[Teatro] "MUTE": La obra que nos enfrenta al silencio (27 Mar al 5 Abril en GAM)

¿Por qué nos cuesta tanto convivir con el silencio? Esa es una de las preguntas que plantea al público “MUTE”, creación teatral que busca aproximarse al silencio y comprender la dificultad que tenemos como seres humanos para convivir con este fenómeno en un mundo saturado de voces.

Dirigida por Melchor Pino, la obra – que fue parte del ciclo Compañías Jóvenes de la Escuela de Teatro UC en 2025 – es una propuesta de Estudio Pecera que mezcla distintos lenguajes escénicos para incomodarnos y fascinarnos.

El montaje, interpretado por Jacinta Rodríguez (“El jardín de Olivia”), David Crovari, Ignacio Herrara, presenta el caso de un niño que de un día para otro se queda callado. En paralelo, hay perros que no dejan de ladrar, una niña que habla demasiado, un padre que ya no puede escuchar la voz de su hijo y un astronauta que sumerge su audición en el vacío del espacio.

Buscando encontrar una causa a su mutismo, una multitud de voces atravesará los cuerpos de los intérpretes, cada una con sus inquietudes y angustias alrededor de este suceso. Estas voces serán robadas, acopladas, y deformadas, se multiplicarán hasta convertirse en un ruido ensordecedor, y finalmente, desaparecerán en el silencio.

“Creo que es necesario reflexionar en torno al silencio y el espacio que éste ocupa en la sociedad contemporánea, porque los procesos de comunicación se encuentran hoy en día en un estado de saturación e hiperactividad que intervienen directamente en diversos acontecimientos, tanto políticos como sociales a los cuales hay que poner atención y reobservar de forma crítica”, explica Melchor Pino, director de la pieza. 

El artista agrega que “al desarrollar una puesta en escena que pone el foco en torno al silencio y su relación con el lenguaje y sus múltiples representaciones culturales, estamos generando la oportunidad de preguntarnos por nuevas dinámicas de escucha y generando nuevos enfoques desde el cuál pensar los fenómenos mencionados”.

“MUTE” es un experimento multimedial y sonoro que transita entre el silencio, el ruido y la palabra, que mira cómo nos relacionamos en un mundo en que la saturación de información de los medios de comunicación parece no dejar espacio al silencio.

27 Mar al 5 Abr

Vi a Sá— 19 h. Do— 17.30 h

Entradas en gam.cl

[Eventos] Estreno mundial: Ópera y electrónica desnudan a Gordon Matta-Clark

La “nueva ópera” inicia en GAM su temporada 2026 con “Splitting/Absence”, apuesta artística que entrelaza lírica, arquitectura y memoria contemporánea para indagar en la vida y el legado del artista norteamericano Gordon Matta-Clark (1943-1978). 

Hijo de los artistas Roberto Matta y Anne Clark, exploró diferentes modos de intervención arquitectónica en Nueva York. Él se consideraba un “anarquitecto”, un deconstructor y fue una figura fundamental del arte conceptual y la contracultura de los años 70. Fue reconocido por transformar la arquitectura en escultura a través de cortes radicales en edificios abandonados ("building cuts"), por su crítica al urbanismo, el capitalismo inmobiliario y la redefinición del espacio público y privado. Falleció a los 35 años de edad. 

Parte de su trayectoria es revisada en esta ópera, sexto trabajo en la lírica del compositor chileno Sokio, artista radicado en Nueva York considerado uno de los pioneros en la experimentación de la nueva ópera. Está estructurada en cinco secciones site-responsive, es decir, que dialogan con el lugar donde se estrena: Nueva York, Santiago, París, Génova y Chicago, ciudades donde Matta-Clark vivió y produjo diversas obras. 

El trabajo se plantea así como un proceso, por etapas, abierto a cada contexto de presentación. La sección “Nueva York” fue estrenada en 2025 en The Clemente Center y posteriormente presentada en The Metropolitan Museum of Art. Allí aborda obras importantes de Gordon Matta-Clark, como son la creación de “Food”, el restaurante que él hizo en Soho, “Splitting” y “Day’s end”, una intervención que hizo en un galpón en el río. 

Ahora se suma en GAM la parte "Santiago" como premier mundial, que aborda el viaje de Matta-Clark a Chile en 1971, su intervención “Claraboya” en el Museo Nacional de Bellas Artes y su intento de encontrarse con su padre, Roberto Matta, articulando una reflexión sobre origen, ausencia y memoria. 

"Splitting/Absence” propone una experiencia escénica que entrelaza ópera, instalación y performance, alejándose deliberadamente de las formas tradicionales del género. La obra establece una relación menos “sagrada” con la ópera, privilegiando la experimentación, la fisicalidad de la voz y una dramaturgia abierta, en sintonía con el carácter radical del trabajo de Matta-Clark. 

“Cuando empecé a investigar sobre Matta-Clark, me dio la oportunidad de entender que su trabajo no era solamente el acto del corte, sino que nos estaba ofreciendo la oportunidad de ver lo que hay más allá de ese material que él está abriendo. Cuando él corta una casa abandonada por la mitad, nos permite ver su interior e imaginar lo que ocurrió ahí dentro. Mi interés para hacer música y el mundo de la ópera, tiene que ver con poder crear oportunidades para otros artistas en espacios que a veces no han sido abiertos para ellos”, comenta el compositor, Sokio. 

