A esta experiencia se sumarán Elsa y Anna, protagonistas de Frozen, cuya historia trascendió la pantalla para convertirse en un verdadero fenómeno. Frozen instaló un relato sobre el amor fraternal, la identidad y la valentía, acompañado de una banda sonora que marcó a toda una generación. Verlas sobre hielo no solo es parte del espectáculo: es revivir una historia que sigue emocionando.
Para contar otra historia de amor familiar, también se sumará al espectáculo de este año Mirabel desde el universo de Encanto. Ganadora del Oscar® a Mejor Película Animada, Encanto se destaca por su mirada sobre la familia, la diversidad y el valor de lo cotidiano. La presencia de la familia Madrigal en el show no solo amplía el repertorio de historias, sino que también refleja cómo Disney sigue evolucionando hacia relatos más cercanos, representativos y emocionalmente actuales.
Mucho más que una puesta en escena
Pero si algo define a Disney On Ice es que la magia no ocurre solo frente al público. Detrás de cada función hay una producción de escala internacional que transforma el hielo en un escenario vivo. Desde su creación en 1981, el espectáculo ha recorrido el mundo uniendo culturas y generaciones, consolidándose como una de las experiencias familiares más emblemáticas del entretenimiento en vivo.
Cada ciudad que recibe el show es parte de una operación milimétrica: el montaje puede extenderse por más de 14 horas, con un equipo que traslada toneladas de equipamiento y coordina cada detalle para que la experiencia sea perfecta. Sobre la pista más de 50 patinadores de distintas partes del mundo dan vida a coreografías que mezclan técnica, narrativa y emoción.
El resultado es una experiencia que va más allá del espectáculo: es una invitación a volver a creer en la magia, a compartir en familia y a reencontrarse con historias que, sin importar la edad, siguen teniendo algo que decir.
Las entradas se pueden conseguir a través de PuntoTicket. Sé parte de una experiencia que reúne a los personajes más queridos de Disney en un espectáculo lleno de emoción, música y sorpresas. Disney On Ice es un programa inolvidable para disfrutar en familia y volver a creer en la magia. Del 6 al 9 de agosto en el Movistar Arena en Santiago, Chile.
Con una trayectoria de 80 años, el Ballet Nacional Chileno, BANCH, desembarca en GAM para presentar “Brasas”, montaje que se estrenó el año pasado entre los aplausos del público y de la crítica, marcando además el debut en Chile de la francesa Leïla Ka.
Conocida por llevar a escena propuestas que cruzan la danza contemporánea con lo urbano y lo teatral, la célebre coreógrafa nos invita a transitar por un viaje emocional y físico, donde está presente la dualidad de la vulnerabilidad y la fuerza, la tristeza y la vitalidad.
“En un mundo donde muchas veces sentimos que todo se derrumba, esta obra busca recordarnos que, mientras haya un latido, siempre hay esperanza”, explica la artista, considerada una de las figuras más brillantes de la danza contemporánea europea.
El público podrá disfrutar de un enjambre de cuerpos danzantes en un estado de ánimo colectivo entre la desesperanza y la resistencia, en una contradicción que considera reflejo de los tiempos actuales.
Tomando referentes populares y piezas musicales que forman parte del imaginario colectivo, como “El hombre que yo amo” de Myriam Hernández y “My heart will go on” de Céline Dion, “Brasas” nos lleva a diferentes celebraciones y espacios. Lejos de usarlas de modo irónico, lo que busca es quitar los prejuicios y devolverles la emoción que las ha transformado en melodías universales.
“Si esas canciones llegaron a tanta gente, es por algo. No me interesa negar lo popular, sino abrazarlo y hacerlo dialogar con la danza contemporánea. Frente a guerras, genocidios y violencias sociales normalizadas, nuestro cuerpo se convierte en refugio, resistencia y grito. Aquí la fiesta y la danza no son una alienación de la realidad, son cuerpos conscientes que se niegan a rendirse”, comentó.
