[Música] Bitman y Roban en GAM: Los ladrones de la electrónica contratacan con fiesta de larga duración

GAM presenta una jornada de música, cultura DJ y encuentro con Bitman & Roban en formato banda, a 20 años del disco “Música para después de almuerzo” (2006) y con el lanzamiento de su esperada reedición en vinilo.

La agrupación, que marcó un hito en la electrónica y el hip hop de los años 2000, se presentará junto a artistas invitados, espacios gastronómicos, barras, merchandising y vinilos, con una programación que se extenderá por nueve horas contínuas en la explanada alta de GAM.

La inédita actividad marcará el reencuentro de los integrantes de la formación original del disco: José Antonio Bravo (DJ Bitman), Cristián Powditch (Roban), Roberto “Titae” Lindl y Adolfo “Kataix” Araus.

Este trabajo musical -tras Hurtos y Robar es natural- fue uno de los más emblemáticos de la trayectoria del grupo y una obra que marcó una unión entre la electrónica, el hip hop, el funk, el jazz y la música popular chilena.

Esta configuración fue precisamente la que permitió que el dúo se transformara en una propuesta musical donde convivían programación, samplers, tornamesas, sintetizadores, piano, bajo y contrabajo. 

El álbum incorporó colaboraciones con destacados nombres de la escena chilena, entre ellos Ana Tijoux, Solo Di Medina, Juan Chills, con canciones como “Tatita”, “Get on the Floor”, “Animal”, “Answer 2 the Beat” y “Esa Música” que ayudaron a consolidar la nueva etapa del grupo y a ser editado en Estados Unidos por Nacional Records.

Vestidos con su clásico pasamontañas, lo que los lleva a identificarse como “ladrones”, el dúo siempre inyectó frescura y nuevos ritmos a la escena local: “Yo creo que Bitman y Roban siempre tuvo pocas pretensiones comerciales o industriales. Era crear, era hacer arte. Eso también por un lado nos da una libertad enorme. Siempre hicimos lo que nos dio la gana y de la misma manera se abrieron espacios para cada uno en la música, en la arquitectura, en diseño”, comentaron en una entrevista.

Este esperado reencuentro es parte del programa Interferencias GAM, un proyecto coordinado por la periodista Marisol García, donde músicos chilenos intervienen rincones del centro cultural, con libertad para diseñar y articular propuestas creativas. Así, la música y la experimentación sonora se apodera de espacios no convencionales. 


7 Nov
Sá— 12 a 21 h

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[Teatro] Estreno teatral en GAM: Solange Lackington encarna a un García Lorca Contemporáneo

Cuando Federico García Lorca escribió en 1935 Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores, trazó la conmovedora parábola de una mujer atrapada en la promesa de su amor que parte lejos en busca de una oportunidad laboral, con la esperanza de retornar. Ella lo espera toda su vida, pero él nunca vuelve.

“Doña Rosita [anotada]” es una relectura íntima de este clásico convertida por el dramaturgo español Pablo Remón en una "tragedia minúscula" trasladada al siglo XXI. La obra explora de manera magistral el paso del tiempo, la melancolía de la espera, el amor, la ausencia y el peso de las decisiones no tomadas, equilibrando la desolación lorquiana con destellos del humor de la vida cotidiana.

El director Francisco Albornoz vuelve a GAM (“La gaviota”, “Chilean electric”) con esta comedia dramática de tintes chejovianos donde el tiempo es el verdadero antagonista. Esta versión de Rosita es “anotada”, es decir, llenas de notas al pie, de comentarios al margen.

En palabras de Albornoz, “anotar una obra es admitir que el texto original ya no pertenece a nadie del todo, que el tiempo ha pasado y que necesitamos subrayar los márgenes de las páginas de nuestras propias vidas para no perdernos en la niebla de lo que fue, o de lo que todavía esperamos que llegue a ser”.

Solange Lackington encarna a Rosita en toda la profundidad de su lealtad, su esperanza y su dignidad en el amor y el dolor. La acompaña un elenco joven -compuesto por Benjamín Salinas, Konstanza Villalobos y Colomba Chamorro- que guía al público en el descubrimiento de sus secretos y su intimidad, rompiendo la cuarta pared para entrelazar la trama poética de Lorca con sus propias biografías y las anotaciones del mismo proceso teatral.