En escena se muestran imágenes y videos de las principales obras del artista, textos de su autoría y poemas de la venezolana Natasha Tiniacos. Además, se presentan trece personas entre cantantes, músicos y performers. La ópera propone una experiencia escénica híbrida que combina voz, cuerpo, sonido, electroacústica y mapping. 

En esta presentación participa el cantante Gabriel Enrique Hernández, tenor puertorriqueño-estadounidense invitado especialmente a Chile para retomar el rol de Gordon Matta-Clark, personaje que ya ha interpretado previamente en Nueva York. 

El próximo 24 de marzo, en el programa GAM “Ventanal Alameda”, se realizará el conversatorio “Matta-Clark: El legado de la anarquitectura”. Moderados por el profesor y arquitecto Rodrigo Tisi, la instancia abordará la figura del artista con la participación de la neoyorkina Jessamyn Fiore, curadora, escritora y directora del patrimonio de Gordon Matta-Clark; y el propio compositor Sokio.

27 al 29 Mar
Vi a Sá — 19.30 h. Do— 16 h
Entradas en gam.cl

[Teatro] Reestreno de teatro: Un delirante viaje se transformará en Razones par no morir

Néstor Cantillana y Carla Casali protagonizan este montaje que mezcla humor ácido y horror a partir de dos textos del destacado dramaturgo nacional Jorge Díaz. 

“Razones para no morir”, una producción del Teatro Nacional Chileno dirigida por Cristián Marambio, tendrá solo cuatro funciones del 19 al 22 de marzo en GAM. 

Dos personajes muy distintos se encuentran en un viaje que explora la existencia humana, la memoria, la identidad y la resiliencia, mezclando drama y humor para invitar al público a reflexionar sobre la vida y la superación de adversidades personales y colectivas. 

“Razones para no morir” ensambla dos textos fundamentales de Jorge Díaz, uno de los dramaturgos más importantes de Chile, “Razón de ser” y “Amanda”. Cristián Marambio, director del montaje, construye una versión libre de estas dramaturgias, mezclando los hechos terribles que describe el primer texto, con el humor, la ironía y el amor del segundo. 

La obra presenta el viaje de autodescubrimiento que emprende el Hijo del Camionero, un hombre que al enterarse del oscuro secreto de su origen, emprende un viaje delirante en un intento por domesticar los fantasmas que se niegan a quedar en el pasado. Accidentalmente, aparece Amanda, una compañera de viaje que podría ofrecerle una nueva posibilidad frente al incierto mundo, pero con irónico sentido del humor. 

“Escribí ‘Razones para no morir’ mezclando a ambos personajes en un viaje que transita por el horror, el erotismo, la ternura, el amor y la memoria, posibilitando una reflexión acerca del Chile de hoy y de ayer”, comenta Marambio. 

En escena, Néstor Cantillana y Carla Casali sostienen el montaje con sólidas actuaciones alabadas por la crítica, que le significó a Cantillana el premio a Mejor Actuación del Círculo de Críticos 2025. 

“Es un texto súper delicado, profundo, en apariencia simple, pero tiene un trasfondo muy potente, no solo en lo político y en relación a la memoria, sino a las cosas simples y lindas de la vida”, cuenta Cantillana. 

En un comienzo, el protagonista se sumerge en un camino de venganza, pero en el transcurso de la historia, las contradicciones aparecen junto a los silencios de la dictadura, el peso de la herencia, la crudeza de una verdad revelada tarde y el amor que propone Amanda. 

Así la pieza confronta la tensión entre venganza y ternura, entre memoria y presente, mostrando cómo lo íntimo y lo político se entrelazan en la piel de una misma persona. Amanda, figura de amor inesperado, introduce la luz en un camino dominado por la oscuridad. Con humor ácido y poesía desgarrada, el texto oscila entre lo brutal y lo tierno. 

Las razones para no morir, según la obra, residen en el amor, la memoria, la conexión con otros y la capacidad de encontrar humor y significado incluso en la pérdida, usando la figura del Hijo del Camionero para representar estas luchas generacionales. Más que un drama personal, es una reflexión sobre Chile y sus heridas abiertas. Una invitación a mirarnos en ese espejo incómodo, pero necesario. 

El comentarista de teatro, Felipe de la Parra (La Nueva Mirada) asegura que “Marambio es un talentoso taumaturgo-dramaturgo, que saca conejos en pleno dolor y lo cambia por el desacato de la vida. El texto de la obra es notable. La nobleza de su revelación no necesita tener carnet de ningún partido. Las heridas quedan a la vista y la vida golpea a la puerta con ingenio y humanidad”. 

19 al 22 Mar 

Ju a Sá — 19.30 h. Do— 18.30 h 

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[Teatro] Concierto teatral en GAM: Almodóvar y sus divas regresan a la escena en marzo

Deseo, nostalgia y pasiones desbordadas irrumpen en “Quiero ser una chica Almodóvar”, un viaje escénico lleno de música que recrea en escena el inconfundible universo de las películas de Pedro Almodóvar. 

Con tintes surrealistas y kitsch, el montaje está compuesto por escenas independientes que conforman un relato hilvanado por recordadas canciones de las bandas sonoras de filmes como “Mujeres al borde de un ataque de nervios”, “Hablé con ella”, “¡Átame!” y “Tacones lejanos”. 

Las actrices Antonia Santa María, Elvira López y Dindi Jane, y el cantante e integrante de la obertura del último Festival de Viña del Mar, Enzo Ferrada, interpretan – en voz y actuación- una playlist infalible y reconocible por varias generaciones. 

