[Teatro] Patricio Achurra, Patricio Torres, Adriano Castillo y Renato Münster se reúnen en “Galanes Vintage”

Bajo la dirección de Rodrigo Muñoz, el montaje nació a partir de un encuentro casual con Patricio Achurra y llegará este jueves 1 de octubre al Teatro San Ginés. La obra, que tendrá funciones de jueves a sábado, también se presentará el 24 de octubre en la Sala Rivoli de Valparaíso.

Escrita y dirigida por Rodrigo Muñoz, “Galanes Vintage” llegará este jueves 1 de octubre al Teatro San Ginés, con una propuesta que reúne a Patricio Achurra, Patricio Torres, Adriano Castillo y Renato Münster en una historia que combina comedia, nostalgia y emoción. El montaje tendrá funciones de jueves a sábado y también contempla una presentación el 24 de octubre en la Sala Rívoli de Valparaíso.   La obra presenta a cuatro actores que se reencuentran después de muchos años para ensayar un nuevo montaje teatral. Sin embargo, a medida que avanzan los ensayos, comienzan a aparecer antiguas diferencias y el motivo que provocó su separación: los cuatro estuvieron enamorados de una misma mujer. Aunque se trata de una historia ficticia, la propuesta incorpora elementos vinculados a las trayectorias de sus protagonistas y los personajes mantienen los mismos nombres de los actores que los interpretan.   El elenco reúne a intérpretes ampliamente reconocidos por el público chileno y con una extensa trayectoria en televisión, teatro y otros escenarios. El proyecto también contemplaba originalmente la participación de Fernando Kliche, quien había confirmado su incorporación, pero no alcanzó a participar de los primeros ensayos debido a los problemas de salud que posteriormente provocaron su fallecimiento en julio pasado. Finalmente, Renato Münster se sumó al elenco para completar esta reunión sobre las tablas. “Galanes Vintage” también propone una mirada a la evolución de la figura del galán y a los códigos que durante décadas estuvieron asociados a estos personajes. A través del humor, la obra aborda el paso del tiempo, los cambios en las relaciones, la amistad y las experiencias acumuladas por sus protagonistas, poniendo en escena a una generación de actores que continúa vinculada al teatro y al público.   El estreno será este jueves 1 de octubre en el Teatro San Ginés, con funciones de jueves a sábado. Las entradas para las funciones en San Ginés están disponibles a través de Ticketmaster. Además, el montaje tendrá una función especial el 24 de octubre en la Sala Rívoli de Valparaíso.   El diseño integral es de Cecilia Moya y la producción general de Loreto Moya. La obra cuenta además con el auspicio de sensez.cl

[Teatro] Estreno de teatro en GAM: Dos almas se reencuentran en escena para desafiar el tiempo y el espacio

En la mitología griega, las Furias —o Erinias— eran tres diosas hermanas más antiguas y salvajes que los dioses del Olimpo y que buscaban la justicia castigando a quienes habían cometido delitos. Inspirada en esas criaturas, la dramaturga, directora y actriz Manuela Oyarzún da vida a esta obra que nos invita a reflexionar sobre la libertad, la violencia, la coherencia y la tensión de sostener una convicción propia a través del tiempo.

Dirigidos por Víctor Carrasco, Francisca Gavilán y Francisco Pérez Bannen interpretan a dos seres que desafían la lógica del tiempo y del espacio cruzando tres épocas -los años 50, los 80 y el presente- en escenarios distintos: un psiquiátrico, un laboratorio de aves y un teatro.

La pieza toma a Casandra —la princesa de Troya condenada por Apolo a decir la verdad y a no ser creída— y la saca del mito para instalarla en el tiempo. La historia la transforma en una mujer que a través de los años se presenta en distintos roles –paciente, científica y autora–, va tomando conciencia, se equivoca, se contradice e incluso participa de aquello que cuestiona.