Según ha descrito Leïla Ka, la obra “se puede describir como una gran fiesta desencarnada”, donde “se baila aunque el mundo se esté quemando. El cuerpo celebra, mientras la cara, los gestos, revelan la tristeza o la falta de sentido de esa fiesta”.
Con un lenguaje que único que busca una danza honesta y sin miedo a mostrar fragilidad, Leïla Ka ha participado en varias colaboraciones. La más destacada fue la que tuvo con Beyoncé en el tour Cowboy Carter, donde fue parte del equipo creativo de la cantante.
En mayo vuelve a Teatro La Memoria “Loca/Triste”, una adaptación libre de “El loco y la triste”, obra emblemática del dramaturgo chileno Juan Radrigán. Bajo la dirección de Rodrigo Pérez, el montaje resignifica el texto original al situar su eje en dos protagonistas mujeres —La Huinca y Eva—, para abordar con mirada contemporánea la exclusión, la precariedad y el anhelo de redención.
Concebida y estrenada en Rengo, Región de O’Higgins, de la mano de Teatro La Provincia junto a dos intérpretes locales, la obra es impulsada por el Festival A lo Quinta en coproducción con Teatro La Memoria, que a través de su programa Memoria Territorial busca circular y relevar la importancia de la creación artística en regiones y abrir un diálogo vivo entre memoria, territorio y escena contemporánea.
Con este montaje, Teatro La Memoria abre su programación 2026 con la que conmemora sus 20 años de trayectoria. El espacio cuenta con el financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través de su Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras.
El texto original narra el encuentro entre dos seres marginados por la sociedad: Eva, una prostituta marcada por frustraciones, sueños y una necesidad profunda de afecto, y el Huinca, un alcohólico al borde de la muerte que aún conserva una sed inquebrantable de libertad. En “Loca/ Triste”, la voz masculina del “loco” es desplazada hacia un territorio femenino: el duelo es entre dos mujeres enfrentadas al abandono, sosteniendo la dignidad con lo mínimo.
De esta manera, profundiza en una perspectiva contemporánea sobre la marginalidad, estableciendo un cruce con el Chile actual, donde sigue vigente la vida en campamentos y la promesa del acceso a la vivienda parece un espejismo lejano.
A través de la mirada aguda y honesta de Pérez, uno de los directores que más ha montado a Radrigán en el teatro chileno, la obra explora cómo, incluso en las condiciones más adversas, se puede defender la dignidad y la sororidad, reflejando la crudeza, la ternura y la verdad que caracterizan el legado del dramaturgo.
En palabras del director: “Los personajes de Radrigán tradicionalmente han sido instalados como personajes marginales porque se encuentran en el margen de la sociedad en términos económicos, etc. Pero acá se suma que está habitado por mujeres, género que se encuentra históricamente en un margen desde la perspectiva patriarcal. Por lo tanto, poner en valor el afecto, el amor, la solidaridad entre mujeres a partir de un texto de una belleza sublime, el resultado es que uno ve la obra de Radrigán en toda su dimensión; pero aparece un plus, que tiene que ver con los afectos que se ponen en juego”.
"Loca / Triste" es una intemperie, un refugio precario, un pacto frágil. La obra muestra la crudeza de vidas expulsadas, una violencia estructural y cotidiana en donde la única resistencia es la ternura. Esta versión no busca suavizar el golpe, se instala como un espejo quebrado, como una herida abierta que expone la exclusión y la resiliencia. Porque en los márgenes también se escribe la historia.
FICHA ARTÍSTICA:
Dramaturgia: Juan Radrigán | Dirección: Rodrigo Pérez | Elenco: Gabriela Torres, Liliana González | Asistente de dirección: Salvador Parraguez | Diseño Integral: César Toro | Diseño Sonoro: Guillermo Ugalde | Fotografía: Javier Espinoza | Compañía A lo Quinta Teatro y Teatro La Provincia | Producción: Festival A lo Quinta y Teatro La Memoria | Colabora: Fundación Hernán Quintanilla, Corporación Cluny, Casa Apaltas, Ilustre Municipalidad de Rengo.