“Piensa en mí” y “Un año de amor” de Luz Casal, “Lo dudo” de Los Panchos, “Luna de miel” de Mastretta y “Resistiré” del Dúo Dinámico son parte de una selección compuesta por 20 temas a cargo de una banda de músicos en vivo. 

Caracterizado con llamativos looks de los 80 y 90, el elenco da vida a cuatro mujeres distintas, pero con personalidades muy reconocibles, robándose las miradas del público al abrir sus corazones y mostrar sin pudor sus fortalezas, encantos, debilidades y contradicciones. 

El resultado es una propuesta que mezcla nostalgia, fiesta y humor negro, que expone los distintos roles femeninos, hablando de libertad, autonomía, experiencia, insatisfacción, intensidad, rabia y belleza, entre otros. 

La obra, escribió Culturizarte en su temporada de estreno en 2025, “es una invitación a disfrutar de un musical dinámico, lleno de emociones que no sólo honra al cine español, sino que también da un espacio para que la mujer chilena se sienta identificada con sus historias y frases”. 

Por su parte, Álvaro Viguera, su director, explica que la coproducción es un retazo musical y escénico del mundo almodovariano. Nos inspiramos libremente en ese ambiente de deseo, nostalgia y pasiones muchas veces descontroladas. No copiamos, realizamos una reinterpretación propia”. 

“Damos espacio y validez a los deseos de la diversidad de mujeres que existen en el mundo y elegimos hacerlo a través de estas representantes del cine de Almodóvar, porque tienen una libertad exquisita y un humor muy rico”, agrega Antonia Santa María, una de sus protagonistas.  

Para la actriz y cantante Elvira López, “la obra es una experiencia muy gozosa, de mucho juego, de mucho delirio también. Creo que es muy bonito poder diferenciar esos diferentes matices de las chicas de Almodóvar en toda su paleta de colores internos y también de colores musicales, emocionales, interpretativos. Es una súper buena oportunidad para el público de acercarse a estos formatos que transitan entre el teatro y la música”. 

"Esta obra tiene de todo. Tiene humor, música memorable, melodrama, nostalgia. Espero que el público cante, baile, lo pase bien, y que se vaya con el corazón lleno, con esta sensación que te dejan las películas de Almodóvar, de buscar la diferencia, la autenticidad en nosotros mismos y en el resto", comenta el actor y cantante, Enzo Ferrada. 

12 al 15 Mar Ju a Sá — 19.30 h. Do— 18.30 h 

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[Eventos] Exposición “La ronda infinita”: Gabriela Mistral a través de las artes visuales

La figura, legado y vigencia de Gabriela Mistral llega a GAM con “La ronda infinita”, exposición que busca celebrar los 80 años del premio Nobel de la poeta con una recopilación de obras de 28 artistas mujeres de distintas generaciones.

Organizada por el Ministerio de las Culturas y GAM, la exhibición presenta más de 50 obras que incluyen instalación, dibujos, videos, escultura, xilografía, artesanía, textil, cerámica, óleos, fotografía, tapiz, serigrafía, entre otras, creadas entre 1960 y 2025.

Curada por Josefina de la Maza, la muestra propone un diálogo contemporáneo con los temas que atraviesan la obra mistraliana: la relación profunda con la naturaleza, los cuidados, la pedagogía y la experiencia femenina. La muestra reivindica así estas temáticas presentes en sus obras “Ternura” (1924), “Poema de Chile” (1967) y “Grandeza de los oficios” (1979).

Entre las artistas destacan Elisa Balmaceda, Gracia Barrios, Carolina Bassi, Catalina Bauer, Roser Bru, Paulina Brugnoli, Paula Coñoepan, Paula Dittborn, Nury González, Laura Rodig, Cecilia Vicuña, entre otras. Las obras provienen de colecciones privadas y también de CNCA, Biblioteca Nacional, MNBA, MAC, Fundación Roser Bru y Museo Gabriela Mistral de Vicuña.

El nombre de la exposición proviene del verso “¿En dónde tejemos la ronda?”, donde Mistral imagina una ronda en que niñas, niños y naturaleza se enlazan en un gesto de confianza, comunidad y creación colectiva. La muestra retoma ese espíritu para iluminar su resonancia en un presente marcado por crisis ambientales y desigualdades. Desde allí, las obras reunidas invitan a pensar diversos futuros posibles.

“Estamos muy contentos de inaugurar esta muestra y cito a la propia curadora, que dice: ‘¿Cuántas gabrielas hay en Gabriela? ¿Cuántas versiones e imágenes pueden existir de una misma? Niña, joven, mujer, madre, amante, alumna, maestra, poeta, intelectual, diplomática’. Siempre pensamos que precisamente desde las artes visuales, se podía abordar todas estas múltiples gabrielas”, comentó el secretario ejecutivo de Artes de la Visualidad del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Alfonso Arenas.

La exposición invita a pensar y mirar a Mistral desde las artes visuales. No ilustra su vida y obra, sino que intenta hacer visibles algunas sensibilidades compartidas que aparecen en el trabajo de la poeta y en las obras de artistas mujeres de distintas épocas.