Gavilán encarna a todas las Casandras y Pérez Bannen simboliza a todas las figuras de autoridad que la acompañan. No son personajes que se repiten, sino almas que se reencuentran en distintas décadas para replicar una dinámica de lenguaje y poder.

“Las Furias eran insobornables y solo respondían cuando se vulneraba lo esencial: la sangre, lo sagrado y la vida. Me interesó esa energía como latencia que atraviesa toda la obra; la furia como sentido de justicia y equilibrio. Casandra es una heroína que reconoce su contradicción, y desde ahí reorienta su furia, porque ya no encuentra sentido en las leyes que ordenan este mundo”, cuenta Manuela Oyarzún, su autora.

En el relato, el hilo conductor es la lechuza, ave nocturna, sabia, que no se deja domesticar. En cada época Casandra intenta liberarla y siempre paga un precio por hacerlo. A cambio, encuentra algo que ningún lugar podía darle: la libertad de habitarse.

Oyarzún explica que se trata de una figura “que atraviesa tres tiempos manteniendo viva una ética, y en cada uno el sistema le ofrece un lugar. Ella lo toma, lo habita y descubre lo que ese lugar le exige a cambio. Casandra se permite dudar de sí misma y cambiar de opinión, reorientándose hacia su propio núcleo ético: eso que ningún lugar podía darle”. 

La obra, según Víctor Carrasco, su director, “toma una figura que creemos conocer, Casandra, y la trae hasta nosotros sin convertirla simplemente en una actualización del mito griego. Habla del poder, de la violencia, de la ciencia, el arte y la libertad, pero también se permite el humor, la contradicción y zonas bastante incómodas. Y tiene algo que para mí es fundamental: no entrega respuestas fáciles”.

“Es una experiencia teatral muy intensa. No se trata solo de dos intérpretes al servicio de una historia que atraviesa tres épocas. Es una puesta en escena donde el cuerpo, la luz, las imágenes, la música y el espacio se nutren de la potencia de las palabras. Me gustaría que el público realice su propio viaje y se pregunte qué tan domesticado está o ha estado durante su vida”, finaliza Carrasco.

2 al 17 Oct 
Ju a Sá—19.30 h. Do 18.30 h.
Función extra el Sá 17 Oct—17 h.

Entradas en gam.cl

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[Teatro] Amantes, una vez al año: nuevo montaje de Teatro Aparte que reúne a Elena Muñoz y Cristián Campos en escena

En 1975 se estrenaba la obra “Same time, next year” del dramaturgo canadiense, Bernard Slade en Broadway, para luego tres años después, estrenar su versión audiovisual, dirigida por el director estadounidense, Robert Mulligan, con la que el elenco fue nominado a más de tres premios por su calidad actoral. 

Este fue el punto de origen para adaptar el montaje a la realidad chilena por parte  del director Santiago Ramírez, que junta en escena a Elena Muñoz y Cristián Campos en “Amantes, una vez al año”. “Santiago, Cristián y yo, hurgamos y desentrañamos un excelente texto dramático, trayéndolo al hoy de nuestra realidad, manteniendo siempre el humor, la tensión sexual y el peligroso atractivo que tiene lo clandestino” comenta Elena Muñoz, cabeza de Teatro Aparte y protagonista de la obra. 

La obra se estrenará este 24 de septiembre en el Centro Cultural San Ginés, bajo la producción de Teatro Aparte (¿Quién me escondió los zapatos negros? ,“De uno a diez, ¿cuánto me quieres?, “Ya no te gusto, ¿verdad?”) y tendrá temporada hasta el 1 de noviembre. 

Este montaje se convertirá en una hilarante y conmovedora comedia romántica sobre dos personas casadas (Mara y Lorenzo) quienes se conocen casualmente en el sur de Chile y se enamoran de manera fulminante. Sin querer abandonar a sus familias, toman una insólita decisión: reencontrarse una vez al año, durante un fin de semana, en el mismo lugar, lejos de la rutina, las responsabilidades y —ojalá— las explicaciones incómodas. Lo que comienza como una aventura, se convertirá en una singular historia de amor que se extenderá durante casi tres décadas. 

