El montaje dela premiada compañía de teatro popular chileno, basado en el suicidio de un trabajador ocurrido en una fábrica de golosinas en 2017, debió suspender su temporada debut en 2020 a causa de la crisis sanitaria. Ahora regresa en Teatro Sidarte para finalizar la Retrospectiva Ocaso Teatro, recuperando una creación que aborda el acoso laboral, la deshumanización del trabajo y sus devastadoras consecuencias a través del humor negro y una puesta delirante.
Lo que en 2020 alcanzó apenas a mostrarse ante el público antes de que el país entrara en confinamiento, hoy vuelve como si fuera un estreno. Corazón de chocolate. Crónica de un dulce suicidio, de Ocaso Teatro, regresa entre el 19 y el 22 de agosto a Teatro Sidarte para cerrar la Retrospectiva que la compañía ha desarrollado durante este año y, al mismo tiempo, saldar una deuda artística con una de sus creaciones más ambiciosas.
La pieza, escrita por David Gajardo y dirigida por Rodrigo Aro, nació inspirada en el caso ocurrido en 2017 al interior de una conocida fábrica chilena de caramelos, donde el suicidio de un trabajador y la muerte de un compañero pocas horas después conmocionaron al país y abrieron un debate sobre las condiciones laborales, el hostigamiento y el acoso en los espacios de trabajo.
Su estreno estaba programado para marzo de 2020. Sin embargo, la temporada debió interrumpirse abruptamente producto de la crisis que atravesó el país y el posterior cierre total de los teatros durante la pandemia, impidiendo que el montaje alcanzara el recorrido para el que fue concebido. Seis años después, la obra vuelve con una renovada puesta en escena y un contexto que resignifica sus preguntas sobre la violencia laboral, la salud mental y la precarización del trabajo.
"Esta obra siempre quedó con la sensación de una historia inconclusa. Alcanzó a encontrarse muy brevemente con el público y luego desapareció por razones completamente ajenas a lo artístico. Hoy sentimos que finalmente puede tener la temporada que merecía y dialogar con espectadores desde un escenario muy distinto, donde las discusiones sobre salud mental y condiciones laborales son incluso más urgentes", señala el dramaturgo David Gajardo.
Lejos de reconstruir literalmente el caso real, Corazón de chocolate imagina qué ocurre después de la tragedia. La protagonista es Ingrid, esposa del trabajador fallecido, quien regresa a la fábrica decidida a enfrentar un sistema que continúa funcionando como si nada hubiera ocurrido. Entre humor negro y una estética cargada de simbolismo, el montaje construye una ficción sobre el silencio, la culpa y la normalización de los abusos cotidianos.
"Habla de aquello que muchas veces permanece invisible: cómo un entorno laboral hostil destruye vínculos afectivos, deteriora la salud mental y termina afectando comunidades completas. Nos interesaba explorar esa violencia desde el teatro, pero también desde la ironía y el humor, porque allí aparecen contradicciones profundamente humanas", agrega el director Rodrigo Aro.
El reestreno marca además el cierre de la Retrospectiva Ocaso Teatro, ciclo que durante este año permitió reencontrarse con tres de los montajes más representativos de la compañía: La Pichanga, Chilenito y ahora Corazón de chocolate.
Con más de una década de trayectoria, Ocaso Teatro se ha consolidado como una de las compañías independientes que con mayor persistencia ha desarrollado una dramaturgia de creación propia, cruzando humor popular, música en vivo y una mirada crítica sobre conflictos sociales contemporáneos, desde la salud pública y la migración hasta la desigualdad y los abusos laborales.
www.ocasoteatro.cl
COORDENADAS CORAZÓN DE CHOCOLATE
19 al 22 agosto
miércoles a sábado, 19.30 h
Duración 70 min/ +12 años
miércoles y jueves popular: $3.000; viernes y sábado Paga lo que puedes: $8.000, $6.000, $4.000
Adaptando la célebre obra de Jaime Silva, con dirección artística de Nelda Muray, Carola Rebolledo y Carolina Araya, y financiamiento de Fondo Artes Escénicas 2026 del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio; La Dramática Nacional presenta, entre el 6 y 16 de agosto en Teatro Sidarte, su versión multidisciplinar de la ficción que ambienta la Biblia en el campo chileno, entre décimas y cueca chora.