“Para GAM, Gabriela Mistral representa mucho más que un nombre: es un principio rector que guía nuestra visión cultural, educativa y social. Su legado como poeta, pensadora humanista, pedagoga y defensora de los pueblos latinoamericanos, inspira nuestro trabajo cotidiano y nuestra proyección futura. Ser el Centro Cultural Gabriela Mistral es una responsabilidad y una promesa. La promesa de seguir siendo un espacio donde la cultura se vive, donde el arte transforma y donde el pensamiento mistraliano sigue vivo, inspirando nuevas generaciones y nuevas formas de habitar el mundo”, señaló Alejandra Martí Olbrich, directora ejecutiva de GAM.

La exposición estará abierta hasta febrero de 2026 de martes a domingo de forma gratuita y contempla una serie de visitas mediadas (martes, jueves, sábado y domingo) y actividades paralelas de lectura.

Hasta 28 Feb 

Ma a Sá — 10 a 21 h. Do — 10 a 20 h 

Entrada liberada

[Eventos] Llega La Furia del Libro de Verano: cuatro días de literatura, invitados internacionales y más de 200 editoriales de Chile y el mundo

La Furia del Libro de Verano 2025 regresa entre el 18 y el 21 de diciembre al Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM) con una programación para lectores de todas las edades, visitas internacionales y nuevas alianzas que fortalecen su vocación de encuentro, de diversidad y circulación del libro independiente.

Consolidada como uno de los eventos literarios más importantes del país y el principal punto de encuentro de las editoriales independientes, en esta nueva versión La Furia inaugura una ampliación de su presencia en el GAM: tres plazas de stands, tres espacios de actividades, y una asociación con el gremio gastronómico de Lastarria para descuentos para el público y los expositores. 

En esta edición se integran 70 expositores más que en la versión pasada de La Furia del Libro de Verano, sumando un total de 223 editoriales; 54 provenientes de regiones y 33 extranjeras. Se desarrollarán más de 80 conversatorios, lanzamientos y actividades en tres espacios que funcionarán en simultáneo: la Sala C1, la Sala C2 y el escenario principal. 

Este año, el evento suma colaboraciones con instituciones culturales y medios que enriquecerán la agenda de conversatorios, lanzamientos y talleres. El Centro Cultural de España en Chile (CCE), junto a la Embajada de España y la revista Cuadernos Hispanoamericanos, traerán a autores internacionales; Hernán Ronsino (Argentina), Santiago Wills (Colombia), Elvira Navarro (España) y Romina Paola (Argentina), quienes junto a Javier Serena, director de Cuadernos, realizarán actividades tanto en el CCE como en La Furia del Libro. Desde Uruguay, la presencia de Yanina Vidal y Damián González Bertolino, gestionados por Libros del Amanecer con el apoyo de la Embajada de Uruguay, aportará nuevas miradas al panorama literario regional.

La feria también será sede de la premiación de la segunda versión del Premio de Crónicas Inéditas en Español “Nuevas Plumas Chile”, un hito que reafirma el compromiso de La Furia con las nuevas voces del género. Asimismo, CIPER Chile participará con un conversatorio dedicado a analizar la crisis en el Poder Judicial a partir de la denominada “trama bielorrusa”.

Algunas de las autoras y autores internacionales presentes realizarán actividades adicionales en las librerías Proyección e Inquieta, ampliando la experiencia literaria fuera del recinto ferial. 

Actividades destacadas

La programación comenzará el jueves 18 con el conversatorio Batalla cultural, un encuentro que reunirá a Mono González, Jaime Bassa y Caiozzama, creador de la imagen gráfica de esta edición, en la Sala C1 a las 18:00 horas. Este diálogo abrirá la feria abordando las tensiones actuales entre arte, política y espacio público.

El viernes 19 continuará con uno de los encuentros más esperados: Arqueologías futuras, que reunirá a Hernán Ronsino, Santiago Wills, Romina Paula, Elvira Navarro, Diego Zúñiga, Álvaro Bisama, Nona Fernández y Alejandra Costamagna, con la moderación de Javier Serena, director de Cuadernos Hispanoamericanos, a las 18:00 horas. Más tarde, a las 19:00, el Escenario Furia acogerá Cruces y territorios: tres voces uruguayas publicadas en Chile, con Yanina Vidal, Rafaela Lahore y Damián González Bertolino. Ese mismo día, el equipo de CIPER Chile presentará un análisis en vivo de la llamada “trama bielorrusa” y su impacto en la crisis del Poder Judicial, en un conversatorio con Catalina Olate y Benjamín Miranda, moderado por Freddy Stock.

El sábado 20, la mañana dará espacio al público familiar con el Lanzamiento–Taller de la Serie Petit, un cómic para primeros lectores presentado por Paloma Valdivia, Mónica Bombal y Bernardita Ojeda en la Sala C1 a las 15:00 horas. Durante la tarde se realizará el lanzamiento de ¿Quién mató a Gaete?, de Cristofer Rodríguez, acompañado por Mauricio Redolés, Ángelo Pierattini y Pamela Flores (Floresalegría), actividad que incluirá un bloque musical acústico en homenaje a los 50 años de trayectoria de Redolés. Más adelante, el Escenario Furia recibirá el conversatorio Cánon imposible, con Santiago Wills, Marina Berri, Elvira Navarro y Javier Serena, moderados por Lorena Amaro, un espacio para pensar los límites y tensiones del canon literario contemporáneo. Ese mismo día, a las 18:00 horas en la Sala C1, se presentará además el Premio Nuevas Plumas 2025, de la mano de Juan Pablo Meneses y Claudio Broitman.