Sobre la decisión y argumento de montar esta obra, Santiago Ramírez, director de la puesta, comenta que “el amor es el motor más importante y la experiencia más significativa que vivimos las personas. Se manifiesta de muchas formas, pero el amor de pareja es el tipo de relación que, en mi opinión, nos marca más profundamente durante nuestra existencia”.

Bajo esa premisa, con mucho humor, pasión y complicidad, la obra recorre el paso de los años y las transformaciones de sus protagonistas, demostrando que algunas historias de amor encuentran sus propias reglas para sobrevivir, envolviendo al espectador en enredos y situaciones tan divertidas como reconocibles.

Mientras pasa el tiempo, cambian sus familias, sus sueños, sus cuerpos y el mundo que los rodea, pero ambos intentan conservar intacto ese vínculo que solo existe unos días al año. La premisa de esta obra resalta la importancia de conectar con las propias necesidades y emociones a través del humor y lo humano; como el disfrute de la compañía, el deseo, el respeto y la honestidad. 

Ficha artística

Dramaturgia: Adaptación de “Same Time, Next Year”, de Bernard Slade

Dirección: Santiago Ramírez

Producción: Santiago Ramírez

Elenco: Elena Muñoz y Cristián Campos

Diseño Integral: Jesús Torres y Santiago Ramírez

Composición musical y universo sonoro: Domingo Ramírez

Videos: Santiago Ramírez

Técnico en sonido: Santiago Ramírez

Técnico en iluminación: Santiago Ramírez

Coordenadas

📆Funciones: 24 de septiembre, 20:00 hrs | 25 de septiembre – 20:30 h | 26 de septiembre – 20:30 h | 27 de septiembre – 19:00 h | 3 de octubre – 22:00 h | 10 de octubre – 22:00 h | 11 de octubre – 19:00 h | 17 de octubre – 22:00 h | 18 de octubre – 19:00 h | 24 de octubre – 22:00 h | 25 de octubre – 19:00 h | 31 de octubre – 22:00 h | 1 de noviembre – 19:00 h

📍Centro Cultural San Ginés: Mallinkrodt 76, barrio Bellavista

🎟️Entradas disponibles a través de Ticketmaster

💲Precios: desde los 14.800 pesos

[Teatro] Paulina García vuelve al teatro con actual versión de clásico de Ibsen "Un enemigo del pueblo"

Un enemigo del pueblo en Teatro Finis Terrae 

PAULINA GARCÍA VUELVE AL TEATRO CON ACTUAL VERSIÓN DE CLÁSICO DE IBSEN  

La premiada actriz chilena protagoniza, junto a Rodrigo Soto, María Gracia Omegna, Germán Pinilla, Sofía Guiraldes y Laura Vila Carrera; la nueva producción Universidad Finis Terrae financiada por el Fondo Nacional de Fomento y Desarrollo de las Artes Escénicas, Línea de Apoyo a Teatros Universitarios, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.  Adaptada por Juan Pablo Troncoso y dirigida por Alexandra Von Hummel, la puesta que traslada el conflicto a un balneario del litoral chileno actual, donde una verdad científica amenaza el futuro económico de toda una comunidad, debuta el próximo jueves 1 de octubre en Teatro Finis Terrae.

©Elio Frugone - Fototeatro

¿Qué ocurre cuando una verdad científicamente comprobada amenaza el sustento económico de toda una comunidad? ¿Y qué posibilidad tiene de imponerse cuando la información circula entre redes sociales, algoritmos, fake news, bots e imágenes creadas por inteligencia artificial? A casi 145 años de su escritura, Un enemigo del pueblo, el clásico de Henrik Ibsen sobre el precio de sostener una verdad incómoda, regresa con esas preguntas trasladadas al Chile actual. Con dirección de Alexandra Von Hummel, adaptación de Juan Pablo Troncoso y un elenco liderado por la premiada actriz chilena Paulina García, junto a Rodrigo Soto, María Gracia Omegna, Germán Pinilla, Sofía Guiraldes y Laura Vila Carrera; la puesta se estrena el jueves 1 de octubre en Teatro Finis Terrae, donde permanecerá en cartelera hasta fin de mes. 