Mezclando música en vivo, cantos, danza, teatro, proyecciones audiovisuales y un amplio dispositivo escénico donde 22 intérpretes – encabezados Braulio Martínez y el reconocido actor Hernán Vallejo, que con este montaje se integra a la compañía– dan vida a 68 personajes; la puesta combina tradición y contemporaneidad en un gran espectáculo que invita a reflexionar con humor sobre el poder, el país y la fe.
Uno de los textos más singulares del teatro chileno vuelve a los escenarios con una puesta en escena de gran formato. La Dramática Nacional estrena El evangelio según San Jaime (según La Dramática), el próximo jueves 6 de agosto en Teatro Sidarte. La nueva versión del clásico de Jaime Silva, cuenta con adaptación de Nelda Muray, codirección suya junto a Carolina Araya y Carola Rebolledo, además del financiamiento de Fondo de Artes Escénicas 2026 del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. "Más que una reposición, la propuesta constituye una relectura contemporánea de un autor fundamental cuya dramaturgia rara vez vuelve a escena debido a la complejidad de su montaje", explica Nelda Muray.
Fiel al sello multidisciplinario que la compañía ha desarrollado durante más de una década, la producción reúne 22 actores en escena –Hernán Vallejo, Braulio Martínez, Roberto Vallejos Cox, Carola Rebolledo González, Leonardo De Luca, Nelda Muray Prado, Carolina Araya Lucero, César Ramírez, Alejandra Pérez, Francisco Cuevas, Nicolás Camus, Karen Wilson, Camilo Leiva, Laura Hernández, Bruno Chelsi, Alexandra Cavieres, Javier Carrasco, Pablo Garcés, Cristián Hidalgo, Pedro Orellana y Pablo San Martín –para interpretar 68 personajes, integrando música en vivo, coros, proyecciones audiovisuales, danza, composición folclórica y un amplio dispositivo escénico.
"Es una ficción en la cual la Biblia –desde el Génesis hasta la Resurrección de Cristo–, ocurren en el campo chileno. Las figuras religiosas se transportan a los antiguos fundos en Chile. Dios es el patrón, los ángeles son campesinos y aparecen personajes propios de nuestra mitología, como la Muerte y el Diablo: la Pelá y el Cachulo… una sátira que, entre humor, décimas y música popular, cuestiona las relaciones de poder, la religión y el legado colonial desde una perspectiva profundamente chilena”, agrega Carolina Rebolledo.
Carolina Araya, en tanto, añade que el proyecto representa también una exploración de un territorio poco habitual para la agrupación. "Es una obra muy diferente a lo que hemos hecho tradicionalmente. Juega más con la fantasía y esperamos que sea muy entretenida. Es una comedia y una sátira que, a pesar de haberse escrito hace muchos años, sigue teniendo mucha vigencia y continúa siendo un espacio para interpelarnos como país", señala.
Aunque el tono difiere de las grandes tragedias históricas que caracterizan su repertorio, el montaje mantiene intacta la identidad estética que ha consolidado la compañía. "La mayor diferencia es el género. Estamos en una comedia satírica, pero sostenemos nuestra multidisciplinariedad de lenguajes: hay música en vivo, canciones corales, cine y 22 actores en escena. Eso mantiene el sello de la compañía", confirma Muray.
Con casi 40 artistas y creadores detrás de su realización, La Dramática Nacional continúa su trabajo de recuperación y reinterpretación del patrimonio dramatúrgico chileno. Tras montajes como Chañarcillo, La canción rota, Chiloé, cielos cubiertos y la reciente Fuerte Bulnes, la compañía vuelve a poner en valor un clásico nacional mediante un lenguaje escénico contemporáneo, visual y musical, pensado para acercarlas a las nuevas generaciones de espectadores.
A través de la ficción, la obra dialoga con temas que siguen presentes en la sociedad chilena. reflexiona sobre la construcción de los relatos religiosos, la figura del poder y la identidad nacional, sin renunciar al humor. "Se trata de un clásico que puede representarse en cualquier momento porque habla de la Biblia, de la religión y de Chile. Al ser una comedia satírica invita a reflexionar sobre los tiempos que vivimos y, al mismo tiempo, nos recuerda que también hace falta reírnos un rato", concluyen.