Para Solange Lackington, "la gracia que tiene esta adaptación es que la obra está deconstruida y llevada a una época actual. Creo que es fácil conectar con Rosita, porque hoy hay muchas Rositas: mujeres que esperan encontrar a ese amor y que ese amor decida estar con ellas. Y con el paso de los años, uno se lo toma con más sentido del humor esta espera de una mujer enamorada. Sin hacer spolier, la obra propone al final dejar de llamarla Rosita y decirle Rosa. Eso nos identifica, poder ver a las mujeres como personas adultas que evolucionamos y no quedamos pegadas y que se nos llame por el nombre sin diminutivos".

Entre el humor absurdo, canciones que resuenan en la penumbra y momentos de íntima desolación, el montaje logra actualizar el clásico sin descuidar su belleza lírica.

“La puesta en escena busca el rastro de las mujeres de nuestra infancia, esas que, como Rosita, decidieron que el orgullo era la única forma de elegancia frente al dolor. Quizás solo en el teatro, anotar en el margen de una espera sea una forma de darle sentido a ese futuro que se demora en llegar”, comenta el director. 

La obra se estrena en Chile en el contexto de los 90 años del asesinato de García Lorca. “Este marco nos pone en el contexto de la memoria como el campo -o quizás el jardín- en el que crecen las flores de Rosita. Y el arte de Lorca nos ayuda a recorrer ese territorio desde las relaciones familiares, humanas, íntimas, que también nos ayudan a repensar nuestro presente y soñar un futuro”, concluye Albornoz.

30 Oct al 15 Nov
Ju a Sá— 20 h. Do— 19 h
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[Teatro] "Los días felices" en GAM: María Izquierdo le sonrìe a la adversidad enterrada hasta la cintura

¿Qué harías si estuvieras enterrado hasta la cintura y tu única posibilidad fuera seguir hablando? Winnie lo sabe: maquillarse, revisar su bolso, cepillarse los dientes, recordar viejas historias y repetir, una y otra vez, que hoy es un día feliz. Así comienza el inquietante y cómico universo de “Los días felices”.

La pieza, una de las obras fundamentales del dramaturgo irlandés y Premio Nobel de Literatura Samuel Beckett, llega a la escena a 65 años de su estreno bajo la dirección de Álvaro Viguera y con María Izquierdo en el rol protagónico y la actuación de Rodrigo Lisboa.

Con el humor y la precisión teatral que caracterizan a Beckett, considerado uno de los precursores del Teatro del Absurdo y recordado por “Esperando a Godot”, el texto es casi un monólogo encarnado por una mujer de mediana edad atrapada en un paisaje desértico y bajo un calor implacable. En el primer acto, está enterrada hasta la cintura; en el segundo, la tierra alcanza su cuello. Su cuerpo prácticamente no puede moverse, pero su voz no se detiene.

Mientras todo se desmorona y su marido (Lisboa) apenas le responde, ella (Izquierdo) continúa hablando sin parar y construyendo pequeñas rutinas que la ayudan en su lucha por dar sentido a su existencia. La situación es terrible, pero Beckett la aborda con ironía, comicidad y hasta ternura.

"La obra resuena hoy porque anticipó algo muy actual: la erosión del lenguaje. Aunque hablemos continuamente, pareciera que hoy en día estamos perdiendo la capacidad de nombrar y transformar la realidad con nuestro lenguaje", explica Álvaro Viguera, director de esta producción entre GAM y La Santa.

Winnie, una de las pocas heroínas mujeres presentes en las piezas de Beckett, es “una mujer muy tierna, optimista y apegada a lo que se supone que es lo correcto. A su vez, tiene un gran sentido del humor y dada la situación de extrema vulnerabilidad en que se encuentra, entra en espacios de lucidez profundamente existenciales”, cuenta María Izquierdo, quien en escena enfrenta el desafío de estar inmovilizada, usando solo su voz. 

Para la actriz, en esta creación “Beckett  ofrece un punto de vista en donde el absurdo y el humor negro nos permiten mirar de frente el sufrimiento humano. Sus personajes están expuestos a una supervivencia austera  en espacios estáticos y se las arreglan para sostenerse con repeticiones que parecen banales, sin embargo al ser el único recurso disponible, adquieren un valor existencial espeluznante”.