La propuesta es la segunda producción 2026 de Universidad Finis Terrae realizada con financiamiento del Fondo Nacional de Fomento y Desarrollo de las Artes Escénicas, Línea de Apoyo a Teatros Universitarios, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. “Desde sus inicios, Universidad Finis Terrae ha estado comprometida con el arte y la cultura, ya que nos permite construir una sociedad más reflexiva, empática, integral y conectada con los otros”, explica Alejandra Cetty, vicerrectora de Vinculación, Extensión y Comunicaciones de Universidad Finis Terrae.

Escrita por Ibsen en 1882, la pieza comienza con una comunidad cuya prosperidad depende de un balneario. Cuando el doctor Tomás Stockmann descubre que sus aguas están contaminadas, hacer pública la información significa poner en riesgo la economía local y enfrentarse a autoridades, prensa y vecinos que hasta entonces formaban parte de su entorno. “Mantiene la estructura de la obra, la mayoría de los personajes principales, pero trae la acción a un balneario del litoral del Chile actual. Es un país y un lugar en el que los proyectos políticos y económicos tensionan la existencia y el desarrollo de las comunidades, de los ecosistemas”, explica el dramaturgo Juan Pablo Troncoso a cargo de esta nueva versión.

Es allí donde la adaptación abre una de sus principales diferencias respecto del texto del siglo XIX. Si el Stockmann de Ibsen debía convencer a una comunidad de una verdad que ésta prefería no escuchar, el personaje contemporáneo debe desenvolverse además en un escenario donde la propia existencia de los hechos puede ponerse en duda. “Actualizamos ciertas preguntas, particularmente qué pasa con la verdad, con la construcción de la verdad en el mundo contemporáneo, en un mundo de redes sociales, de fake news, de granjas de bots”, agrega. “Todo ese tipo de problemas que, si bien no existían en la época en que la obra fue escrita, de alguna manera actualizan el conflicto y lo llevan a una dimensión aún más problemática, que es la posibilidad de construir la verdad a través de imágenes, de inteligencia artificial”.

Para la directora de la puesta en escena, Alexandra Von Hummel, esa transformación hace que la interrogante planteada por Ibsen sea incluso más compleja en el presente. “Ya no discutimos solamente qué hacer frente a una verdad, porque muchas veces ni siquiera logramos ponernos de acuerdo en si un hecho ocurrió, si una imagen es verdadera, si una información es confiable o quién tiene autoridad para decir que algo es cierto”, advierte la directora. “Entonces la obra, para mí, para nosotros, no habla sólo de defender la verdad, sino de qué pasa con una comunidad cuando empieza a perder incluso la posibilidad de reconocerla”.

La propuesta incorpora esa circulación y transformación de la información a su propio lenguaje escénico. El montaje muestra cómo un hecho puede ser comunicado, editado, recortado y modificado a medida que pasa de unos personajes a otros. Von Hummel aclara, sin embargo, que la intención no es simplemente “modernizar” a Ibsen. “La versión de Juan Pablo Troncoso dialoga profundamente con el texto original. No busca ser otra obra, ni modernizar a Ibsen. Sigue siendo profundamente Un enemigo del pueblo, pero leído desde quienes somos hoy”, afirma.

La dirección sitúa a estos personajes en una comunidad pequeña, donde el conflicto no ocurre entre desconocidos sino entre personas que comparten cotidianamente trabajos, afectos y espacios. “Tomamos la opción de situarlo en un pueblo chico, reconocible, un lugar simple donde se trabaja, se come, se conversa, se vive”, explica Von Hummel. Ese espacio permite además recuperar el humor del texto y construir una tensión que aumenta a medida que cada integrante de la comunidad intenta determinar cuánto está dispuesto a sacrificar por sus convicciones.