El domingo 21 comenzará con una actividad infantil a las 11:00 horas en el Espacio Lector, donde Sol Undurraga presentará El Zorro Chuleta. La jornada cerrará con un tono reflexivo y comunitario: a las 18:00 horas, la Sala C1 recibirá el conversatorio Crónicas, con la participación de Nona Fernández, Alejandra Costamagna, Alfonso Zuriaga y Javier Serena, moderados por Galo Ghigliotto. Finalmente, desde las 19:00 hasta las 20:30 horas, el Escenario Furia se abrirá a la tradicional Lectura Furiosa, el histórico micrófono abierto que invita al público a compartir sus propios textos y que se ha convertido en uno de los momentos más significativos y emocionantes de cada edición.

Con entrada liberada, La Furia del Libro invita a disfrutar cuatro días de literatura, pensamiento crítico, actividades para todas las edades y celebración de la bibliodiversidad en el corazón de Santiago.

Dónde: Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM)

Cuándo: 18 al 21 de diciembre

Horarios:

• Jueves 18 y viernes 19 · 16:00–21:00 h
• Sábado 20 y domingo 21 · 11:00–21:00 h

Programa completo: lafuriadellibro.com

[Teatro] Montaje internacional llega a GAM: CUERPOS DERRIBAN FRONTERAS DANZANDO

Dos cuerpos anónimos se dan cita en escena, caminando y danzando en distintas direcciones, según la intensidad de lo sonoro. Están descubriendo su lugar. Parecen estar en tránsito, decidiendo si se quedan o se van. Son identidades transformándose. 

Esta es parte de la experiencia que entrega al público “Imaginario corporal: Efecto migratorio”, pieza de danza de la compañía española La Turba que articula identidad y migración, con el cuerpo como biografía hecha de dos culturas: origen y acogida. 

El montaje surge del encuentro entre los artistas Carlota Berzal (España) y Cristóbal Santa María Cea (Chile), quienes confluyen desde experiencias derivadas de la movilidad en diversos territorios y se dan cita en esta obra para indagar una propuesta coreográfica acorde a las problemáticas contemporáneas. 

El resultado es una propuesta escénica que rescata lo extraño y lo deforme, como mixtura entre ambas corporalidades, generando una convivencia artística desde la diversidad para encarnar un nuevo estado corporal. 

Bajo la dirección coreográfica de la destacada artista brasileña Poliana Lima y con la dramaturgia del artista mexicano Ricardo Mena Rosado, la obra ofrece una reflexión sobre la permeabilidad de los países, los cuerpos y las ideas, construyendo un territorio invisible. 

“En un mundo saturado de estímulos, migraciones y desigualdades, resulta urgente encontrar lenguajes escénicos que permitan detenerse, escuchar y mirar de otro modo. La obra no pretende ser panfletaria, pero tampoco indiferente: habla de los procesos migratorios, de la discriminación, de la fragilidad de la identidad y de la densidad de la vida contemporánea. Su fuerza radica en abrir un espacio estético donde lo íntimo y lo político se cruzan, invitando a repensar cómo habitamos nuestros cuerpos y nuestras sociedades”, explica Cristóbal Santa María Cea, uno de sus intérpretes. 

En la pieza, recursos sonoros, visuales, corporales y textuales crean una especie de collage vivo que cuestiona la vorágine de los tiempos que hoy corren. Voces, archivos y música tradicional de España y Chile se mezclan con gestos y acciones que emergen de la investigación coreográfica y de la memoria biográfica, invocando símbolos que resquebrajan el concepto de identidad. 

“La apuesta ha sido sostener un lenguaje poético y simbólico que invite a cada espectador a activar su propio imaginario. Aquí el reto ha sido radicalizar la dimensión corporal y sonora, generando un dispositivo escénico que opera más como experiencia que como relato lineal”, adelanta Santa María Cea. 

El artista agrega que “el mayor desafío es construir una pieza que sea sensible y abierta para todo tipo de público, evitando el riesgo de un hermetismo que la vuelva inaccesible, pero también sin caer en una excesiva pedagogía”. 

20 al 30 Nov 2025 

Ju a Do— 19 h 

Gam.cl

[Teatro] "Honor": Amor, lealtad e igualdad de género se enfrentan cara a cara (Estreno en GAM)

Estrenada en 1995 en Melbourne, “Honor” es uno de los textos más exitosos de Joanna Murray–Smith, una de las dramaturgas contemporáneas más reconocidas de Australia. La obra se ha representado en más de 30 países y en la adaptación que tuvo en Broadway, en 1998, contó con la tres veces nominada a los Premios Oscar, la actriz Laura Linney, en uno de sus roles principales.

Su versión en las tablas locales es una producción del Centro para las Artes Zoco que llega a GAM bajo la dirección de Jesús Urqueta, quien pone en escena un drama emocional que mezcla humor y una lectura feminista. 

Se trata de un drama familiar marcado por la infidelidad y la crisis de identidad, y que explora temas como el amor, la lealtad y el empoderamiento de la mujer, a a través de sus cuatro personajes –Solange Lackington, Bastián Bodenhöfer, Magdalena Müller y Octavia Bernasconi.

En escena, Honor (Lackington) y George (Bodenhöfer) llevan 32 años de matrimonio. Ella es una exitosa escritora, y él, un reputado columnista. Se entienden perfectamente y todo anda bien entre ambos, hasta que un día él le anuncia que va a dejarla por Claudia (Müller), una mujer más joven.

Casi 20 años después de su debut mundial, la pieza sigue ofreciendo una reflexión potente sobre el deseo, la fidelidad, el paso del tiempo y el papel que históricamente ha jugado la mujer en las relaciones de pareja.

