[Cine] Daniel Muñoz enfrenta su rol más extremo en “Mil Pedazos” basado en un personaje real

Con una propuesta emocional, contemplativa y cargada de simbolismo, “Mil pedazos” emerge como una de las apuestas más personales y sensibles del cine chileno reciente. Dirigida por Sergio Castro-San Martín, la película tiene elementos de drama, road movie, thriller y relato existencial para construir una experiencia humana sobre la pérdida, la intuición, la salud mental y los vínculos familiares.

La cinta coproducida con España y Argentina se estrenará en cines el próximo 4 de junio. Es distribuida por Market Chile.

“Es una película que tiene que ver con la esencia del ser humano, simple pero poderosa”

“Mil pedazos” sigue a Miguel (Daniel Muñoz), Isabel (Paola Giannini) y su hija Emilia (Emilia Rodríguez), quienes emprenden unas vacaciones familiares junto a su perra Eve. Sin embargo, un accidente en medio del desierto cambia radicalmente sus vidas. Mientras Isabel queda gravemente herida, Miguel inicia junto a su hija una travesía física y emocional marcada por el desconcierto, el dolor y la búsqueda de sentido. Tres meses después, cuando Isabel despierta del coma, comenzará su propio viaje para intentar reconstruir a su familia.

Más que centrarse únicamente en la tragedia, “Mil pedazos” se transforma en una película sobre el amor, la intuición y las distintas maneras en que las personas enfrentan el duelo. Sergio Castro-San Martín construye un relato de silencios, atmósferas y diálogos contenidos con precisión , donde lo importante ocurre fuera de las palabras.

“Sentí que era momento de volver a un relato más personal, fuera de los centros, más regional y con fuerte vinculación con la naturaleza”, cuenta el director. ”Me acordé de aquella historia de un hombre que había abandonado el sistema por una tragedia familiar. Los escaladores y los camioneros lo alimentaron de por vida. Mi padre nos contaba esta historia cada vez que viajamos al norte. Tenía en cuenta que en Chile hay una sola carretera que une norte y sur y fue en este momento en que, incluso ya con la pandemia encima, cobró mucho sentido hacer esta película. Muchas personas empezaron a elegir emigrar a la naturaleza, a la montaña escapando un poco del bloqueo y también la cercanía con la muerte cobró un sentido cercano en muchos que perdimos seres queridos o estuvimos a punto de perderlos”.

El cineasta agrega: “Desde ese momento los textos y libros de Vinciane Despret calaron hondo en mí, en el sentido de ponernos en el lugar de los muertos y qué les pasa a ellos con nosotros. Ahí comenzó la idea de la peregrinación, de la procesión de este hombre e incluso de toda esta familia para poder encontrarse. Los muertos son geógrafos, nos hacen movernos señala la filósofa belga y esto es justamente lo que esta película hace. Nos mueve desde adentro. Desde el dolor al perdón y al amor”.

Inspirada libremente en el “Ermitaño de Las Chilcas”, la película explora personajes desplazados del sistema y enfrentados a una transformación radical luego de una tragedia. El director conecta esa historia con reflexiones sobre el aislamiento contemporáneo, la salud mental y la necesidad de romper con ciertas estructuras impuestas.

“El ermitaño es una imagen anti sistémica, son personajes fronterizos y en este sentido el cine que me gusta y el que quiero contar es justamente ese, el de personajes que están desfasados por diversos motivos”, señala.

Rodada íntegramente en el Valle del Elqui, la cinta convierte al paisaje en un personaje fundamental del relato. Los cielos abiertos, el desierto invernal y la dimensión espiritual del territorio construyen una atmósfera hipnótica y profundamente cinematográfica. Es un film que debe apreciarse en la pantalla grande.

Uno de los puntos más destacados de “Mil pedazos” es el trabajo actoral. Daniel Muñoz entrega una interpretación contenida y profundamente física, alejándose de registros más asociados a la comedia para construir un personaje marcado por el aislamiento y el dolor.

“Daniel es un actor monumental. Se conectó desde el primer minuto con la tierra. El gran desafío era interpretar esa evolución, el hombre ‘centrado’ y el hombre ‘border’. Me interesaba un protagonista que tuviera capas profundas, silenciosas y extrañas”.

La película marca además el debut cinematográfico de Emilia Rodríguez, quien con apenas nueve años sostiene gran parte de la carga emocional del relato y se transforma en uno de los grandes descubrimientos para el cine chileno.

Con una sensibilidad visual y emocional poco habitual, “Mil pedazos” propone una experiencia cinematográfica íntima y reflexiva, alejada de fórmulas convencionales y conectada con los sentidos, la naturaleza y las emociones humanas.

“Mil pedazos” llegará a las salas chilenas como una obra que invita no solo a mirar, sino también a sentir y conversar sobre la vida, la muerte, el amor y la posibilidad de reencontrarse incluso después de la fractura.