La adaptación también desplaza la condición del protagonista hacia la figura de un investigador y científico que estudia los ecosistemas, permitiendo confrontar los tiempos de la naturaleza y la evidencia científica con las urgencias de la política y la economía. Para Troncoso, esa tensión permite observar cuánto ha cambiado el mundo desde 1882 y, al mismo tiempo, cuánto persiste del conflicto imaginado por Ibsen. “Lo interesante y perturbador de la obra es que siga siendo vigente, entendiendo que hay cosas que han cambiado mucho, que los contextos son muy distintos y, sin embargo, hay problemas que se repiten”, sostiene el autor.

Su lectura conecta el clásico con el desencanto político, el malestar, las dificultades para construir proyectos colectivos y las distintas concepciones sobre desarrollo y bienestar. “Pareciera que seguimos anclados en un mismo paradigma en relación a qué es el progreso y qué es el bienestar de una comunidad”, plantea. La dimensión teatral tampoco queda fuera de esa discusión. La versión se pregunta por el propio acto de regresar a un clásico más de un siglo después y por la posibilidad de construir una verdad frente a los espectadores.

Con diseño integral de Catalina Devia, música de Mario Avillo y diseño audiovisual de Ximena Sánchez, la producción utiliza imágenes, sonido, visualidad y distintas formas de comunicación para construir una puesta cuyo ritmo y tensión se acumulan progresivamente. Así, la pregunta que Ibsen formuló en 1882 —cuánto está dispuesta a sacrificar una sociedad cuando la verdad amenaza sus intereses— adquiere una nueva capa en 2026: qué ocurre cuando, antes incluso de decidir qué hacer frente a esa verdad, una comunidad ya no consigue ponerse de acuerdo sobre qué es verdadero.

www.teatrofinisterrae.cl

COORDENADAS UN ENEMIGO DEL PUEBLO

1 al 30 de octubre

jueves y viernes 20.30 h.; sábado y domingo 19 h

Duración: 1h 40/ Recomendada desde los 14 años

$15.000 Gral. $7.500 Preventa 1 $11.500 Preventa 2, $7.500 Súper Jueves y estudiantes; $9.000 personas mayores; $ 11.500 Domingo Dúo, $10.500 Tarjeta Vecino SoyProvidencia

Teatro Finis Terrae (Av. Pocuro 1935, Providencia).

Estacionamiento gratuito (ingreso por calle Amberes)

https://ticketplus.cl/events/un-enemigo-del-pueblo-2026 

[Teatro] “La Pérgola de las Flores”: Cómo, cuándo y dónde disfrutar del clásico en Fiestas Patrias