“La obra tensiona conceptos desde la experiencia íntima de una pareja de muchos años enfrentada a una ruptura inesperada. En un presente donde las certezas se han vuelto frágiles y los modelos tradicionales de amor están en crisis, me parece urgente poner en escena esas preguntas sin buscar respuestas, sino más bien abriendo un espacio de incomodidad, duda y sensibilidad”, reflexiona Jesús Urqueta, su director.

“Honor” enfrenta al público a grandes cuestionamientos de todos los tiempos, como lo son la ética y la crisis de la edad, abordando también debates actuales como la postergación femenina en pos de los proyectos del hombre y la sororidad de género. Ésta última está proyectada en los personajes de la esposa y la amante.

“La obra igualmente se trata de cómo una mujer joven le dice a una más adulta ‘yo estoy dignificando tu sacrificio’. Pero resulta que la mujer adulta le dice ‘mira qué curioso, o sea, que me quitas a mi marido y dices que estás de mi lado’. Y entonces, ¿de qué respeto o de qué sororidad estamos hablando? ¿Hasta qué punto y cuáles son los límites de eso? Porque uno dice ‘la culpa es del hombre’, pero la culpa es de dos”, relata Solange Lackington (radio U Chile).

“Urqueta explica que éste es un texto universal. “Uno se enfrenta a un texto que plantea una confrontación de complejidades entre seres humanos que a la vez es muy accesible al espectador, porque fácilmente puede llegar a sentirse identificado”, asegura. “El público será testigo de un vínculo que se transforma —y quizás, en ese proceso, pueda también confrontar sus propias formas de amar”, concluye.

[Teatro] "Fueguinas" en Gam: Reconocida bailaora chilena estrena obra – homenaje a mujeres Selknam y Mapuche

Natalia García Huidobro crea, dirige e interpreta su nuevo montaje que mezcla danza, teatro y música para reconocer el mundo femenino de los pueblos originarios y su importancia en la historia de Chile. Con coreodramaturgia de Pablo Zamorano y dramaturgia de Isidora Stevenson, seis intérpretes son guiadas por la inspiración de la mujer selknam, Lola Kiepja, y los cantos de la Premio Nacional de Música, Elisa Avendaño Curaqueo –presente en escena– en una ceremonia que narra un gran ejercicio de imaginación, reflexión y preguntas sobre el tema. 

Financiado por el Fondo de las Artes Escénicas 2025 del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, el proyecto escenificado por las cantantes, actrices y bailarinas Marcela Millie, Noelia Coñuenao, Gabriela Arancibia, Ely Ocaña, Elisa Avendaño Curaqueo y la propia Natalia García-Huidobro, se sumerge en la cosmovisión femenina de los pueblos mapuche y selknam para honrar a su sociedad matriarcal, planteando esa ausencia como la invisibilización de todas las mujeres a lo largo del tiempo. 

“Es una pieza escénica que nace de la investigación de los pueblos originarios, de las mujeres sobre todo y de su ausencia en el relato histórico. La obra se inspira en la voz de Lola Kiepja, mujer selknam y los cantos de Elisa Avendaño Curaqueo, Premio Nacional de Música. Ambas guían una ceremonia donde el cuerpo, la palabra, el sonido, el diseño, se encuentran para hablar de identidad, ausencia y resistencia. Más que representar una historia, Fueguinas busca activar una memoria, reconocer las voces que aún habitan en los territorios y reflexionar sobre el lugar que ocupamos en esa continuidad”. 

Así describe la reconocida bailaora nacional, Natalia García Huidobro, a su más reciente creación, Fueguinas que, bajo su dirección, coreodramaturgia de Pablo Zamorano, dramaturgia de Isidora Stevenson e interpretación de Marcela Millie, Noelia Coñuenao, Gabriela Arancibia, Ely Ocaña, Elisa Avendaño Curaqueo y la propia Natalia García-Huidobro; estrena el próximo jueves 13 de noviembre en la Sala A 2 de GAM; gracias al financiamiento del Fondo de las Artes Escénicas 2025 del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. 

“Una puesta que atraviesa distintos lenguajes escénicos, como la danza, el teatro, la música. Seis intérpretes construyen un paisaje, un cuerpo, una voz para narrar este gran ejercicio de imaginación, reflexión y preguntas que nos hacemos nosotras también. Es una experiencia artística muy visual, muy sonora, muy ceremonial. Una invitación a reflexionar sobre estos temas y cómo nos relacionamos con ellos”, agrega. 

Honrando a las comunidades indígenas sobrevivientes e integrando cultura, espiritualidad, saberes ancestrales, ceremonias y lenguajes contemporáneos, el montaje que cuenta, además, con diseño integral de Cristián Reyes, sonoro de Gonzalo Rodríguez y Francisco Infante, y de vestuario de Daniel Bagnara; abre conversaciones urgentes sobre el respeto, la reciprocidad y la interdependencia entre las personas y la Madre Tierra. 

“Fueguinas nos recuerda que la memoria no pertenece sólo al pasado. Habla de las comunidades, de los pueblos, de las mujeres que siguen presentes, de los saberes que nos sostienen y del vínculo que hemos perdido con la tierra, esta historia y este territorio. Es un momento en que necesitamos volver a mirar estos orígenes. Es totalmente fundamental para sanar la historia de Chile”, concluye.

www.gam.cl

COORDENADAS FUEGUINAS

Duración: 50 min

Recomendada para todo espectador +14

Esta obra presenta oscuridad total por largo tiempo, audiodescripción en español, humo y/o polvo en suspensión.