FICHA TÉCNICA
“Mil pedazos”
Año: 2025
País: Chile – España – Argentina
Dirección: Sergio Castro-San Martín
Guion: Sergio Castro-San Martín, Mara Pescio
Producción: Latente Films
Casas productoras: Latente Films, Amore Cine, Maluta Films, Panes Contenidos, Bikini Films, Inaudita
Elenco: Daniel Muñoz, Paola Giannini, Emilia Rodríguez, Francisco Pérez-Bannen
Fotografía: Eduardo Bunster (ACC)
Dirección de arte: Polín Garbisu
Vestuario: Claudia Robles
Maquillaje, peluquería y FX: Pamela Pollak
Música: Mowat, Angela Acuña. Tisca Castro
Diseño de sonido: Xabier Erkizia, Sergio Castro-San Martín
Sonido directo: Juan Pablo Páez
Edición: Victoria Lammers, Sergio Castro-San Martín, Camilo Corbeaux
Distribuye: Market Chile
Estreno en cines: 4 de junio

[Cine] “El Claro”: película de egreso de Cine UDD explora el duelo en tiempos de inteligencia artificial

El pasado 26 de mayo, la Cineteca Nacional fue sede de la avant premiere del largometraje de egreso de Cine UDD, “El Claro”, dirigido por la cineasta Maira Carrasco. Con esto se dio el puntapié inicial para la exhibición de la película en las salas comerciales e independientes de Santiago, a partir del jueves 28, con funciones en Cinépolis, Cinemark y Cineplanet.

El largometraje cuenta la historia de Olivia, una joven estudiante de Medicina que incursiona en el mundo de la realidad virtual e inteligencia artificial para volver a reencontrarse con el amor de su vida, quien falleció recientemente. El luto la lleva a buscar consuelo en “el Claro”, un espacio virtual creado por el ayudante de una de sus asignaturas de la universidad para el reencuentro con personas fallecidas, que son “reconstruidas” a partir de material de archivo digital para recrear su imagen y manera de expresarse. Esto provoca que Olivia se aísle de su entorno más cercano, quienes muestran preocupación al enterarse que no ha dejado de “ver” a su expareja. 

Para ambientar el filme el equipo de estudiantes de Cine UDD utilizó las instalaciones de RealiTec UDD, que contemplan un laboratorio equipado con tecnología para experimentar con realidad aumentada, virtual y mixta. Allí utilizaron cascos de realidad simulada y guantes hápticos, que recrean el roce de la interacción con objetos, pero digitales, para grabar las escenas en las que Olivia está en “el Claro”. 

La película es la ópera prima de Carrasco, con un reparto integrado por Patricia Rivadeneira, Paulina Moreno, Paula Hoffman, entre otros. Tuvo su estreno internacional en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana 2025 y recientemente participó en el Festival Cine de Mujeres 2026. 

“El Claro es un proyecto que busca plasmar la problemática del límite entre las relaciones humanas y las tecnológicas. Apela al sentido de humanidad de los espectadores y reflexiona sobre el contexto actual, donde pareciera que la modernidad y la ciencia tienen una respuesta para toda necesidad humana”, adelanta la directora del filme.

[Cine] "Zona Cero": del director de “Train to Busan” llega nuevo thriller de acción y terror

El cine coreano vuelve a demostrar por qué lidera el género de terror y acción a nivel mundial. Yeon Sang-ho, el director que revolucionó el cine de zombies con “Train to Busan” y expandió el universo con Peninsula y la serie Hellbound, regresa con Zona Cero (Gunche), una nueva pesadilla donde el virus evoluciona y las reglas de supervivencia cambian.

"Zona Cero" lanza hoy sus primeras imágenes y póster. La película se estrenará en cines el 01 de octubre en cines.

Un virus que no perdona

La historia comienza en una conferencia de biotecnología donde todo parece bajo control. De repente, un virus de mutación rápida se desata y el recinto queda sellado. El contagio se expande. Los infectados no solo atacan: evolucionan en formas impredecibles. En ese encierro, un grupo de sobrevivientes debe abrirse paso mientras cada minuto reescribe las reglas del juego.

Yeon Sang-ho demuestra una vez más su dominio del suspenso claustrofóbico. Después de haber llevado el terror a un tren en movimiento y a una península en caos, ahora lo trae a un espacio cerrado donde la humanidad es la primera víctima.

Elenco de estrellas coreanas

“Zona Cero” reúne a algunos de los nombres más reconocidos del entretenimiento coreano. Lidera el reparto Jun Ji-hyun (My Love from the Star, The Legend of the Blue Sea, Assassination) y Ji Chang-wook, actor conocido gracias a series como Healer, The K2 y The Worst of Evil.

Completan el elenco Koo Kyo-hwan, reconocido por Peninsula y D.P.; Shin Hyun-been, recordada por Hospital Playlist; y Kim Shin-rok, destacada en Hellbound.

Producida en Corea del Sur, la película llega en un momento en que el cine asiático atraviesa uno de sus mejores momentos internacionales. “Zona Cero” no es solo otra historia de infectados: es una reflexión sobre cómo reaccionamos cuando el sistema falla y la única opción es confiar en extraños.