El trabajo de diseño de los arquitectos Sebastián Irarrázaval en la escenografía y Antonia Peón Veiga en la iluminación, y el de la diseñadora Loreto Monsalve en vestuario, convierten a la puesta en escena en otro de los grandes protagonistas de este montaje.

“Esta versión desplaza la dureza de la tierra por una blandura que abraza, intentando invertir el sentido de la prisión, no siempre estamos enterrados bajo lo que odiamos, a veces bajo lo que amamos y no hemos podido soltar. Es un refugio que asfixia con ternura, mientras mayor es la comodidad, más total es la inmovilidad”, adelanta Viguera. 

“Los días felices” transforma la espera, la rutina y el absurdo en una conmovedora metáfora de la resistencia humana frente al paso del tiempo, la soledad y la muerte.

23 Oct al 8 Nov
Ju a Sá— 19.30 h. Do— 18.30 h

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[Teatro] TRYO Teatro Banda revive la historia de Chile con retrospectiva en TNCH

La premiada compañía, con 26 años de trayectoria y más de 3.600 funciones dentro y fuera del país, regresa a los escenarios con tres de sus más aplaudidos espectáculos, desde el 4 al 21 de noviembre en el Teatro Nacional Chileno. A través de su singular sello de teatro musical, Pedro de Valdivia: la gesta inconclusa; La Araucana y Carrera revisitan episodios decisivos de la historia nacional desde el humor, la música en vivo y la juglaría contemporánea, poniendo en discusión los relatos oficiales sobre héroes, conquistadores y pueblos originarios.

©Rodrigo Vega

¿Qué tienen en común Pedro de Valdivia, Alonso de Ercilla y José Miguel Carrera? Además de protagonizar capítulos fundamentales de la historia de Chile, sus vidas estuvieron marcadas por guerras, amores, disputas de poder, ambiciones y contradicciones que rara vez aparecen en los relatos oficiales. Esas historias regresan a escena de la mano de Tryo Teatro Banda, que reunirá tres de sus montajes más reconocidos en una retrospectiva en el Teatro Nacional Chileno.

La programación contempla Pedro de Valdivia: la gesta inconclusa, premiada por el Círculo de Críticos de Arte y la Asociación de Periodistas del Espectáculo de Chile; La Araucana, que se presentó en el Barbican de Londres y que celebra 15 años desde su creación con una versión renovada; y Carrera, reciente montaje premiado por su dirección. Tres propuestas que recorren desde la llegada de los conquistadores españoles y la resistencia nativa hasta las luchas por la Independencia, combinando investigación documental, actuación, música original en vivo y una mirada crítica sobre la construcción de la identidad nacional.

Fundada en 2000 por Francisco Sánchez y Carolina González, Tryo Teatro Banda ha desarrollado un lenguaje propio inspirado en los antiguos juglares, artistas itinerantes de tradición milenaria que recorrían pueblos narrando historias mediante canciones, música instrumental y performances teatrales. Con más de 25 espectáculos creados, presentaciones en todo Chile y más de 12 países, y un reconocimiento a su trayectoria otorgado por la Academia Chilena de Bellas Artes, la agrupación se ha consolidado como uno de los referentes del teatro musical chileno.

Lejos de reproducir las versiones tradicionales de los acontecimientos históricos, su repertorio explora las dimensiones humanas, políticas y contradictorias de sus protagonistas. Así, la Conquista deja de ser una sucesión de hazañas militares para convertirse en un relato sobre la ambición y la resistencia indígena, mientras que la Independencia aparece atravesada por rivalidades, destierros y conflictos entre quienes disputaban el futuro de la naciente República. Todo bajo la mirada crítica y cómica del juglar, que cuenta los hechos como si fueran hoy.

©Rodrigo Vega

Tres miradas sobre la historia de Chile

Pedro de Valdivia: la gesta inconclusa (4 al 7 noviembre) reconstruye los primeros años de la ocupación española de Chile, desde la llegada del conquistador hasta su muerte en 1553. A partir de las cartas que el propio Valdivia escribió al emperador Carlos V, tres actores-músicos relatan las dificultades de su expedición, sus campañas militares y la resistencia mapuche que terminó frustrando sus aspiraciones de dominio.