COORDENADAS:
22 al 30 de mayo.
Viernes y sábado 20.00 hrs.
Teatro La Memoria (Bellavista 0503, Providencia).
Valores: $10.000 general y $5.000 estudiantes, adulto mayor, personas con discapacidad y socios Red Salas de Teatro.
Disney, magna studios y Sony Music Vision anunciaron una película documental sobre la legendaria banda británica Oasis. Presentada por Disney+, la película se estrenará en cines a partir de septiembre, antes de estar disponible exclusivamente en Disney+ a finales de este año.
El documental sobre Oasis, aún sin título, ha sido creado por el guionista, productor y director Steven Knight (Peaky Blinders, Mil golpes), nominado a los premios BAFTA y a los Oscar®, y dirigido por Dylan Southern y Will Lovelace (LCD Soundsystem: Cállate y toca los éxitos, Nos vemos en el baño).
Este largometraje documental narra la triunfal gira de reunión de Liam y Noel Gallagher, Oasis Live ’25, uno de los regresos al rock ‘n’ roll más esperados de nuestro tiempo. La película es un relato inspirador de lo que podría considerarse el mayor evento musical de 2025, que captura la experiencia y las emociones de la banda y sus fans en todo el mundo. Esta perspectiva única incluye acceso a los ensayos, al backstage y al escenario, así como las primeras entrevistas conjuntas de Noel y Liam en más de 25 años. Además de la gira mundial con entradas agotadas de la banda, la película también explora el profundo impacto emocional de este fenómeno cultural global y lo que su música significa para el público y las generaciones de todo el mundo.
Steven Knight comentó: “Estoy deseando que el mundo vea esta película. Creo que capta el espíritu y la emoción de un momento cultural global y hace justicia al ingenio y al genio de dos personas excepcionales. Quería contar la historia de los hermanos y de la banda, pero, igual de importante, la historia de los fans cuyas vidas la música ha marcado y, a veces, cambiado para siempre. También es la historia de cómo la música y la composición pueden unir a generaciones, culturas y países y, en una época de rencor y división, darnos a todos un motivo para tener esperanza”.
“Oportunidades como esta son increíblemente escasas”, afirmó Eric Schrier, presidente de Direct-to-Consumer International Originals, Strategic Programming y Emerging Media. “La película es una historia íntima sobre la reconciliación, el poder de la música y Oasis, uno de los grupos más exitosos e influyentes de todos los tiempos. Es un privilegio llevar esta extraordinaria película a la gran pantalla y a los suscriptores de Disney+ de todo el mundo”.
Con un acceso sin precedentes y material inédito, la película es una producción de magna studios, presentada por Sony Music Vision en colaboración con Sony Music Entertainment UK. Los productores son Sam Bridger (Lewis Capaldi: Cómo me siento ahora, Nos vemos en el baño) y Guy Heeley (Peaky Blinders: El hombre inmortal). Entre los productores ejecutivos se encuentran Kate Shepherd, Marisa Clifford, Tom Mackay, Krista Wegener, Isabel Davis y Tim O’Shea, con los mezcladores de sonido ganadores de un Oscar® James Mather (Top Gun: Maverick, Belfast) y Tarn Willers (Zona de interés), junto con el director de fotografía Haris Zambarloukos (Belfast, Beetle Juice Beetle Juice) al frente del equipo técnico creativo.
La película, presentada por Disney+, se estrenará en cines en septiembre, y se podrá disfrutar exclusivamente a en la plataforma a finales de este año.
Con una mirada contemporánea, cercana y emotiva, el ciclo “Bolero Falaz” se impone como uno de los panoramas imperdibles para ponerle pasión y ritmo con cinco intérpretes: Claudio Constanzo, Carmen Prieto, Rosario Alfonso, Valentina Lambert y Cristóbal Briceño.