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Hay obras que forman parte de la memoria de un país y que, generación tras generación, vuelven a florecer. Ese es el caso de “La Pérgola de las Flores”, uno de los grandes clásicos del teatro chileno, que regresa a los escenarios para celebrar las Fiestas Patrias con una nueva temporada en el Centro Cultural San Ginés, los días 18 y 19 de septiembre. Entradas a través de la plataforma Ticketmaster.   El montaje llega luego de una exitosa presentación a sala llena en el Aula Magna del Liceo Manuel de Salas, y propone una nueva oportunidad para reencontrarse con una de las obras más emblemáticas de la cultura nacional, esta vez a través de una versión renovada, llena de humor, música y ritmo.   Esta nueva producción está dirigida por el actor Gustavo Becerra, quien encabeza una propuesta que busca recuperar la esencia del montaje original desde una mirada contemporánea. La puesta en escena potencia especialmente el humor, el ritmo y el carácter musical de la obra, acercándola a nuevos públicos sin perder los elementos que la transformaron en un referente del teatro nacional.   A 65 años de su estreno, el clásico escrito por Isidora Aguirre y musicalizado por Francisco Flores del Campo mantiene vigente su capacidad de emocionar y hacer reír. Sus personajes, canciones y conflictos continúan formando parte del imaginario colectivo chileno, convirtiendo a la obra en un título que trasciende generaciones.    El espectáculo cuenta además con más de 18 artistas en escena y música interpretada completamente en vivo, dando especial protagonismo al trabajo coral, la energía de los intérpretes y las canciones que han acompañado a varias generaciones de chilenos.   “La Pérgola de las Flores” cuenta la historia de un grupo de floristas que ve amenazado su tradicional espacio de trabajo frente a un proyecto de transformación urbana. A través del humor y la música, la obra retrata distintas costumbres, personajes y tensiones sociales del Santiago de mediados del siglo XX, manteniendo una particular vigencia hasta la actualidad.   En el marco de Fiestas Patrias, el regreso de este clásico se presenta como una alternativa para celebrar Chile desde el teatro y la cultura, con un espectáculo pensado para disfrutar en familia y, al mismo tiempo, acercar parte del patrimonio escénico nacional a las nuevas generaciones.   Las funciones de “La Pérgola de las Flores” se realizarán los días 18 y 19 de septiembre en el Centro Cultural San Ginés, en una temporada especial que busca hacer florecer nuevamente sobre el escenario una historia que, 65 años después de su estreno, continúa siendo parte de la identidad cultural chilena.   Información del evento: Lugar: Centro Cultural San Ginés (Mallinkrodt 76, Providencia). Fechas: 18 y 19 de septiembre Entradas: A través de Ticketmaster

[Teatro] El clásico imperdible “Chicago: el musical” regresa al Teatro Municipal de Las Condes

Con un destacado elenco y bajo la producción de IG&A Inda Goycoolea & Asociados, el musical vuelve tras su exitoso paso por la misma sala el 2013. 

A partir del 30 de septiembre, los fanáticos de los musicales podrán disfrutar de una nueva versión del clásico de Broadway, “Chicago: el musical”, que llega una vez más al Teatro Municipal de Las Condes con un renovado elenco integrado por los destacados actores nacionales Constanza Mackenna, Antonia Bosman, Eyal Meyer, Emma Pinto, Miguel Suazo y Enzo Ferrada. 

Bajo la dirección de Eduardo Yedro, responsable de otras exitosas producciones como “Cats”, “Annie”, “La novicia rebelde”, “Mamma Mía” y “Billy Elliot”, este montaje cuenta además con una orquesta de 14 músicos, tal como se presenta en el Ambassador Theatre de Nueva York, sumando 34 personas en escena. 

 

Luego de casi 70 años desde su estreno, el 3 de junio de 1957, en el Richard Rodgers Theatre de Nueva York, “Chicago: el musical” es considerada actualmente la segunda obra de teatro musical con mayor permanencia en la historia de Broadway, siendo superada solo por “El fantasma de la Ópera”. 

Al año siguiente, obtuvo seis premios Tony: mejor actriz principal, mejor actor principal, mejor director, mejor coreografía (del destacado bailarín y coreógrafo Bob Fosse), mejor revival, y mejor diseño de iluminación. En 2002 llegó además la película, dirigida por Rob Marshall y protagonizada por Catherine Zeta-Jones, Renée Zellweger y Richard Gere, que obtuvo seis premios Oscar. 

Esta vez, “Chicago: el musical” promete emocionar y conquistar al público con la fuerza de uno de los grandes clásicos del teatro musical, con una puesta en escena de primer nivel que desplegará toda la intensidad, sensualidad y energía de esta historia sobre el escenario. 

Fechas: Del 30 de septiembre al 18 de octubre. 

Horarios: Jueves, viernes y sábado a las 19:30 horas; domingo a las 18:30 horas. 

Duración: 120 minutos con un intermedio de 15 minutos. 