Dirigida por Sebastián Vila, con investigación y dramaturgia de Francisco Sánchez, la puesta reúne a Sánchez, Alfredo Becerra y Diego Chamorro, quienes utilizan más de veinte instrumentos musicales para construir una narración que combina humor, tensión dramática y una lectura crítica del poder colonial. Estrenada en 2009, la pieza recibió el Premio del Círculo de Críticos de Arte de Chile a Mejor Obra Nacional y el reconocimiento de la Asociación de Periodistas del Espectáculo.

Desde entonces ha recorrido escenarios de España, Argentina, Estados Unidos, Bolivia, Brasil, Inglaterra y Uruguay, entre otros países. Su particular propuesta también ha sido destacada por la crítica internacional. El medio estadounidense El Nuevo Herald/Artefactus la describió como “Un ingenioso híbrido de documento histórico y humorismo”, mientras que el crítico Juan Andrés Piña, de La Tercera, reconoció en el lenguaje de la compañía “Una poética inconfundible”.

La segunda propuesta, La Araucana (11 al 14 noviembre), cuenta cómo escribió su célebre poema épico Alonso de Ercilla y Zúñiga, soldado español que llegó a Chile durante la Guerra de Arauco y terminó profundamente impresionado por la valentía y la defensa de la libertad del pueblo mapuche. El espectáculo sigue las aventuras del poeta, desde su juventud en la corte española hasta su participación en la guerra de Arauco, pasando por un supuesto y sabroso lío de faldas que lo enfrentó al gobernador de Chile de entonces, y terminando una condena a muerte que finalmente fue conmutada por el destierro. A través de sus versos, la compañía reconstruye episodios protagonizados por figuras como Caupolicán, Galvarino, Tegualda, Fresia y Fitón revelando las tensiones entre los ideales humanistas de Ercilla y la violencia de la Conquista. 

La versión renovada incorpora un quinto intérprete, más versos del poema original y una estética inspirada en la pintura de Diego Velázquez. Su propuesta musical combina composiciones del Renacimiento español con instrumentos propios del pueblo mapuche y música latinoamericana, ejecutados en vivo por los actores. Desde su estreno, el montaje ha circulado por distintos escenarios internacionales, incluido el prestigioso Barbican Centre de Londres, además de festivales en España, Argentina y Bolivia.

El recorrido culmina con Carrera (18 al 21 noviembre), espectáculo que revisita la vida de José Miguel Carrera, una de las figuras más influyentes y controvertidas del proceso independentista chileno. Protagonizada y dirigida por Sebastián Vila y Francisco Sánchez, la pieza reconstruye los episodios que marcaron su trayectoria política y militar: su ascenso al poder a los 26 años, las disputas con otros líderes patriotas, su adorada esposa Mercedes y sus hijas, sus campañas, exilios y el fusilamiento que puso fin a su vida en Mendoza. La propuesta se caracteriza por un vertiginoso juego de interpretaciones. Mientras Vila encarna a Carrera, Sánchez asume los 13 distintos personajes que se cruzan en su camino, acompañado por la música en vivo de la cellista Anaís Prieto.

Con humor, ironía y una puesta de gran dinamismo, el espectáculo aborda las contradicciones de un protagonista que participó decisivamente en la construcción de la República, pero cuya figura sigue despertando controversias en la historiografía nacional. La producción fue distinguida por el Círculo de Críticos de Arte de Chile por su dirección y ha desarrollado temporadas en Teatro Finis Terrae y CEINA, además de presentaciones en Argentina.

Una compañía que convirtió la historia en teatro musical

La retrospectiva permite apreciar la evolución de un lenguaje escénico que Tryo Teatro Banda ha cultivado durante más de un cuarto de siglo, articulando juglaría, actuación, investigación histórica y música en vivo como herramientas para acercar el patrimonio cultural a públicos diversos. Su trabajo ha llevado el teatro tanto a grandes escenarios internacionales como a escuelas rurales y localidades alejadas de los circuitos tradicionales, defendiendo una concepción popular e itinerante de las artes escénicas.

En esa trayectoria, el humor y la música cumplen un papel fundamental. Más que ilustrar acontecimientos conocidos, sus espectáculos buscan desmontar solemnidades, mostrar las contradicciones de los personajes históricos y abrir preguntas sobre la memoria, el poder y las relaciones entre los distintos pueblos que conforman Chile.

https://tnch.uchile.cl/

COORDENADAS RETROSPECTIVA TRYO TEATRO BANDA
4 al 21 noviembre
miércoles a sábado, 19.30 h
Teatro Nacional Chileno, Sala Antonio Varas, Morandé 25, Santiago. Metro Universidad de Chile.