El ciclo -cuyo nombre está inspirado en la canción del grupo Aterciopelados- propone redescubrir el bolero, corriente musical de letras sensibles y llenas de amor, con orígenes en Cuba y México fundamentalmente, y que cultivó con grandes exponentes como Lucho Gatica y Armando Manzanero.
Producida por GAM bajo el alero del Colectivo Abejorros y la producción musical de la periodista Marisol García, esta cita llega para evidenciar que el bolero está más vivo que nunca gracias a una nueva generación de intérpretes.
“Sentimos que el bolero sigue siendo un espacio profundamente vivo dentro de la música latinoamericana. Más allá de la nostalgia, es un género que habla de emociones universales como el amor, la pérdida, el deseo y la memoria, temas que siguen conectando con distintas generaciones”, cuentan desde la agrupación.
La idea es ofrecer una visión fresca del estilo romántico que en 2023 fuera declarado Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO. “Crear un espacio que ponga en valor esa tradición, pero también mostrar cómo el bolero puede dialogar con artistas y sensibilidades contemporáneas, incluso desde escenas musicales que no necesariamente provienen del género”, explica el Colectivo Abejorros.
El ciclo abrirá el 17 de mayo con Claudio Constanzo, reconocido cantor, arpista, guitarrista, investigador y difusor de la música tradicional chilena. Junto a una banda en vivo de lujo —con piano, contrabajo y percusiones— el artista hará un homenaje vibrante al legado de figuras como Vicente Bianchi y Clarita Solovera.
El 24 de mayo se dará un encuentro inédito y poderoso con la unión de tres grandes mujeres: Carmen Prieto, Rosario Alfonso y Valentina Lambert. Las cantantes entrelazarán por primera vez sus voces femeninas para recorrer un repertorio latinoamericano esencial. Respaldadas por músicos de amplia experiencia, el trío cierra el ciclo celebrando la diversidad del género en una atmósfera que invita a la contemplación y al disfrute.
El broche de oro será el 11 de julio con la esperada presentación de Cristóbal Briceño (ex Ases Falsos). El cantautor deja de lado su faceta más eléctrica para confirmar el valor de la canción popular. En una presentación íntima, Briceño se dará licencia para revisitar el género bajo su sello personal, adaptando su repertorio propio y sorprendiendo con nuevas lecturas del estilo romántico. El artista promete emocionar a sus seguidores más fieles y a los nuevos oyentes por igual.
“La selección de artistas se hizo pensando en reunir distintas generaciones, trayectorias y aproximaciones al bolero, desde artistas con una larga historia dentro del género hasta músicos y músicas que vienen desde otros espacios sonoros, pero que logran apropiarse del bolero desde una sensibilidad muy personal”, dice el Colectivo Abejorros.
“Bolero Falaz” llega como una invitación a vivir la música en un ambiente cercano, al atardecer, reafirmando la vitalidad de un género que sigue dialogando con nuevas generaciones de artistas y públicos.
En un momento donde las artes escénicas continúan consolidando su conexión con el público, Teatro San Ginés vive una de las etapas más activas de su cartelera, con una programación que reúne teatro contemporáneo, comedia y montajes de alta convocatoria. En ese contexto, la Semana del Teatro surge como una instancia para relevar el valor de los espacios culturales y el rol que cumplen las historias en vivo como punto de encuentro entre distintas generaciones y audiencias.
Teatro San Ginés anunció una promoción especial para La Sociedad de los Poetas Muertos y Reunión de Apoderados, dos de los montajes más exitosos de su actual cartelera, ambas en sus últimas funciones. En el caso de La Sociedad de los Poetas Muertos, la obra ya ha convocado a más de 25.000 espectadores. Como parte de esta iniciativa, ambas producciones contarán con entradas a $6.000 más cargo por servicio para las funciones programadas entre el 14 y el 16 de mayo.
La promoción estará disponible únicamente para compras realizadas este lunes 11 y martes 12 de mayo a través de Ticketmaster y contará con cupos limitados por función.