Estreno en cines 01 de octubre.

[Cine] ¡Triunfo absoluto! 'El deshielo' arrasa en Cannes con una ovación inolvidable

Con una emotiva recepción por parte del público y la industria internacional, “El deshielo” (“The Meltdown”), la nueva película de Manuela Martelli, tuvo este jueves su esperado estreno mundial en el Festival de Cannes, donde participa en la prestigiosa sección Un Certain Regard.

“Estamos muy emocionadas. La recepción del público fue maravillosa, cómo conectó, y eso es lo que buscamos en Ronda Cine: hacer películas que te hagan pensar, que conecten con el público y que generen emoción. Creemos que eso se alcanzó hoy en Cannes”, comenta desde Cannes,  Alejandra García, productora de la película.

La función, realizada en el Théâtre Debussy, marcó un momento histórico para el cine nacional: Martelli se convirtió oficialmente en la primera directora chilena en presentar un largometraje de ficción en competencia dentro de esta sección del certamen francés.

El debut de la película estuvo acompañado por una recepción especialmente cálida hacia la propuesta de Martelli, cuya segunda obra como directora profundiza una mirada cinematográfica marcada por la sensibilidad, el misterio emocional y una puesta en escena contenida pero inquietante.

Ambientada en el Chile de 1992, la película construye un relato de tensión silenciosa y memoria fragmentada a partir de la desaparición de una joven alemana en un hotel de montaña. Desde la mirada de una niña de nueve años, la historia explora las fisuras del mundo adulto y los secretos que permanecen ocultos bajo una aparente normalidad.

La crítica y los primeros asistentes destacaron especialmente la atmósfera de la película, su construcción visual y el trabajo de su elenco internacional, integrado por Maya O’Rourke, Maia Rae Domagala, Saskia Rosendahl, Jakub Gierszal, junto a los actores chilenos Paulina Urrutia, Mauricio Pesutic, Roberto Farías y Lautaro Cantillana.

El estreno también marca un momento clave para RONDA CINE, la productora fundada este 2026 por Alejandra García que impulsa internacionalmente este nuevo proyecto tras haber acompañado previamente el debut de Martelli, “1976”. La película fue producida por García junto a Alex Lo y en coproducción con Andrés Wood.

“‘El deshielo’” es una producción de Ronda Cine (Chile), Cinema Inutile (Estados Unidos) y Wood Producciones (Chile), en coproducción con Elástica Films (España), Piano (México) y Fundación Río (Chile).

Tras su exitosa premier mundial, la película continúa con sus funciones oficiales durante los próximos días, esperando el Viernes 22 para la entrega del palmarés de Una Cierta Mirada, donde Martelli podría llevarse uno de los premios que entrega el Jurado.

El jurado suele entregar: Premio Un Certain Regard (Mejor Película): Incluye una ayuda a la distribución en Francia, a menudo financiada por la Fundación Groupama GAN. Premio del Jurado (Jury Prize).Premio al Mejor Director.Premio a la Mejor Interpretación (Actriz/Actor o Conjunto). Premio a la Nueva Mirada (para óperas primas o cine innovador). Premio a la Originalidad/Mención Especial. La ceremonia de premiación de esta sección se llevará a cabo el viernes 22 de mayo de 2026.

Funciones:
Viernes 15 de mayo – 08:30 hrs – Théâtre Debussy
Viernes 15 de mayo – 15:45 hrs – Cineum X
Sábado 16 de mayo – 16:00 hrs – Cineum X

“El deshielo” ya comienza a posicionarse como uno de los títulos latinoamericanos más comentados de esta edición de Cannes y como una nueva confirmación del momento que atraviesa el cine chileno en el escenario internacional.

FICHA TÉCNICA
Título internacional: “The Meltdown”
Título en español: “El deshielo”
Dirección: Manuela Martelli
Países: Chile, Estados Unidos, España, México
Duración: 100 minutos
Producción: Alejandra García en coproducción con Alex Lo y Andrés Wood
Productoras: Ronda Cine, Cinema Inutile, Wood Producciones, Elástica Films, Piano, Fundación Río
Elenco: Maya O’Rourke, Maia Rae Domagala, Saskia Rosendahl, Jakub Gierszal, Paulina Urrutia, Mauricio Pesutic, Roberto Farías y Lautaro Cantillana

[Cine] ‘Después de la niebla’: una íntima y conmovedora mirada a la infancia llega a la pantalla grande

Con una puesta en escena delicada y profundamente emotiva, “Después de la niebla” se instalará como una de las propuestas más sensibles y atmosféricas del cine chileno reciente. Dirigida por Miriam Heard (“Tierra yerma”), la película construye un retrato íntimo de la infancia desde una mirada contenida y poética, donde los silencios, las ausencias y los pequeños gestos adquieren una enorme fuerza emocional. 