COORDENADAS El evangelio según San Jaime (según La Dramática) 6 al 15 de agosto jueves a sábado, 19.30 h, Duración: 1 h 45 min Edad recomendada: + 12 años *miércoles popular: 12 agosto, 19.30 h, $4.000 Gral. Sistema Paga lo que puedas: $4.000, $6.000 y $8.000 Gral. Teatro Sidarte (Ernesto Pinto Lagarrigue 131, Barrio Bellavista, Recoleta). Entradas por Ticketplus
Escrita y dirigida por Rodrigo Cabello Zárate, protagonizada por María José León, Christian Alveal y Rafael de la Reguera, la conmovedora puesta de Bitácora Teatro regresa desde el 16 de julio con sólo seis funciones en Teatro Sidarte, para revisitar las huellas emocionales que el estallido social y la pandemia dejaron en la vida privada de los chilenos.
El sábado 18 de julio la función culminará con un conversatorio abierto entre el director, el elenco y la psicóloga especialista en vínculos, Carolina Astudillo, profundizando en cómo los grandes acontecimientos colectivos transforman para siempre las relaciones afectivas. La puesta también suma dos presentaciones en Los ángeles, durante agosto.
¿Qué permanece después de una crisis colectiva? ¿Cómo sobreviven los vínculos cuando el mundo cambia para siempre? Son las preguntas que vuelven al escenario con Lo que queda del fuego, montaje de Bitácora Teatro Chile que, tras una destacada temporada en Matucana 100 durante 2025, regresa con sólo seis funciones entre este 16 y el 25 de julio en la Sala María Elena Duvauchelle de Teatro Sidarte.
Escrita y dirigida por Rodrigo Cabello Zárate, y protagonizada por María José León, Christian Alveal y Rafael de la Reguera, la obra revisita uno de los períodos más complejos de la historia reciente del país para explorar cómo el estallido social y la pandemia transformaron silenciosamente la intimidad de miles de personas.
"Nos preguntamos qué pasó con las parejas durante la pandemia. Algunas se fortalecieron, otras terminaron. Esa experiencia común nos permitió hablar de algo más profundo: de cómo los grandes acontecimientos históricos terminan modificando nuestros vínculos más íntimos", señala el dramaturgo y director.
Ambientada íntegramente en el departamento donde permanecen confinados Isabel y Salvador durante un toque de queda permanente, la puesta en escena convierte el espacio doméstico en una metáfora de un país fracturado, donde las discusiones cotidianas, los silencios y las culpas revelan heridas mucho más profundas que las provocadas por el aislamiento.
Como parte de esta nueva temporada, el sábado 18 de julio, el montaje ofrecerá el conversatorio Lo que queda del fuego: del escenario al vínculo, una instancia gratuita para quienes asistan a la función en la que participarán el director y el elenco junto a la psicóloga especializada en vínculos, Carolina Astudillo, quien moderará una conversación sobre las resonancias emocionales de la puesta y las formas en que los procesos sociales impactan las relaciones humanas.
La actividad busca extender la experiencia teatral más allá del escenario, invitando al público a reflexionar sobre temas como el duelo, el encierro, la convivencia, la memoria afectiva y las transformaciones que experimentaron las parejas y familias tras los acontecimientos vividos entre 2019 y 2021.
La propuesta forma parte de la Trilogía del Estallido Nacionalinvestigación escénica que Cabello desarrolla en torno a la memoria reciente, el amor y la reconstrucción social en Chile. Con una dramaturgia que combina momentos de humor, tensión y emoción, la obra ha sido reconocida por convertir una experiencia colectiva en una historia profundamente humana.
Bitácora Teatro Chile retoma así su trabajo creativo iniciado en 2024 como continuidad del histórico colectivo Teatro La Furia, consolidando una nueva etapa de investigación escénica centrada en la memoria, la identidad y las relaciones humanas.