Calificación: Recomendada para mayores de 14 años. 

Entradas ya a la venta en la boletería del Teatro Municipal de Las Condes, ubicada en Av. Apoquindo 3300 y en el sitio web www.tmlascondes.cl. 

Descuentos disponibles con Tarjeta Vecino Las Condes (stock limitado).

[Teatro] “Siempre encuentra casa nueva, un mueble antiguo en la basura”: la nueva puesta de Felipe Zambrano, trae a Consuelo Holzapfel y Nicolás Eyzaguirre por primera vez a Teatro ICTUS

Tras convocar a más de 25.000 espectadores durante los últimos cuatro años, la Compañía Fa estrena “Siempre encuentra casa nueva, un mueble antiguo en la basura”, una historia sobre el hogar, la vejez y el amor entre una madre y su hijo. La quinta creación de la compañía, dirigida por Felipe Zambrano Miguieles, trae por primera vez al escenario de Teatro ICTUS a la destacada actriz nacional, Consuelo Holzapfel junto a Nicolás Eyzaguirre, nieto de Delfina Guzmán, quién fue parte de la familia ICTUS por más de tres décadas. 

La obra sigue a Ivonne, una asesora del hogar de 70 años, quien ha quedado a cargo de la casa de su difunto patrón. Su rutina se ve interrumpida el día de año nuevo, cuando su hijo Guolgan, un hombre de 45 años en situación de calle, llega buscando refugio. La presencia de Guolgan pone en riesgo la estabilidad que Ivonne ha construido dentro de aquella casa, ya que los herederos, ad portas de vender la casa, podrían enterarse de su visita y echarla a la calle, confirmando su temor de ser fríamente desechada como un mueble viejo en la basura que ya no le sirve a nadie.

En este contexto, la obra aborda el anhelo por la casa propia, la búsqueda de un hogar y el amor incondicional entre una madre y un hijo, “es un relato familiar, pues se trata de todo lo que una madre es capaz de sacrificar por el cuidado de su hijo. Dentro de lo poco que tiene, también sacrificó su maternidad para cuidar su trabajo” agrega Felipe Zambrano.

La nueva creación continúa con la línea de trabajo que tiene la compañía, centrada en historias de personajes cotidianos y conflictos profundamente humanos, poniendo en escena a dos personajes enfrentados a la fragilidad de sus propias vidas y al temor de ser descartados, como un mueble viejo que ya no sirve. “Es una obra que no entrega respuestas, sino que deja una metafórica pregunta del futuro ¿Cómo vamos a vivir?” finaliza el dramaturgo.

Ficha artística

Dramaturgia y Dirección: Felipe Zambrano Miguieles | Producción: Almendra Ovalle | Elenco: Consuelo Holzapfel y Nicolás Eyzaguirre | Diseño integral: Tamara Figueroa As |

Composición musical, universo sonoro y técnica: Jorge Manzo | Diseño de vestuario: Julio San Martín | Fotografía: Camilo Arentsen | Duración: 50 minutos  | Edad: +14

Coordenadas

3 al 12 de septiembre  | jue a sáb

20:00h

Teatro ICTUS, #Merced 349, Santiago

Entradas disponibles en Ticketplus

Precios: jueves $12.000 | viernes y sábado: $15.000

Descuentos: estudiante y tercera edad: $7.000

[Teatro] "Jamás visto": la sátira que pone en jaque la democracia

Codirigida por Andreina Olivari y Tamara Villa, la obra utiliza el humor negro y el absurdo para preguntarse por el sentido de la democracia y cómo una comunidad escolar se acostumbra a convivir con el horror.

“Jamás visto” tendrá su estreno en Teatro La Memoria con funciones del 27 de agosto al 12 de septiembre.