Después de recorrer festivales como Sanfic y Shanghái, donde ganó el Premio de Oro, se estrenará en cines chilenos el próximo 21 de mayo. Distribuye Market Chile. 

Basada en la exitosa novela “Después de la niebla” de María Edwards Urrejola. 

“Una experiencia cinematográfica reflexiva y emocionalmente” 

Ambientada en el sur de Chile en 1988, “Después de la niebla” sigue a María, una niña de ocho años que vive durante la semana en una pensión en Osorno, lejos de sus padres. Mientras intenta adaptarse a la distancia y a la sensación constante de abandono, los fines de semana vuelve a la casa familiar ubicada junto a un lago. Pero la llegada de amigos de sus padres desde Santiago terminará profundizando aún más su sensación de invisibilidad. 

Más que apoyarse en grandes conflictos o explosiones dramáticas, “Después de la niebla” encuentra su fuerza en lo sutil: en las miradas, en los tiempos muertos, en lo que no se dice. La película observa con enorme sensibilidad la experiencia emocional de una niña que intenta comprender dinámicas adultas que todavía no logra descifrar completamente, pero que ya comienza a sufrir en silencio. 

La directora Miriam Heard Bey construye así una obra contemplativa y honesta, capaz de conectar con el espectador desde la memoria emocional y desde experiencias universales como la soledad, la necesidad de afecto y el miedo a sentirse desplazado dentro de la propia familia. 

Uno de los aspectos más destacados de la película es su atmósfera visual y sonora. Los paisajes del sur de Chile —la niebla, el lago, los bosques húmedos y los espacios vacíos— funcionan como una extensión del mundo interior de María. 

El elenco aporta además una naturalidad y una sensibilidad fundamentales para el tono de la película. Destaca especialmente el trabajo de la pequeña Ema Godoy en el rol protagónico, quien sostiene gran parte de la película desde una interpretación sutil y humana. Junto a ella participan Inés Martín Bernaldo de Quirós, Mario Horton, Valentina Murh, Viviana Herrera, Heidrun Breier, Álvaro Espinosa, Rocío Uson y Daniel Guillon, dando vida a personajes marcados por afectos complejos y tensiones silenciosas. 

Gracias a su sensibilidad artística y a la universalidad de los temas que aborda, “Después de la niebla” se transforma en una experiencia cinematográfica reflexiva y emocionalmente. Una película de silencios, atmósferas y emociones contenidas.

[Cine] La película documental sobre Oasis, de Steven Knight, llegará este año a los cines y a disney+

Disney, magna studios y Sony Music Vision anunciaron una película documental sobre la legendaria banda británica Oasis. Presentada por Disney+, la película se estrenará en cines a partir de septiembre, antes de estar disponible exclusivamente en Disney+ a finales de este año. 

El documental sobre Oasis, aún sin título, ha sido creado por el guionista, productor y director Steven Knight (Peaky Blinders, Mil golpes), nominado a los premios BAFTA y a los Oscar®, y dirigido por Dylan Southern y Will Lovelace (LCD Soundsystem: Cállate y toca los éxitos, Nos vemos en el baño). 

Este largometraje documental narra la triunfal gira de reunión de Liam y Noel Gallagher, Oasis Live ’25, uno de los regresos al rock ‘n’ roll más esperados de nuestro tiempo. La película es un relato inspirador de lo que podría considerarse el mayor evento musical de 2025, que captura la experiencia y las emociones de la banda y sus fans en todo el mundo. Esta perspectiva única incluye acceso a los ensayos, al backstage y al escenario, así como las primeras entrevistas conjuntas de Noel y Liam en más de 25 años. Además de la gira mundial con entradas agotadas de la banda, la película también explora el profundo impacto emocional de este fenómeno cultural global y lo que su música significa para el público y las generaciones de todo el mundo. 

Steven Knight comentó: “Estoy deseando que el mundo vea esta película. Creo que capta el espíritu y la emoción de un momento cultural global y hace justicia al ingenio y al genio de dos personas excepcionales. Quería contar la historia de los hermanos y de la banda, pero, igual de importante, la historia de los fans cuyas vidas la música ha marcado y, a veces, cambiado para siempre. También es la historia de cómo la música y la composición pueden unir a generaciones, culturas y países y, en una época de rencor y división, darnos a todos un motivo para tener esperanza”. 

“Oportunidades como esta son increíblemente escasas”, afirmó Eric Schrier, presidente de Direct-to-Consumer International Originals, Strategic Programming y Emerging Media. “La película es una historia íntima sobre la reconciliación, el poder de la música y Oasis, uno de los grupos más exitosos e influyentes de todos los tiempos. Es un privilegio llevar esta extraordinaria película a la gran pantalla y a los suscriptores de Disney+ de todo el mundo”. 