A través de esta iniciativa, el espacio busca sumarse a la celebración nacional del teatro poniendo en valor la experiencia escénica como un lugar de encuentro, emoción y reflexión colectiva para compartir en familia o con amigos.
La Sociedad de los Poetas Muertos — Funciones jueves 14, viernes 15 y sábado 16 de mayo a las 20:00 horas.
Reunión de Apoderados - Sábado 16 de mayo a las 22:00 hrs
Investigadores de Chile, Argentina y España debatirán en Santiago sobre pornografía, censura y nuevos imaginarios sexuales. Con actividades gratuitas para mayores de 18 años en la USACH y el Centro Cultural de España, especialistas en teoría de la imagen, género y cultura digital analizarán cómo la pornografía influye hoy en la construcción de imaginarios, normas y representaciones sobre la sexualidad contemporánea.
La pornografía dejó hace tiempo de ser un fenómeno marginal. Su presencia masiva en internet, redes y plataformas digitales la ha convertido en un campo central para discutir cultura visual, regulación, sexualidad y políticas de representación. Bajo esa premisa se desarrollarán en Santiago las Jornadas de Reflexión en torno a Pornografía y Estudios de la Imagen, encuentro que reunirá a investigadores de Chile, Argentina y España en dos actividades abiertas al público mayor de 18 años.
El ciclo comenzará el jueves 14 de mayo, entre 11 y 13 horas, en el Zócalo de la Escuela de Psicología de la USACH, con la conferencia En las ruinas del porno: regulación y tensiones contemporáneas en Chile y Argentina, a cargo del investigador Nicola Ríos y la académica argentina Laura Milano, con moderación de la investigadora Valeria Radrigán.
La actividad propone revisar las actuales políticas de regulación de la pornografía desde una perspectiva situada en el sur global, poniendo énfasis en los sistemas de calificación cinematográfica de Chile y Argentina. A partir de ello, los expositores abordarán el concepto de “ruinas regulatorias”, entendido como la persistencia de mecanismos heredados de contextos históricos represivos que siguen condicionando debates sobre censura, libertad de expresión y protección de audiencias.
“Las imágenes explícitas son hoy masivas y predominantes en los nuevos medios, pero seguimos enfrentando dificultades para hablar críticamente de ellas. Existe una contradicción importante entre el rol que tienen en la construcción de imaginarios sexuales y las estructuras morales que continúan operando sobre su circulación”, explica la doctora Valeria Radrigán, investigadora responsable de las jornadas.
El segundo encuentro se realizará el viernes 15 de mayo, entre 18.30 y 20 horas, en el Teatro del Centro Cultural de España, bajo el título Pensar el porno: monstruosidad y neomitologías. El conversatorio reunirá nuevamente a Radrigán y Nicola Ríos junto a Laura Milano y Silvan Troncoso, quienes discutirán las formas en que la pornografía participa en la construcción contemporánea de la mirada y la sexualidad.
La conversación se articulará en torno a dos ejes: la aparición de nuevas “verdades” sobre el sexo —definidas como neomitologías— y las representaciones de corporalidades que escapan a los procesos de normalización, entendidas como “monstruosidades”. Desde ahí, el encuentro busca abrir una reflexión sobre cómo la cultura digital modela hoy los imaginarios sexuales.
“Uno de los hallazgos más relevantes ha sido observar cómo se construyen ciertos mitos no sólo sobre la sexualidad, sino también sobre la propia pornografía como género. Existe la idea de que el porno tiende a estandarizar cuerpos y prácticas, pero al mismo tiempo vemos un fuerte interés por aquello que se aleja de la norma y que socialmente suele definirse como transgresor o monstruoso”, añade Radrigán.
Las jornadas forman parte de instancias de cooperación internacional vinculadas a proyectos de investigación financiados por ANID-Fondecyt y Fondart, y contarán con la participación de especialistas en estudios de género, sexualidad y cultura visual.