Valores: $10.000 general; $5.000 estudiantes y personas mayores; $3.500 estudiantes y funcionarios de la Universidad de Chile con TUI; $4.000 personas con discapacidad con credencial.
https://ticketplus.cl/events/retrospectiva-tryo-teatro-banda

[Teatro] Dos reposiciones teatrales llegan a Teatro ICTUS para dar inicio a la cartelera de noviembre: “Caballo”, de Emilia Noguera y “Hombres Daga” de Teatro La Liebre

Dos reposiciones imperdibles que tuvieron temporadas a tablero vuelto en sus estrenos, retornan a la Sala la Comedia de Teatro ICTUS el mes de noviembre para continuar con la destacada cartelera que representa al teatro.

“Caballo”, la última producción de la compañía ICTUS, bajo la dramaturgia y dirección de Emilia Noguera, retorna luego de dos temporadas agotadas, esta vez con un elenco renovado. Protagonizado por Maricarmen Arrigorriaga, junto a Roberto Poblete, Paula Sharim, Nicolás Zárate, Moisés Angulo y Camila Oliva, la obra sigue la historia de una mujer mayor, profundamente confundida, que está montada en el caballo de Plaza Baquedano, agitando banderas de lucha que ni ella misma comprende completamente. La mujer, encarna la psique de una patria atrapada entre todos los eventos históricos y políticos de los últimos setenta años.

Con un ritmo ágil, cómico y delirante, Caballo es una obra que captura el dolor, el absurdo y la desmemoria de un país que aún busca su propio relato. 

La obra es la segunda producción de la compañía, luego de las exitosas reposiciones de obras históricas, como ´Primavera con una esquina rota y Pedro, Juan y Diego. 

Por otro lado y por primera vez en ICTUS, llega una de las últimas y premiadas producciones de la compañía joven, Teatro La Liebre, con “Hombres Daga, la noche en que la muerte reflexionó sobre La Cordillera de los Andes”, estrenada en el Festival Internacional Teatro a Mil.

Fundada en 2023, Teatro La Liebre es una compañía chilena que explora las zonas más inquietantes de nuestra realidad, a través de una escena intensa, visual y provocadora. Sus montajes cruzan teatro, cine y memoria para abordar la violencia, los cuerpos y las tensiones de nuestra historia reciente. Con una identidad joven y una mirada profundamente contemporánea, La Liebre invita a observar aquello que suele permanecer oculto.

Hombres Daga es protagonizada por el reconocido y premiado actor nacional de teatro y cine, Luis Dubó, (La misteriosa mirada del flamenco, Machuca, La nana, Neruda, Lobo, Pacto de fuga, Ecos del desierto) y lo acompañan en escena, Viviana Nass, Felipe Valenzuela, Camilo Yanko, Nicolás Bascuñán, Ángela Urrutia y Katalina Urrutia, bajo la dramaturgia de Matias Gonzalez y co dirigida por él mismo y Angela Urrutia. 

La obra sigue la historia de un sicario veterano, quien en las profundidades de la Cordillera de los Andes, inicia a un joven en los secretos y crueldades de su oficio. Hombres Daga es el segundo montaje de Teatro La Liebre y fusiona el lenguaje cinematográfico con la potencia de la escena para construir un thriller inquietante sobre el sicariato, los cuerpos olvidados y las sombras del pasado político de nuestro país.

Dos reposiciones imperdibles que destacan en sus elencos y producciones que mantienen la curatoría de Teatro ICTUS, obras que hacen un llamado a reflexionar sobre la construcción e identidad del país en que habitamos.