Con un acceso sin precedentes y material inédito, la película es una producción de magna studios, presentada por Sony Music Vision en colaboración con Sony Music Entertainment UK. Los productores son Sam Bridger (Lewis Capaldi: Cómo me siento ahora, Nos vemos en el baño) y Guy Heeley (Peaky Blinders: El hombre inmortal). Entre los productores ejecutivos se encuentran Kate Shepherd, Marisa Clifford, Tom Mackay, Krista Wegener, Isabel Davis y Tim O’Shea, con los mezcladores de sonido ganadores de un Oscar® James Mather (Top Gun: Maverick, Belfast) y Tarn Willers (Zona de interés), junto con el director de fotografía Haris Zambarloukos (Belfast, Beetle Juice Beetle Juice) al frente del equipo técnico creativo. 

La película, presentada por Disney+, se estrenará en cines en septiembre, y se podrá disfrutar exclusivamente a en la plataforma a finales de este año.

[Cine] Las 8 claves de Exit 8: Cómo Genki Kawamura convirtió un videojuego viral en un thriller psicológico

El cineasta japonés Genki Kawamura, reconocido por producir éxitos como Your Name y Belle, debuta en la cartelera nacional con su más reciente obra como director: Exit 8. Este thriller de suspenso psicológico se estrena en los cines de Chile este jueves 7 de mayo. 

Basada en el videojuego de culto que paralizó internet, la película trasciende la premisa original para ofrecer una profunda exploración sobre la psique humana y las responsabilidades de la vida adulta.

Protagonizada por la estrella japonesa Kazunari Ninomiya, la cinta lleva el concepto de los "espacios liminales" a un nuevo nivel narrativo, convirtiendo un pasillo de metro infinito en una metáfora del crecimiento personal.

A continuación, se presentan las 8 claves que definen esta adaptación: 

1. La Paternidad como Motor Narrativo
A diferencia del videojuego original, que carecía de trama, la película introduce una carga emocional crítica. El protagonista descubre que su exnovia está embarazada justo antes de quedar atrapado.
El bucle se convierte en una manifestación física de su miedo a la responsabilidad.
  
2. Respeto a la "Regla de Oro"
Kawamura mantiene la mecánica esencial del juego: si hay una anomalía, hay que dar la vuelta; si no, hay que avanzar. Ignorar un solo detalle devuelve al protagonista al "Nivel 0", generando una tensión constante basada en la observación.
 
3. El Terror de los Espacios Liminales
La película explora la inquietud de los lugares de tránsito vacíos. El diseño visual transforma pasillos de metro familiares en entornos amenazadores, donde la normalidad se siente extraña y peligrosa.
 
4. El Simbolismo del "Hombre que Camina"
El icónico personaje no jugable (NPC) del juego adquiere un rol central. Representa el destino de aquellos que huyen de sus responsabilidades, quedando atrapados para siempre en una rutina sin salida.
 
5. Suspenso Atmosférico vs. Jump Scares
Evitando los sustos fáciles, la cinta apuesta por el thriller psicológico. La paranoia se traslada al espectador, quien termina analizando cada cartel y azulejo de la pantalla junto al protagonista para detectar cambios.
 
6. El Bucle como Purgatorio Moderno
La narrativa eleva el pasillo a un plano metafísico. No es solo un reto de supervivencia, sino un examen psicológico donde el personaje debe confrontar su pasado y sus culpas para poder escapar.
 
7. La Visión de Genki Kawamura
El director aporta su experiencia en éxitos emocionales para dotar de humanidad a una premisa minimalista. Este enfoque de cine de autor ha llevado a la película a destacar en circuitos internacionales como el Festival de Cannes.
 
8. Una Experiencia Inmersiva
La película alinea las habilidades de observación del público con las del personaje. Al sentir la frustración y el cansancio del bucle, la frontera entre el cine y el lenguaje del videojuego se difumina por completo.

 
Con banda sonora de Yasutaka Nakata (creador de Perfume y Kyary Pamyu Pamyu) y Shohei Amimori, "Exit 8" es una experiencia sensorial completa. Kawamura no solo adapta un juego: convierte la ansiedad de la generación moderna —la incertidumbre, la procrastinación, el miedo al compromiso— en arte.

[Cine] Femcine 16 abrirá con la premiada "La voz de Hind Rajab", película que transforma una tragedia en un poderoso acto de memoria

El 16° Festival Cine de Mujeres, FEMCINE, anuncia que la película inaugural de su próxima edición será “La voz de Hind Rajab”, de la cineasta tunecina Kaouther Ben Hania, una obra profundamente conmovedora que propone una experiencia cinematográfica centrada en la escucha, la memoria y la resistencia. 

El certamen se desarrollará entre el 5 y el 10 de mayo en Santiago, consolidándose como uno de los principales espacios de reflexión en torno al cine realizado por mujeres en América Latina. 

Cine urgente, memoria y mirada femenina 

Inspirada en un hecho real ocurrido en enero de 2024, la película reconstruye las últimas horas de Hind Rajab, una niña palestina de cinco años que, tras un ataque armado al vehículo en el que viajaba con su familia, logra comunicarse telefónicamente con personal de la Media Luna Roja Palestina mientras espera ser rescatada. 