¿Qué ocurre cuando una sociedad es capaz de cuestionarlo todo, pero ya no encuentra un horizonte común hacia el cual dirigirse? ¿Qué hace que un grupo de personas elijan opciones que van en contra de sus propios intereses? Estas preguntas son el motor de “Jamás visto”, una vertiginosa comedia satírica escrita por la dramaturga Tamara Villa (“Ohaguro”, “(My name is) Bjork”) y codirigida junto a Andreina Olivari (creadora y directora de la compañía Bonobo). 

La obra se desarrolla en un colegio de clase obrera, administrado por una fundación educativa. Con el fin de incentivar la participación activa, la fundación propone a los estudiantes un sistema democrático para que decidan libremente su organización. Sin embargo, la situación escala de manera delirante y radical: los estudiantes deciden utilizar estas mismas herramientas de votación para elegir a un centro de alumnos fascista.

Ante una denuncia interna por discursos de odio, una investigadora de la fundación llega al establecimiento para esclarecer los hechos. Lo que descubre es una comunidad escolar capaz de justificar cualquier atrocidad en nombre de la participación, el consenso y la convivencia, exponiendo la inquietante facilidad con la que un grupo humano puede normalizar el horror.

“Se trata de una sátira descarnada de una perspectiva de cómo se está viendo el Chile de hoy, y que se amplía al mundo, a través de un texto que corre muy rápido. Para mí es volver a preguntarnos qué es la democracia y que el acto de votar está vaciado, es un instrumento que nadie entiende bien para qué lo usamos”, comenta Andreina Olivari, quien ha desarrollado durante muchos años temáticas ligadas a la democracia junto a su compañía Bonobo.

“Dada la situación política actual, me preguntaba cómo puede ser que en la historia de la humanidad siempre las personas elijamos cosas que están en contra nuestros propios intereses”, explica Tamara Villa. “También me llamaba mucho la atención que en esta época los estudiantes ya no fueran revolucionarios o de ideas ligadas al progresismo, como solía ocurrir antes. Entonces sentí que el colegio era donde surge todo, como una “semilla” para investigar el presente”.

Ambas directoras coinciden en el uso del humor y la ironía como herramienta fundamental para tensionar las contradicciones políticas y sociales. De esta manera, "Jamás visto" toma distancia del realismo y humor tradicional, lo que Villa define como sátira onírica, donde las leyes que rigen este universo de ficción operan bajo un absurdo delirante que radicaliza situaciones cotidianas. “Para mí el humor sirve para quebrar el sentido común. Llevar al extremo una estructura que tenemos naturalizada para desnaturalizarla y romperla”, señala la dramaturga.

Con un elenco compuesto por Roxana Naranjo y jóvenes talentos recién egresados -Clarita Giacaman, Alex Parraguez y José Miguel González-, la obra aborda una situación radical, pero que en su esencia perfectamente podría ocurrir. 

“Es como un experimento social que se va de las manos a tal punto que se transforma en una hipérbole de la realidad. Les enseñas a un grupo de personas en un colegio, les entregas todas las herramientas para que se organicen y decidan lo que quieran. ¿A qué extremo podrían llegar?”, concluye Olivari.

Ficha artística: 

Dramaturgia: Tamara Villa | Codirección: Andreina Olivari y Tamara Villa | Elenco: Roxana Naranjo, Clarita Giacaman, Alex Parraguez y José Miguel González | Diseño integral: Gabriela Torrejón | Diseño sonoro: Raimundo Stevenson | Producción general: Nelson Valenzuela | Producción ejecutiva: Nicolás Venegas | Comunicaciones: Fogata Cultura | Foto y video: Luz Andrea Sierra

Proyecto financiado por el Fondo Creación de Artes Escénicas convocatoria 2025 del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio

Temporada:

Funciones: 27 de agosto al 12 de septiembre. Jueves a sábado 20:00 hrs.

Lugar: Teatro La Memoria (Bellavista 0503, Providencia).

Valores: $10.000 general, $5.000 estudiantes, adulto mayor, socios Red de Salas de Teatro y personas con discapacidad.

Entradas en https://ticketplus.cl/events/jamas-visto