13 al 22 de noviembre

jueves a sábado, 19.30 h

$8.000 Gral. $5.200 estudiantes, personas mayores, cuidadoras y con discapacidad. $4.800 Jueves de Danza.

Sala A2, GAM

Alameda Bernardo O´Higgins 277, Stgo.

https://gam.ticketplus.cl/events/fueguinas

[Teatro] Almodóvar llega a GAM con concierto teatral y el glamour de sus mujeres

El inconfundible universo de las películas de Pedro Almodóvar, con su humor ácido, toques surrealistas y kitsch, irrumpen en escena en “Quiero ser una chica Almodóvar”, montaje donde las mujeres se roban las miradas y reina la pasión. 

Se trata de una propuesta teatral y musical que mezcla nostalgia y fiesta, con un repertorio de canciones que incluye muchos de los éxitos de la filmografía del afamado director de “Mujeres al borde de un ataque de nervios”, “Hable con ella”, “¡Átame!” y “Tacones lejanos”, entre otras.

Las actrices Antonia Santa María, Dindi Jane, y Elvira López Alfonso y el artista finalista de The Voice Chile (2022) Enzo Ferrada, son quienes interpretan –en voz y actuación– una playlist infalible y que forma parte de la banda sonora de varias generaciones. 

“Piensa en mí” y “Un año de amor” de Luz Casal, “La llorona” popularizada por Chavela Vargas, “Lo dudo” de Los Panchos, “Luna de miel” de Julieta Venegas” y “Resistiré” del Dúo Dinámico, son parte de una selección compuesta por 20 temas que son interpretados en vivo y con una banda de músicos.

La idea de llevar al teatro el cine de Almodóvar surgió de la dupla compuesta por el director Álvaro Viguera y la actriz y productora Antonia Santa María (La Santa). “Quisimos rescatar las canciones más emblemáticas de su filmografía que interpelan a toda una generación que vio en él, un referente que quebró los lugares comunes de los lazos interpersonales y que a través de esa acción pudo mostrar personajes muchas veces invisibilizados dentro de la sociedad española”, explica Viguera.

“La obra es un retazo musical y escénico del mundo almodovariano. Nos inspiramos libremente en ese ambiente de deseo, nostalgia y pasiones muchas veces descontroladas. No copiamos, realizamos una reinterpretación propia”, asegura el director.

El espectáculo, lleno de colores y con un diseño integral sugerente, no sólo es un recorrido por la música de las películas del español, sino también un tributo a las míticas chicas de Almodóvar, a esas mujeres sin complejos, que están siempre al borde de partir o de quedarse, que encuentran en la música su refugio, su escape y su verdad más profunda. 

“Somos cuatro mujeres en diferentes situaciones. Yo, por ejemplo, interpreto a la mujer enamorada, abandonada, deseando lograr el amor tanto de un hombre como el de su madre”, adelanta Antonia Santa María, quien además cuenta que el resto del elenco encarnan otros roles que hablan de libertad, autonomía, experiencia, insatisfacción, intensidad, rabia, belleza, etc. 

Las protagonistas son personajes apasionadas, intensas, en busca de aventuras, libertad y amor. En suma, son el reflejo de historias que arrastran humanidad, rasgos característicos en las películas de Almodóvar.

“Damos espacio y validez a los deseos de la diversidad de mujeres que existen en el mundo y elegimos hacerlo a través de estas representantes del cine de Almodóvar, porque tienen una libertad exquisita y un humor muy rico”, profundiza Santa María.

Para la actriz, el español es “un tremendo referente no solo en el mundo del cine, sino que también a nivel estético y de discurso. En tiempos donde quizás era todo más convencional se atrevió a poner a mujeres particulares en sus historias. Sus películas son una maravilla, con textos preciosos y profundos, algunos de ellos los estamos rescatando en este espectáculo”.

23 al 26 Oct

Ju, Sá y Do— 19.30 h. Vi— 19 h
Entradas en gam.cl

[Música] Del Barroco al rock: GAM florece con conciertos para todos los gustos en septiembre

Entre clásicos y hits noventeros, diversas bandas, ensambles, solistas, cuartetos y proyectos musicales chilenos se tomarán la cartelera desde el 4 de septiembre el GAM. Conciertos, residencias, lanzamientos de EP e invitados internacionales marcarán la pauta de este mes en el centro cultural. 

Por primera vez llega la Orquesta Solístico de Santiago haciendo una residencia de ensamble en GAM con un ciclo de música barroca. La primera sesión será el 4 de septiembre junto a Ana Liz Ojeda, violinista de trayectoria internacional, interpretando obras emblemáticas del compositor italiano Antonio Vivaldi como “Las cuatro estaciones”. El ensamble está integrado por músicos de la Orquesta Filarmónica de Santiago y buscan acercar las obras universales a diversos públicos. 

Los Santos Dumont celebrarán los 30 años de su afamado disco debut "Un día en el ático (y lo que encontramos ahí)" en un concierto el 5 de septiembre. Por primera vez en su carrera, la banda ícono del rock penquista interpretará el disco completo, marcado por canciones psicodélicas y de fuerte influencia británica. Serán acompañados por el músico Carlos Cabezas y teloneados por la banda santiaguina Kaleidoscopio. 