Lejos de optar por la representación explícita de la violencia, Kaouther Ben Hania construye el relato a partir del sonido y la palabra. La historia se articula en torno a las conversaciones telefónicas sostenidas con la niña, recreadas desde un centro de operaciones donde trabajadores humanitarios intentan contenerla, orientarla y coordinar su rescate. 

Este enfoque sitúa la voz —frágil, lúcida, profundamente humana— como eje central de una narración que interpela desde lo íntimo y lo político, evitando el espectáculo para abrir un espacio de escucha activa. 

Nominada al Oscar y estrenada internacionalmente en el Festival Internacional de Cine de Venecia, donde obtuvo el León de Plata – Gran Premio del Jurado, la película ha sido ampliamente reconocida por su propuesta formal y su capacidad de abordar un conflicto contemporáneo desde una perspectiva ética y profundamente sensible. 

La elección de “La voz de Hind Rajab” como película inaugural dialoga directamente con el espíritu de FEMCINE: un cine que no solo visibiliza las voces de sus creadoras, sino que también pone en el centro historias que interpelan, incomodan y movilizan, reafirmando el poder del cine como herramienta de memoria y reflexión.

[Cine] La posesión de la momia: el terror clásico renace con una mirada contemporánea

El terror vuelve a tomar protagonismo en la cartelera con el estreno de “La posesión de la momia”, una reinterpretación audaz y retorcida de uno de los relatos más icónicos del género. Tras el éxito global de Evil Dead: El despertar, el guionista y director Lee Cronin regresa con una propuesta que mezcla suspenso, drama familiar y una estética inquietante, pensada para una nueva generación de espectadores que busca experiencias intensas y memorables en el cine. 

La historia sigue a la hija de un periodista que desaparece misteriosamente en el desierto sin dejar rastro. Ocho años después, su inesperado regreso desata una serie de acontecimientos perturbadores: lo que debería ser un emotivo reencuentro se transforma rápidamente en una pesadilla imposible de ignorar. Con un elenco encabezado por Jack Reynor (Midsommar), Laia Costa (Victoria), May Calamawy (Moon Knight), Natalie Grace (Raymar) y Verónica Falcón (Ozark) , la película construye una tensión constante que conecta lo sobrenatural con los vínculos familiares más profundos. 

Con el respaldo de nombres clave del cine de terror contemporáneo como James Wan (El Conjuro) y Jason Blum en la producción (Paranormal Activity, The Purge y M3GAN), “La posesión de la momia” no solo promete escalofríos, sino también una propuesta estética cuidada y envolvente. El trabajo visual de Dave Garbett, junto al diseño de producción de Nick Bassett y la música de Stephen McKeon, dan forma a un universo oscuro y sofisticado que eleva la experiencia cinematográfica. 

La película llegará a los cines de Latinoamérica a partir del 16 de abril de 2026, posicionándose como uno de los estrenos imperdibles para los amantes del terror y quienes buscan una historia que va más allá del miedo. 

Más información en https://www.instagram.com/wbpictureschile/

[Cine] ChaO: LA SIRENA: La comedia romántica más inesperada del año del estudio detrás de “The animatrix” y “Mind game”

Una alocada comedia romántica animada situada en un mundo futurista donde humanos y criaturas marinas conviven en sociedad. CHAO: LA SIRENA (チャオ, ChaO) sigue la historia del joven ingeniero naval Stephan, cuya vida cambia inesperadamente cuando ChaO, una misteriosa princesa proveniente del mar, le propone matrimonio. A medida que ambos comienzan a derribar sus barreras emocionales, un romance inesperado y conmovedor empieza a florecer. Aquí hay mariposas en el estómago garantizadas. 

La película explora temas como la diversidad, la aceptación y la conexión entre especies distintas, todo envuelto en una estética visual vibrante y surrealista. CHAO: LA SIRENA está producida por Studio 4°C, marca registrada cuando se trata de innovación en el anime, responsable de obras de culto como Mind Game, la trilogía Berserk: The Golden Age Arc y la antología The Animatrix. En sus más de 100.000 ilustraciones, su director Yasuhiro Aoki combina técnicas modernas de animación con un estilo más artesanal reflejado, lo que significó la obtención del Premio del Jurado en el Festival de Animación de Annecy 2025. 

CHAO: LA SIRENA cuenta la historia de Stephan, un común y corriente ingeniero que cambia abruptamente su vida cuando una enigmática princesa sirena le propone matrimonio de manera directa e inesperada. Esta simple premisa indaga en temas como el amor fuera de lo convencional, la convivencia entre mundos opuestos y la aceptación de lo desconocido, todo con un tono ligero, accesible y cargado de humor. ¿Qué sucederá con su inesperado e improbable romance? 