COORDENADAS 16 al 25 julio jueves, viernes y sábado, 19.30 h Recomendada para +12 años Duración: 75 min Sistema Paga lo que puedas: viernes y sábado: $8.000, $10.000 / jueves popular: $6.000 Sala María Elena Duvauchelle, Teatro Sidarte Ernesto Pinto Lagarrigue 131, Barrio Bellavista; Recoleta, Stgo. https://ticketplus.cl/events/lo-que-queda-del-fuego-bitacora-teatro-chile
7 y 8 agosto viernes y sábado, 20 h Contagio Teatral, Bodega 44 Condell 420, Los Ángeles, Biobío. VIDEO
RESEÑA En medio de un toque de queda permanente, Isabel y Salvador se ven obligados a quedarse encerrados en su departamento. Entre discusiones, recuerdos y silencios, intentan reconstruir los restos de su relación mientras el país arde afuera. Lo íntimo se vuelve político y lo cotidiano, un espejo de una sociedad en crisis, hasta que una inesperada irrupción del exterior lo cambia todo. Lo que queda del fuego es una historia de amor, encierro y resistencia que transita entre el drama y la comedia, revelando las fisuras de una pareja y de un país que intenta recomenzar luego de un estallido social y una pandemia.
FICHA ARTÍSTICA Dramaturgia y dirección: Rodrigo Cabello Zárate/ Elenco: María José León Wichman, Christian Alveal, Rafael de la Reguera Onetto/ Asistencia de dirección, dirección de escena y tramoya: Sandra Barrera Mera/ Música original y operario de sonido en vivo: Rafael Pastene/Diseño de iluminación, montaje y operario de iluminación: Magdalena Arce Elton/ Prensa: Claudia Palominos/ Realización: Danny Raddatz / Fotografías: Paz Cepeda / Registro audiovisual: Ariel Velasco/ Diseño integral y Producción: Bitácora Teatro Chile
Con más de 14 años de trayectoria y miras al debut de su nueva obra, Matar al carnicero (noviembre 2026); Ocaso Teatro comienza la reposición de tres representativos montajes de su aplaudido trabajo. El lanzamiento será este miércoles 6 de mayo en Teatro Sidarte con el regreso de su exitosa comedia social sobre corrupción y crisis hospitalaria, La Pichanga (6-9 mayo), para seguir con Chilenito (1-4 julio) y Corazón de chocolate (19-22 agosto).
Consolidados ya en el teatro musical y familiar criollo –a través de títulos como El mote con huesillos, Los buscatesoros y Chile, memoria y presente –, por medio de esta retrospectiva y su próximo estreno, la agrupación liderada por el dramaturgo David Gajardo y el director Rodrigo Aro, busca potenciar esta línea creativa, manteniendo siempre su característico lenguaje que integra lo popular y contemporáneo con música en vivo, humor y reflexión.
Con el reestreno de La Pichanga, este miércoles 6 de mayo a las 19.30 h en la Sala María Elena Duvauchelle de Teatro Sidarte, se lanza la Retrospectiva Ocaso Teatro, que volverá a poner en escena tres de los montajes más representativos de su aplaudido trabajo con temática social: La Pichanga (6-9 mayo), Chilenito (1-4 julio) y Corazón de chocolate (19-22 agosto), como antesala del gran debut de su nueva creación, Matar al carnicero (noviembre 2026).
“Nace de una necesidad de mostrar nuestro trabajo y, al mismo tiempo, ver la evolución que ha tenido en todos estos años. Siempre con un mismo sello, una estética propia que tiene que ver con la dirección, la música en vivo y una dramaturgia que habla de códigos populares que están muy presentes en la identidad chilena”, explica David Gajardo Gumera, dramaturgo de Ocaso Teatro.
Consolidados ya en el teatro musical y familiar criollo –a través de títulos como El mote con huesillos, Los buscatesoros y Chile, memoria y presente –, por medio de esta retrospectiva y su próximo estreno, la agrupación recorrerá su desarrollo artístico y temático, desde el descontento social y político, pasando por la migración y la identidad, hasta el cuestionamiento de las condiciones laborales en Chile.