Luego será el turno del rap, hip hop y folk en un espectáculo que celebra la diversidad cultural iberoamericana. Cuatro artistas se reúnen en la Residencia Trenzando, que busca visibilizar el trabajo de músicos emergentes de zonas urbano-rurales. Sobre el escenario se presentarán el 6 de septiembre los músicos chilenos Treko EKZ (Alonso Cepeda) y Proverbio (Juan Enrique Muñoz), el dúo español Las Nietas del Charli (María y Raquel Rubio) y, como invitado especial, el reconocido artista nacional Bronko Yotte. 

Una noche de música y poesía prometen Nata Cortés y Santiago Valenzuela con el lanzamiento en vivo de su EP “Canto de helechos”, álbum de poemas de autoras chilenas musicalizados a partir de improvisaciones. El disco cuenta con poemas de Elvira Hernández, Daniela Catrileo, Nadia Prado, Victoria Ramírez, Leonor Olmos y Angélica Panes. Un concierto íntimo y a la vez colectivo y sensible que se realizará el 7 de septiembre. 

El 12 de septiembre estará en cartelera el proyecto musical Estela Ríos. Tras una residencia creativa en el Estudio de grabación de GAM, los músicos de la escena independiente nacional Carla Bolgeri, Francisco Marín (Bolgeri-Marín), Tiare Galaz (Niña Tormenta) y Álvaro Solar (Protistas) se unen en este proyecto de improvisación y creatividad musical que tendrá su primera apertura de proceso en este concierto único e irrepetible. 

El XXV Festival Internacional de Música Contemporánea de la Universidad de Chile llegará con dos novedosas jornadas musicales. Se presentarán las intérpretes del Cuarteto Vila con música de Pedro Humberto Allende, María José Valenzuela, Alfred Schnittke y Diego Newen González. Además, el Cuarteto de Saxofones Oriente interpretará obras del argentino Marcos Franciosi y el pianista griego Ermis Theodorakis, ofrecerá un repertorio de Arnold Schönberg, Luciano Berio e Iannis Xenakis. 

La música de cámara llegará de la mano del Instituto de Música UC el 24 de septiembre. Las profesoras Tiffany Tieu y Eun Seong Hong ofrecerán cuatro estrenos con música contemporánea asiática de los compositores Tan Dun, Eunike Tanzil, Isang Yung, He Zhanhao y Chen Gang. 

Y para finalizar un clásico septiembre musical, no podía faltar toda la chilenidad con una nueva edición del 18 chico en GAM que pronto lanzará su line up.

4 Sep - Orquesta Solístico de Santiago
5 Sep - Los Santos Dumont
6 Sep - Residencia Trenzando
7 Sep - Nata Cortés y Santiago Valenzuela
9 y 10 Sep - Festival Internacional de Música Contemporánea
12 Sep - Estela Ríos
24 Sep - IMUC

[Teatro] Danza en GAM: Cuerpos trans luchan por la diversidad danzando

La compañía Danza Jam presenta “Trans/fusión”, la primera obra chilena de danza protagonizada por un elenco de artistas escénicos trans y no binaries. La creación es el resultado de una década de investigación y evidencia la lucha de la comunidad LGBTIQ. 

En escena, seis cuerpos, voces, testimonios y silencios comparten un ring de boxeo para transformarlo en un espacio de refugio y victorias. En el cubo, los intérpretes pierden, se buscan y se contienen bailando. 

Así, dan la pelea ante las adversidades que implica el transitar en un mundo que los mira distinto. De esta manera intentan reflejar el estado de defensa continua que les genera vivir en una sociedad que persigue y discrimina. 

Basándose en testimonios recolectados y el de sus propios protagonistas, el montaje - ganador del Fondo de Artes Escénicas 2021 - mezcla biodrama, dramaturgia de autoficción, danza contemporánea y espectáculo. 

La pieza, como cuenta Jenniffer Alegría, su directora, “nace hace 10 años con el fin de visibilizar un cuerpo trans en tránsito, pero en esa época no pudimos realizarla con intérpretes trans, era otro Chile”. 

A través del lenguaje corporal, el movimiento da vida a confesiones biográficas lineales que se van develando poco a poco, invitando al público a completar y descubrir el puzzle sugerido en escena. 

“El desafío en particular es mostrar diversos cuerpos, exhibir una obra que sale de lo hegemónico y que busca presentar nuevas formas, a través de la temática, pero también del lenguaje, ya que la obra es una mezcla interesante de danza contemporánea, danza espectáculo y teatro”, dice Alegría. 

Según la artista, el público “verá cuerpos entregados a su historia, sus huellas, sus lágrimas y sus sacrificios, verá contención. Se conmoverá, sin duda reflexionará y se preguntará qué papel está jugando en esta sociedad con tanta desigualdad hacia las personas trans. Y también la disfrutará, verá a artistas de tremenda calidad”. 

La sensibilidad de su propuesta y su calidad artística, le valieron “Trans/fusión” el reconocimiento del Círculo de Críticos de Arte a la Mejor Creación de Danza Contemporánea 2023. 

“Coreográfica o artísticamente es un trabajo depurado, analítico y bien planteado, mezcla de danza contemporánea, espectáculo y performance. En este escenario no se baila, se divulga el alma, el cuerpo, se desangra en cada segundo, como si fuera la última oportunidad para decir, este es mi mensaje, este soy yo”, escribió César Sepúlveda (El Malón del Arte). 

5 al 14 Jun 

Ju a Sá — 19 h