Producida por Eiko Tanaka, una de las ejecutivas más influyentes de la industria del anime, reconocida por su rol clave en el desarrollo de proyectos de alto nivel internacional en Studio Ghibli (Mi vecino Totoro, Kiki: entregas a domicilio), CHAO: LA SIRENA se consagra como una de las propuestas más originales y atractivas del año dentro de la animación japonesa contemporánea. El resultado es una película fresca, entretenida y distinta, que busca conectar con el público a través de una historia cercana, divertida y visualmente impactante. CHAO: LA SIRENA es una película imperdible para quienes buscan una experiencia diferente dentro de la animación comercial actual. 

Encuéntrala en cines desde este 23 de Abril.

[Cine] Dos documentales llegarán a salas de la Red Salas de Cine Chile a través de Estrenos en RED 2026

Dos destacados documentales llegarán a los espacios de exhibición independientes de norte a sur del país. Se trata de Vuelvo donde nunca estuve (Dir. Constanza Vásquez y Andrés Morales) y Para vivir. El implacable tiempo de Pablo Milanés (Dir. Fabien Pisani), películas que ponen en el centro la memoria, la identidad y la música, a través de relatos marcados por la búsqueda personal, la historia colectiva y la persistencia de los vínculos con el territorio. Ambas tendrán su estreno en Chile durante el segundo semestre de 2026, tras ser seleccionadas en la convocatoria Estrenos en RED, iniciativa que cada año escoge un título chileno y otro latinoamericano para su estreno comercial en salas independientes del país.

En esta nueva versión se recibieron 86 postulaciones de Chile y otros 12 países de la región, destacando en primer lugar Argentina, como el país con mayor procedencia de postulaciones luego del territorio nacional, siguiéndoles México, Brasil y Venezuela. “Este año se han seleccionado documentales que abordan temas relacionados con la identidad, la memoria y la cultura. Son obras que por su propuesta pueden tener una fuerte conexión con el público. La exhibición de este tipo de obras en salas independientes es fundamental, ya que permite acercarlas a las audiencias en condiciones adecuadas, buscando ser una experiencia significativa para el espectador. Además, contribuyen a ampliar la diversidad de la cartelera y a fortalecer el circuito de exhibición”, comenta Cynthia García Calvo, encargada de programación de la Red. 

Estrenos en RED es una iniciativa financiada por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través de su Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras, y tiene como objetivo reconocer y difundir obras cinematográficas de Chile y Latinoamérica, apoyándolas en el desarrollo de un plan de distribución y materiales que permitan reforzar la estrategia de difusión de cada película como una manera de promover la circulación de estos contenidos en el territorio nacional, apostando por la descentralización y al trabajo en red.

Como cada año, el jurado de Estrenos en RED estuvo integrado por representantes de salas asociadas a la Red. En esta edición, participaron Macarena Bello, Jefa de Programación y Públicos de la Cineteca Nacional de Chile (Santiago); Carolina Rojas, productora de Sala Mafalda Mora, Casa del Arte Diego Rivera (Puerto Montt); y Marcia Fehrmann, coordinadora y programadora de Sala Latente (La Serena), quienes seleccionaron las películas considerando la diversidad de territorios, contextos y públicos que conforman.

“Ambas películas proponen dos formas complementarias de conectar con el público: por un lado, un retrato íntimo de una figura fundamental de la música latinoamericana que permite reencontrarse con su legado desde la experiencia colectiva de la sala; y por otro, una obra profundamente ligada al territorio y la memoria, que invita a reflexionar sobre identidad, historia y presente. Son obras que dialogan con distintos públicos y que, desde lugares muy distintos, invitan a detenerse, mirar y pensar en conjunto”, agrega Marcia Fehrmann, jurado de la convocatoria y representante de Sala Latente de la Serena 

Sobre las películas

A través de un diálogo íntimo con su padre gravemente enfermo, el hijo del cantautor cubano Pablo Milanés teje el retrato del hombre, del artista y de la compleja época que reflejó y enriqueció con su canto. Para vivir. El implacable tiempo de Pablo Milanés, dirigida por Fabien Pisani, es un documental musical que explora un momento crucial, cuando la música y la historia se entrelazaron atravesando convulsiones políticas, victorias arduamente conquistadas y dolorosos retrocesos, con el canto de Milanés como un reflejo de la esperanza y lucha de toda una generación. 

La película, seleccionada como Largometraje Latinoamericano en la convocatoria, cuenta con un gran recorrido en festivales internacionales como Sheffield Doc Fest, en el Reino Unido, y el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata en Argentina; y fue exhibida en la 21º versión del Festival In-Edit en Chile. 

Por otro lado, Vuelvo donde nunca estuve, ópera prima de Constanza Vásquez y Andrés Morales, fue seleccionada como Largometraje Nacional en la convocatoria y llegará a las salas de la Red este año. En su etapa de desarrollo la película participó de prestigiosos espacios de work in progress y laboratorios nacionales como el Encuentro Internacional de Industria Conecta y Cine en Construcción del Festival de Cine de Chile FECICH, donde obtuvo el Premio Asesoria de montaje; además de una selección para participar en el Showcase de Chile en Cannes Docs, del Marché du Film, espacio de Industria del Festival de Cine de Cannes en Francia. 