“Se instala como un archivo vivo de la última década en Chile. No se trata de una simple revisión cronológica, sino más bien de un mapa de conflictos que despliega preguntas bien directas: como qué cuerpos son escuchados, cómo se construye la identidad en medio del desplazamiento, qué memorias decide olvidar la sociedad. Al reunir estos hitos, el pasado reciente de alguna manera empieza a dialogar con las urgencias del presente”, agrega Rodrigo Aro, director de Ocaso Teatro.
Todo inicia con La Pichanga (2016), una delirante y ácida comedia política donde un grupo de pacientes de un hospital público decide secuestrar a la Selección Chilena de Fútbol para exigir justicia, proponiendo un partido simbólico contra el Parlamento. Inspirada en hechos reales, marcada por el humor y la música en vivo, instala una crítica directa al sistema público y la clase política.
Continúa con Chilenito (2017), montaje ganador del Premio Clap Atrápalo a Mejor Comedia, que aborda la migración desde una perspectiva íntima y profundamente humana. La historia sigue a un joven chileno con dificultades de aprendizaje que viaja al extranjero en busca de oportunidades, enfrentándose a la discriminación, el desarraigo y la búsqueda de identidad. Se consolida como un himno a la diferencia y a quienes no encajan en las estructuras tradicionales.
La tercera obra es Corazón de Chocolate. Crónica de un dulce suicidio (2020), una propuesta oscura y provocadora inspirada en un caso real ocurrido en una fábrica chilena de golosinas. A través del humor negro y una puesta en escena cargada de simbolismo, aborda el acoso laboral y la deshumanización del trabajo, revelando las tensiones y violencias invisibilizadas en el mundo laboral contemporáneo.
UNA COMPAÑÍA CON IDENTIDAD
Fundada en 2012, Ocaso Teatro se ha caracterizado por desarrollar un teatro de autoría propia, con un fuerte compromiso social y una poética que mezcla lo popular con lo contemporáneo. Sus montajes integran música en vivo, humor, crítica social y dispositivos escénicos diversos, generando una conexión directa con el público.
A lo largo de su trayectoria, ha logrado convocar a miles de espectadores, posicionándose como una voz relevante dentro del teatro chileno independiente, abordando temáticas urgentes como la desigualdad, la inclusión, la migración y los abusos estructurales. Esta retrospectiva no solo revisita sus obras más significativas, sino que también permite observar la evolución de su lenguaje escénico y su mirada sobre el país.
www.ocasoteatro.cl
COORDENADAS PICHANGA 6 al 9 de mayo miércoles a sábado, 19.30 h Duración 70 min Recomendada para T.E. +12 años Sistema Paga lo que puedes: $8.000, $6.000, $4.000 / miércoles popular: $3.000 Sala María Elena Duvauchelle, Teatro Sidarte Ernesto Pinto Lagarrigue 131, Barrio Bellavista; Recoleta https://ticketplus.cl/events/la-pichanga-ocaso-teatro
Tomando como inspiración al clásico de Federico García Lorca,
la tercera parte de la trilogía de Colectivo Proyecto (Puerperio), dirigida por Eliana Furman; dialoga con su universo poético desde una perspectiva biográfica y documental. Ahondando en uno de los territorios más complejos y silenciados de la experiencia femenina: la infertilidad, la obra protagonizada también por María Luisa Vergara y Casandra Day podrá verse entre el 6 y 22 de noviembre.
Tras el éxito de sus dos anteriores creaciones – (Puerperio) y (Neonatología) – que, luego de girar por Chile y el extranjero, ya han sido vistas por más de seis mil personas; esta última entrega pone fin a la triada que busca cuestionar la romantización de la maternidad. Tres mujeres comparten en escena sus historias en torno al deseo, la pérdida y la búsqueda de la maternidad, entrelazando sus relatos con cantos, imágenes y la resonancia de Lorca. Un duelo sin cuerpo donde lo íntimo se vuelve colectivo.
Tomando como inspiración a la clásica obra de Federico García Lorca, Yerma; Colectivo Proyecto (Puerperio) se dio a la tarea de llevar a escena la tercera parte de su trilogía de teatro biográfico y documental sobre los espacios menos visibilizados de la maternidad. Escrita y dirigida por Eliana Furman, protagonizada por Lorena Capetillo, María Luisa Vergara y Casandra Day; tras las exitosas (Puerperio) (2021) –que aborda el tránsito físico y emocional de las mujeres tras el parto–, (Neonatología) (2023) –centrada en experiencias extremas vividas en esta unidad hospitalaria–; el próximo miércoles 5 de noviembre se estrena (Yerma) en Teatro Sidarte.