Nicola Ríos es investigador y curador de cine independiente especializado en educación sexual y políticas culturales. Laura Milano, doctora en Ciencias Sociales por la Universidad de Buenos Aires, es una de las principales investigadoras latinoamericanas en estudios sobre pospornografía, feminismos y sexualidades. Por su parte, Valeria Radrigán dirige actualmente el proyecto de investigación Pornociencia, centrado en las relaciones entre pornografía, medicina y dispositivos de visibilidad en la cultura contemporánea. Silvan Troncoso es activista y asistente de investigación de este último proyecto. Las actividades incluirán además un espacio de conversación con el público, vino de honor y entrega de material editorial.
www.tecnosexualidades.cl
Instagram: @tecnosexualidades
COORDENADAS
En las ruinas del porno: regulación y tensiones contemporáneas en Chile y Argentina
Exponen: Nicola Ríos (ES/CL) y Laura Milano (ARG) Modera: Valeria Radrigán (CL)
Jueves 14 de mayo, 11 a 13 h Entrada gratuita, por orden de llegada, para mayores de 18 años
Zócalo Escuela de Psicología USACH Av. Víctor Jara 3650, Estación Central
Pensar el porno: monstruosidad y neomitologías
Participan: Valeria Radrigán, Silvan Troncoso, Laura Milano y Nicola Ríos
Viernes 15 de mayo, 18.30 a 20 h Entrada gratuita, por orden de llegada, para mayores de 18 años
Teatro Centro Cultural de España Av. Providencia 927, Providencia
Dirigida por Aranzazú Yankovic y protagonizada por Blanca Lewin y César Caillet, la emblemática novela de Robert James Waller llega por primera vez a la escena nacional en una versión que cruza lenguajes y sensibilidades.
Desde el 7 de mayo al 28 de junio, Mori Parque Arauco estrena “Los puentes de Madison”, con funciones de jueves a sábado a las 20:00 horas. El montaje, parte de la programación 2026 bajo el lema “Puentes que transforman”, propone un cruce entre cine y teatro para revisitar una de las historias de amor más conmovedoras de la cultura contemporánea.
Convertida en un fenómeno literario en los años noventa y llevada al cine en una recordada adaptación protagonizada por Meryl Streep y Clint Eastwood, “Los puentes de Madison” llega por primera vez al teatro chileno de la mano de MST Teatro. Basada en la novela homónima de Robert James Waller y adaptada por Fernando Masllorens y Federico González del Pino, la obra instala en escena una historia atravesada por el deseo, la memoria y las decisiones que marcan una vida.
La trama sigue el encuentro entre Francesca Johnson, una mujer que lleva una vida aparentemente resuelta en una granja de Iowa (Estados Unidos), y Robert Kincaid, fotógrafo de National Geographic que llega al condado de Madison para retratar sus icónicos puentes cubiertos. En el transcurso de cuatro días, ambos viven un romance que desestabiliza certezas y abre una pregunta profunda sobre el amor, la renuncia y el sentido de la libertad.
La dirección de Aranzazú Yankovic propone una puesta en escena íntima y despojada, centrada en la densidad emocional de los personajes y en la tensión entre lo que se elige vivir y aquello que se decide dejar atrás. “Esta obra es una meditación sobre lo que elegimos guardar y lo que elegimos soltar. Queremos que el público se permita sentir sin pudor, que se reconozca en esa encrucijada universal que es el amor y el deber”, señala la directora.
El montaje es protagonizado por Blanca Lewin, quien interpreta a Francesca, y César Caillet en el rol de Robert Kincaid, acompañados por Yosune González y Felipe Valenzuela. Sobre su personaje, Lewin comenta: “Francesca es una mujer que carga en silencio una vida entera. Encontrarme con ella fue encontrarme con preguntas que todas y todos tenemos, pero pocas veces nos atrevemos a pronunciar en voz alta”.
En el marco de la programación 2026 de Teatro Mori, este estreno se posiciona como uno de sus principales hitos, al proponer un cruce entre lenguajes que trae de vuelta al público una historia profundamente arraigada en la memoria colectiva.