La película sigue a Fernanda Olivares, joven descendiente Selk’nam, se convierte en la primera de su comunidad en regresar al territorio ancestral, con el propósito de demostrar que su pueblo, considerado extinto por décadas, sigue vivo y abrir el camino para su regreso, restaurando su identidad y su dignidad.

“Este documental no solo desmiente una historia oficial falsa, sino que honra a un pueblo vivo que resiste y vuelve a poblar su territorio. Gracias a la Red de Salas, buscamos que esta película transforme el silencio en un diálogo urgente y se convierta en un instrumento de justicia y memoria para Chile”, comenta Constanza Vásquez, una de las directoras del filme.

La cartelera completa estará disponible en el sitio web de la Red (www.redsalasdecine.cl) y en las plataformas de cada una de sus salas.

La Asociación Gremial Red Salas Independientes de Cine Chile forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Gobierno de Chile. 

[Cine] Las Catadoras: La tragedia invisible de las mujeres que desafiaron a la muerte

Esta es la realidad que enfrentan las protagonistas de "Las Catadoras", el drama histórico dirigido por Silvio Soldini que llega a los cines este jueves 16 de abril para contar una de las historias más insólitas y perturbadoras de la Segunda Guerra Mundial.

La esperada película Las Catadoras (título original: L'assaggiatrice) llega a las salas de cine chilenas, marcando un hito para los amantes del cine italiano en el país. Este estreno es posible gracias al exclusivo patrocinio del Instituto Italiano de Cultura en Chile, cuya gestión permite acercar esta aclamada producción a la audiencia local para fortalecer el vínculo artístico entre ambas naciones. El filme contará con un evento de avant premiere el 09 de abril a las 18:30 horas en Instituto Italiano de Cultura. Abierto al público previa inscripción en https://iicsantiago.cl/

Basada en la novela "At the Wolf's Table" de Rosella Postorino —que a su vez se inspiró en el testimonio real de Margot Wolk, la última sobreviviente del equipo de catadoras de Hitler—, la película transporta al espectador al otoño de 1943 en Prusia Oriental. Allí, siete mujeres alemanas son reclutadas a la fuerza para una tarea macabra: probar cada plato del menú del Führer antes de que él lo consuma, esperando una hora bajo custodia para confirmar que no han sido envenenadas.

Elisa Schlott interpreta a Rosa Sauer, una joven que regresa a la granja de sus suegros huyendo de Berlín bombardeada, solo para ser arrancada de su refugio y enviada a la Guarida del Lobo, el cuartel general de Hitler en medio del bosque. Allí, la emoción inicial por los banquetes gourmet preparados por chefs se transforma rápidamente en un ritual de terror: cada comida es una ruleta rusa, cada hora de espera una eternidad de incertidumbre.

Lo que distingue a "Las Catadoras" no es la acción bélica convencional, sino la violencia psicológica sutil. El director italiano Silvio Soldini, conocido por "Pan y tulipanes", utiliza una paleta de grises y marrones para construir una atmósfera de desesperación que envuelve a las protagonistas. La cámara no permite distancia: estamos ahí, en la mesa, compartiendo el miedo colectivo de mujeres que deben comer mientras el hambre devora al país, que deben sobrevivir a pesar de la culpa y la paranoia.

Entre las catadoras se teje una compleja red de lealtad y traición. Elfriede (Alma Hasun) guarda un secreto peligroso. El teniente de las SS (Max Riemelt) representa la autoridad que oscila entre protección y amenaza. Y en medio de todo, Rosa descubre que la resistencia no siempre significa heroísmo dramático: a veces es solo seguir respirando, bocado tras bocado.

Con una duración de 123 minutos y coproducida entre Italia, Bélgica y Suiza, "Las Catadoras" es un recordatorio de que las guerras no solo se pelean en campos de batalla. Se libran también en comedores silenciosos, en la tensión entre mujeres obligadas a depender unas de otras, en el peso de colaborar con el régimen para sobrevivir. Es una película sobre el costo humano invisible del poder, visto desde la perspectiva femenina que la historia suele omitir.

Para quienes buscan cine histórico que vaya más allá de las batallas y los generales, "Las Catadoras" ofrece una ventana a una realidad tan inquietante como real. Una historia donde la supervivencia se mide no en años, sino en horas entre comida y comida.

INFORMACIÓN DE PANORAMAS

09 de abril
18:30 horas

Función Pre Estreno. Gratuita previa inscripción. En Instituto Italiano de Cultura. Sitio web https://iicsantiago.cl/ Dirección: Triana 843,  Providencia.

16 abril - Estreno Comercial

Cines de Cadenas y salas independientes 

Cinépolis La Reina, Cinemark Alto Las Condes, Cine Arte NORMANDIE, Cine EL BIÓGRAFO, Cine Arte de Viña del Mar, Cine Arte Universidad Austral.