Fichas artística 

Dramaturgia y dirección: Emilia Noguera | Asistencia de dirección: Camila Oliva | Elenco: Maricarmen Arrigorriaga, Roberto Poblete, Paula Sharim, Moisés Angulo, Nicolás Zárate, Camila Oliva | Diseño Integral: César Toro | Realización de escenografía: José Miguel Carrera | Realización de vestuario: Javiera Labbé | Música y diseño sonoro: Andrés Abarzúa & Felipe Bribbo | Producción: Catalina Tapia | Comunicaciones: Sofía Oksenberg | Community Management y Content Manager: Eduardo Fuenzalida | Diseño gráfico: César Toro | Fotografías: Nathaly Arancibia | Adaptación sonora y técnica: Lenin Silva | Técnico iluminación: Matias Gonzalez | Diseño redes sociales: Valentina Madrid |  Tramoya: Nelson Vargas | Duración: 60 minutos | Edad: +14

Coordenadas

“Caballo”

📆6 al 28 de noviembre / viernes y sábados

❌21 y 27 de noviembre, no hay funciones

⏰20:00 hrs

📍Teatro ICTUS, Merced 349, Barrio Lastarria

🎟️Entradas a la venta a través de Ticketplus

💸Precios: viernes $12.000 general / sábados: $15.000 general

Estudiantes y tercera edad: $7.500

Ficha artística

De Teatro La Liebre | Dramaturgia: Matías Leonardo González Gómez | Dirección: Ángela Urrutia y Matías González | Asistente de dirección: Luciano Besares | Producción: Ángela Urrutia y Valentina Valdebenito | Elenco: Luis Dubó, Viviana Nass, Felipe Valenzuela, Camilo Yanko, Nicolás Bascuñán, Ángela Urrutia, Katalina Urrutia | Diseño Integral: Teatro La Liebre | Universo sonoro: Angel Rubio | Técnico iluminación: Spike | Técnico en sonido: Angel Rubio | Audiovisual y fotografía: Luciano Besares y Katalina Urrutia | Duración: 85 minutos | Edad: +14

Coordenadas

“Hombres Daga”

📆1 al 29 de noviembre / domingos

⏰19:00 hrs

📍Teatro ICTUS, Merced 349, Barrio Lastarria

🎟️Entradas a la venta a través de Ticketplus

💸Precios: $12.000 general / estudiantes y tercera edad: $6.000

[Eventos] ENAI 2026 da un nuevo salto y anuncia el lanzamiento de su quinta edición

El Encuentro Nacional de Artes Inclusivas (ENAI) se prepara para dar a  conocer la programación de su quinta edición, consolidando una trayectoria dedicada a promover la  accesibilidad, la diversidad y la participación en las artes escénicas. El lanzamiento oficial se realizará el  próximo lunes 26 de octubre, a las 10:00 horas, en la Sala Conferencia 1 del Centro Cultural Gabriela  Mistral (GAM), instancia que reunirá a autoridades, artistas, representantes de instituciones culturales,  organizaciones y comunidades vinculadas a la inclusión. 

La edición 2026 marcará un nuevo hito en el desarrollo del encuentro, ampliando su presencia territorial  y fortaleciendo sus redes de colaboración. ENAI este año extenderá su programación a tres ciudades:  Valparaíso y Viña del Mar, del 4 al 6 de diciembre, y Santiago, del 9 al 13 de diciembre, reafirmando su  propósito de acercar las experiencias artísticas inclusivas a nuevos públicos y territorios. 

Cinco ediciones construyendo una escena más inclusiva 

A lo largo de su trayectoria, ENAI ha impulsado espacios de creación, intercambio y reflexión,  promoviendo una mirada de la accesibilidad que trasciende las barreras físicas y comunicacionales para  situarla como parte fundamental de los procesos artísticos y culturales. 

Esta quinta edición representa también un avance en su gestión institucional, mediante la articulación  de alianzas estratégicas con organismos públicos, espacios culturales y organizaciones de la sociedad  civil, contribuyendo a ampliar el alcance y la sostenibilidad del proyecto. 

Para Pablo Abarca Carrazana, director de ENAI, esta nueva etapa refleja tanto el trabajo desarrollado  como los desafíos que se proyectan para los próximos años: 

“Llegar a nuestra quinta edición representa mucho más que la continuidad de un encuentro. Es el  resultado de años de trabajo, de gestión, de construir confianzas y de generar alianzas con  instituciones, artistas y comunidades que comparten la convicción de que la cultura debe ser un  espacio de participación para todas las personas. Hoy ENAI está dando pasos importantes:  ampliamos nuestra presencia territorial, fortalecemos la colaboración institucional y abrimos  nuevas oportunidades de intercambio internacional, siempre con la accesibilidad como un principio  transversal. Nuestra proyección es que ENAI continúe creciendo como una plataforma de  articulación nacional e internacional, capaz de conectar experiencias, generar redes de  colaboración y contribuir al desarrollo de las artes escénicas inclusivas más allá de las fechas del  encuentro. Aspiramos a que este trabajo tenga continuidad, incidencia y una presencia cada vez  más significativa en el ecosistema cultural”.