Para más información y venta de entradas, el público puede visitar teatromori.com, donde también se encuentran disponibles descuentos para afiliados a Caja Los Andes, clientes de Banco Itaú, socios de Claro Club y beneficiarios de LT Beneficios.
LOS PUENTES DE MADISON
Fecha: Del 7 de mayo al 27 de junio
Horario: De jueves a sábado, a las 20.00 hrs
Lugar: Mori Parque Arauco (Av. Presidente Kennedy 5413, Las Condes)
Duración: 90 minutos
Edad recomendada: +13 años
Ficha artística: Basada en la novela de: Robert James Waller | Adaptación al teatro: Fernando Masllorens y Federico González del Pino | Dirección: Aranzazú Yankovic | Elenco: Blanca Lewin, César Caillet, Yosune González y Felipe Valenzuela | Compañía: MST Teatro | Técnica: Gabriel Pozo | Comunicaciones: Voorus.
El cineasta japonés Genki Kawamura, reconocido por producir éxitos como Your Name y Belle, debuta en la cartelera nacional con su más reciente obra como director: Exit 8. Este thriller de suspenso psicológico se estrena en los cines de Chile este jueves 7 de mayo.
Basada en el videojuego de culto que paralizó internet, la película trasciende la premisa original para ofrecer una profunda exploración sobre la psique humana y las responsabilidades de la vida adulta.
Protagonizada por la estrella japonesa Kazunari Ninomiya, la cinta lleva el concepto de los "espacios liminales" a un nuevo nivel narrativo, convirtiendo un pasillo de metro infinito en una metáfora del crecimiento personal.
A continuación, se presentan las 8 claves que definen esta adaptación:
1. La Paternidad como Motor Narrativo A diferencia del videojuego original, que carecía de trama, la película introduce una carga emocional crítica. El protagonista descubre que su exnovia está embarazada justo antes de quedar atrapado. El bucle se convierte en una manifestación física de su miedo a la responsabilidad. 2. Respeto a la "Regla de Oro" Kawamura mantiene la mecánica esencial del juego: si hay una anomalía, hay que dar la vuelta; si no, hay que avanzar. Ignorar un solo detalle devuelve al protagonista al "Nivel 0", generando una tensión constante basada en la observación. 3. El Terror de los Espacios Liminales La película explora la inquietud de los lugares de tránsito vacíos. El diseño visual transforma pasillos de metro familiares en entornos amenazadores, donde la normalidad se siente extraña y peligrosa. 4. El Simbolismo del "Hombre que Camina" El icónico personaje no jugable (NPC) del juego adquiere un rol central. Representa el destino de aquellos que huyen de sus responsabilidades, quedando atrapados para siempre en una rutina sin salida. 5. Suspenso Atmosférico vs. Jump Scares Evitando los sustos fáciles, la cinta apuesta por el thriller psicológico. La paranoia se traslada al espectador, quien termina analizando cada cartel y azulejo de la pantalla junto al protagonista para detectar cambios. 6. El Bucle como Purgatorio Moderno La narrativa eleva el pasillo a un plano metafísico. No es solo un reto de supervivencia, sino un examen psicológico donde el personaje debe confrontar su pasado y sus culpas para poder escapar. 7. La Visión de Genki Kawamura El director aporta su experiencia en éxitos emocionales para dotar de humanidad a una premisa minimalista. Este enfoque de cine de autor ha llevado a la película a destacar en circuitos internacionales como el Festival de Cannes. 8. Una Experiencia Inmersiva La película alinea las habilidades de observación del público con las del personaje. Al sentir la frustración y el cansancio del bucle, la frontera entre el cine y el lenguaje del videojuego se difumina por completo.
Con banda sonora de Yasutaka Nakata (creador de Perfume y Kyary Pamyu Pamyu) y Shohei Amimori, "Exit 8" es una experiencia sensorial completa. Kawamura no solo adapta un juego: convierte la ansiedad de la generación moderna —la incertidumbre, la procrastinación, el miedo al compromiso— en arte.