“Es una obra biodramática, es decir, la dramaturgia se constituye en torno a las biografías de las personas, pero también incluye textos de Lorca, un escritor visionario que habló de este tema en los años 30’. Es una obra que se constituye entre lo documental y lo poético. En escena vamos a ver las historias de las propias actrices y de muchas mujeres que hemos entrevistado en este proceso de seis años que tiene el colectivo”, explica la directora.
Construida como un archivo vivo, tres mujeres en escena comparten sus historias en torno al deseo, la pérdida y la búsqueda de la maternidad. Una decidió adoptar, otra logró un embarazo tras múltiples tratamientos y otra los atravesó sin éxito, asumiendo el cambio radical que supuso aceptar que nunca será madre. Sus relatos se entrelazan con cantos, imágenes y la resonancia de Lorca, componiendo una dramaturgia coral donde lo íntimo se vuelve colectivo
“Es un viaje de tres mujeres que se ven enfrentadas al deseo de ser madre y no poder serlo y, más allá, de hablar de maternidad, de gestación extrauterina, de parto, de embarazo; es una obra que confronta muchísimo al deseo y no hablando desde un punto de vista esotérico o mágico, sino que es un tema tremendamente transversal: el sostener el deseo como una forma de vida, como sujeción de vida”, agrega Lorena Capetillo.
En escena, los cuerpos y las voces dan lugar a un duelo sin cuerpo: lo perdido, lo imposible y el deseo se hacen presentes como materia sensible. Esta noción dialoga con la memoria de Lorca, asesinado durante la Guerra Civil Española y cuyo cuerpo nunca fue encontrado. Su ausencia se enlaza con el vacío de los hijos que no llegan, con las gestaciones interrumpidas y con las maternidades que no pudieron realizarse.
“Permite adentrarnos en la búsqueda de tener un hijo o una hija, a través de los tratamientos de fertilidad: los controles, las hormonas, el loop que significa también, hay algo circular en eso que vuelve a empezar una y otra vez, que produce un desgaste muy importante en las mujeres que tienen que pasar por esa experiencia. Es una obra que profundiza en la experiencia humana y que, al mismo tiempo, genera un espacio más empático de encuentro para quienes
han vivido algo así”, añade María Luisa Vergara.
(Yerma) estará en cartelera hasta el 22 de noviembre en Teatro Sidarte y marca la tercera estación de la trilogía iniciada con (Puerperio) y continuada con (Neonatología). Con ella, el colectivo reafirma su compromiso con un teatro documental con perspectiva de género, que interpela, conmueve y convierte lo personal en un acto de memoria y emancipación colectiva.
COORDENADAS (YERMA) 5 al 22 de noviembre 2025 ju a sá, 19.30 h (el miércoles 5 es el estreno que será abierto a público) Duración: 60 min Recomendada para mayores de 14 años. Gral. Paga lo que puedas: $8.000- $10.000 - $12.000. Teatro Sidarte (Ernesto Pinto Lagarrigue 131, Barrio Bellavista, Recoleta). https://ticketplus.cl/events/yerma-proyecto-puerperio RESEÑA (YERMA) La nueva creación de Eliana Furman y el colectivo Proyecto (Puerperio) se adentra en uno de los territorios más complejos y silenciados de la experiencia femenina: la infertilidad. La obra toma como punto de inspiración Yerma de Federico García Lorca y dialoga con su universo, desde una propuesta documental y biográfica. Está construida como un archivo vivo: tres mujeres en escena comparten sus historias en torno al deseo, la pérdida y la búsqueda de la maternidad. Una decidió adoptar, otra logró un embarazo tras múltiples tratamientos y otra los atravesó sin éxito, asumiendo el cambio radical que supuso aceptar que nunca será madre. Sus relatos se entrelazan con cantos, imágenes y la resonancia de Lorca, componiendo una dramaturgia coral donde lo íntimo se vuelve colectivo. Esta producción marca la tercera estación de la trilogía iniciada con (Puerperio) y continuada con (Neonatología). Con ella, el colectivo reafirma su compromiso con un teatro documental con perspectiva de género, que interpela, conmueve y convierte lo personal en un acto de memoria y emancipación colectiva.