Descentralización y colaboración institucional 

Uno de los principales avances de ENAI 2026 será su expansión hacia la Región de Valparaíso,  incorporando actividades en Viña del Mar y Valparaíso antes de continuar su desarrollo en Santiago. 

Esta apertura territorial busca fortalecer la circulación artística, propiciar el intercambio de experiencias  entre comunidades y generar nuevas oportunidades de colaboración con instituciones culturales fuera  de la capital. 

En esta edición, ENAI cuenta con el financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el  Patrimonio, Fundación Ser Inclusivo como agente organizador y la colaboración de Centro Cultural  Gabriela Mistral (GAM), Municipalidad de Viña del Mar, Teatro Municipal de Viña del Mar, Parque Cultural  de Valparaíso, Museo de la Memoria y los Derechos Humanos y Matucana 100. 

La articulación de estas instituciones constituye un respaldo significativo para el desarrollo del  encuentro y refleja la importancia de construir redes de cooperación que permitan dar continuidad y  proyección a iniciativas culturales con enfoque inclusivo. 

Más allá del encuentro: una plataforma de articulación cultural 

Junto con su programación artística, ENAI busca fortalecer su papel como un espacio de vinculación  entre creadores, gestores, instituciones y organizaciones que trabajan en torno a la accesibilidad y las  artes escénicas. 

Desde esta perspectiva, su desarrollo apunta a trascender el formato de un encuentro anual para  proyectarse como una plataforma de articulación nacional e internacional, que favorezca la circulación  de conocimientos, el intercambio de experiencias y la construcción de redes de colaboración  sostenibles. 

Esta visión reconoce que la inclusión cultural requiere no solo de iniciativas artísticas, sino también de  procesos de gestión, cooperación institucional y continuidad que permitan ampliar su alcance en el  tiempo. 

Con ello, ENAI aspira a contribuir al fortalecimiento del sector cultural, promoviendo nuevas  conversaciones y oportunidades de trabajo conjunto entre organizaciones y comunidades de Chile y el  extranjero. 

Una mirada internacional y un compromiso con la comunidad sorda 

La quinta edición también fortalecerá su dimensión internacional con la participación de Edyta Kozub,  invitada desde Polonia, incorporando nuevas perspectivas y experiencias que enriquecerán el diálogo  sobre creación artística, accesibilidad y diversidad cultural. 

Asimismo, ENAI 2026 pondrá especial atención en la participación de la comunidad sorda, promoviendo  espacios de encuentro e intercambio que reconozcan la diversidad lingüística y cultural como parte  esencial de la experiencia artística. 

De esta manera, el encuentro continúa avanzando hacia una comprensión de la inclusión no solo como  una condición de acceso, sino también como una oportunidad para transformar las formas de crear,  programar y compartir las artes escénicas.

Lanzamiento oficial de programación 

El próximo 26 de octubre se darán a conocer los contenidos y principales actividades que conformarán la  programación de ENAI 2026, junto con los espacios e instituciones que serán parte de esta quinta  edición. 

La ceremonia se realizará en el Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM) y contará con una instancia de  encuentro entre representantes del sector artístico, cultural e institucional. 

Las personas interesadas en asistir al lanzamiento pueden inscribirse previamente a través del siguiente  formulario: 

https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSd3FJa8W8OWDRIC3vunO-Vg_R0UzcoIcZFKOcyZqPf PvO_WA/viewform 

Coordenadas del lanzamiento 

Lanzamiento de Programación ENAI 2026 

Fecha: Lunes 26 de octubre de 2026. 

Hora: 10:00 horas. 

Lugar: Sala Conferencia 1, Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM), Santiago. 

Inscripción: Mediante formulario en línea. 

Fechas de realización ENAI 2026 

4 al 6 de diciembre: Valparaíso y Viña del Mar. 

9 al 13 de diciembre: Santiago. 

Proyecto Financiado por el Fondo Nacional de Fomento y Desarrollo de las Artes Escénicas  Convocatoria 2026.