Este jueves 15 de mayo a las 19.30 horas se estrena en Teatro Sidarte la obra Atenea, escrita por el dramaturgo Tomás Henríquez y dirigida por Catarina Vásquez.
La obra muestra los testimonios de cinco estudiantes del Liceo Atenea de Conchalí quienes dan sus razones para justificar su inasistencia a la última presentación del taller del teatro al que asisten con regularidad.
Según Tomás Henríquez, dramaturgo de la obra, una de las principales motivaciones para la escritura de Atenea "nace de la necesidad de explorar en nuevos registros dramáticos, formas un poco más lúdicas que busquen producir sensaciones o emociones a las que no estaba acostumbrado. Y por eso trabajamos con música, canciones y coreografías. Buscando un contenido alegre y que no fuera explícitamente político. Luego nace desde mi propia experiencia como profesor. Y como ejercicio escritural sobre todo es la descripción de un paisaje, muy céntrico y marginal al mismo tiempo, que sobre todo me permitía imaginar. Porque si bien la obra parte de una experiencia real, aquí es todo ficción”.
Por su parte, Catarina Vásquez, directora del montaje comenta que: "esta obra surge a partir de la invitación de Tomás Henríquez y acepté porque se trataba de algo muy distinto a lo que él ha hecho hasta ahora y encuentro valioso salir de la zona de confort. Además, me pareció curioso que escribiera de las adolescencias de cinco chicas y eso se transformó también en una posibilidad de conectar con esa etapa de la vida y transformarla hacia el presente ficcionándola como una hubiese querido que fuera, una adolescencia menos adolecida y más expresada. La obra viene a ser una posibilidad de expresión y por ende de representación de adolescentes libres y dichosas en una ficción con miras a nuevas formas de relacionarnos defendiendo la prevalencia del amor.
Esta obra se vale de la ternura, el humor y la inocencia como lenguaje escénico. Sobre esto Vásquez comenta que: 'En una primera capa esta obra parece extremadamente superficial, pero eso es lo hermoso, porque ahí es donde hay una posibilidad. Yo defiendo lo girly, porque es un concepto que se asocia a lo femenino y luego no sé cómo salta a sinónimo de superficial. Eso me causa curiosidad y me gusta escudriñar en las capas a través de las que el concepto deriva a estos otros sinónimos y ahí es cuando aparecen las historias de estas cinco personajes".
En este montaje –que contó con la asistencia en voz de la destacada actriz Nicole Vial y asistencia coreográfica de la actriz y bailarina Camila Ortiz de Zárate, y el compositor musical Pablo Barbatto– las y los espectadores podrán disfrutar de las historias de Jade, Isidora, Marissa, Imiri y Raiatea quienes nos mostrarán el lado más escondido de las adolescencias.
Atenea tendrá su estreno el 15 de mayo a las 19.30 horas en Teatro Sidarte. Las funciones serán de jueves a sábado hasta el 24 del mismo mes.
Las entradas podrán ser adquiridas por ticketplus
Ficha artística:
Dirección: Catarina Vásquez| Dramaturgia: Tomás Henríquez| Asistente de dirección: Catalina Rozas| Elenco: Camila Oliva, Maite Pino, Yashira Zomosa, Sol Barrera y Tamara Herrera| Diseño integral: Amaranta González y Carla Alcántara| Coaching Vocal: Nicole Vial|Coreografías: Camila Ortiz de Zárate| Composición musical: Pablo Barbatto| Fotografías: Karen Saavedra
Coordenadas:
Funciones 15,16,17,22,23 y 24 de mayo
Funciones de jueves a sábado
19.30 horas
Teatro Sidarte, Erenesto Pinto Lagarrigue 131, Recoleta, Santiago.
%2001.17.12.png)
%2001.17.20.png)
%2001.17.28.png)
%2015.40.12.png)
%2015.40.25.png)
%2015.40.39.png)
