[Teatro] Velocirraptors: Mujeres mayores lideran una revolución en un supermercado mayorista en nueva obra en GAM

Tres mujeres mayores observan un eclipse. La energía del momento las impulsa a iniciar una revolución y a liderar una revuelta en un supermercado mayorista. Ahí se organizan, discuten, y también sueñan un mundo diferente que las incluya. A ellas y a todas las mujeres, sin importar su edad. 

En clave de comedia negra, Velocirraptors aborda la vejez, el rol de la mujer y los cambios sociales que, con un espíritu lúdico y transgresor, pone en cuestión los estereotipos sobre lo que significa envejecer en un país como el nuestro.

Este montaje es un proyecto financiado por el Fondo Nacional de Fomento y Desarrollo de las Artes Escénicas, convocatoria 2025, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. 

Escrita y dirigida por Andrea Franco (Mutilados, Boca Abajo), la obra surge del interés de la autora por explorar la situación, muchas veces precaria, en que viven las mujeres mayores. “Fue una época en la que vi varios casos en prensa sobre mujeres mayores abandonadas por sus familias. Pensé que había muy pocas obras sobre personas mayores, y mucho menos sobre mujeres, sobre todo con perspectiva de género. ¿Qué rol han jugado las mujeres más viejas? Hay una historia que las deja de ver cuando ya son mayores, como si nunca hubieran sido partícipes de los espacios políticos”, explica la dramaturga.

En el supermercado, “las viejas” -encarnadas por Andrea García-Huidobro, Andrea Ubal y Gabriela Aguilera- hacen asambleas y lives en redes sociales para invitar a otras mujeres a sumarse a su revolución. Desde un lugar lúdico, los personajes llevan al límite los estereotipos que tenemos sobre la vejez. “Las actrices son más jóvenes que las mujeres que interpretan. Me pareció importante hablar de la vejez, pero más que eso, sobre la representación de la mujer. Y cómo las mismas mujeres contribuimos a eso”, comenta Franco. 

El título de la obra hace alusión al término utilizado en redes sociales para referirse a las mujeres que, una vez abiertas las puertas del metro, corrían por un asiento. “Dentro de esto está la idea de que si las mujeres viejas son “choras”, también es visto como un problema. ¿Por qué una mujer mayor no puede exigir su asiento? Ahí hay algo distorsionado a nivel de imágenes y de representación”, agrega la directora. 

Al ritmo de la cumbia psicodélica, el trap, y un universo sonoro a cargo del destacado músico Cuti Aste, Velocirraptors es una propuesta actual que explora la marginalidad, la precariedad económica y la soledad, pero también la fuerza de la lucha colectiva y la necesidad de un feminismo que no deje a nadie fuera por su edad. 

La obra tendrá su estreno en GAM, con funciones del 26 de junio al 12 de julio, viernes y sábado 20:30 hrs y domingo 18:30 hrs.

Taller de dramaturgia colaborativa para personas mayores

En el marco del estreno de Velocirraptors, la dramaturga y directora Andrea Franco realizará el taller “Memorias en comunidad: dramaturgia colaborativa a partir de archivos personales”, dirigido a personas mayores interesadas en participar de un espacio de encuentro donde las experiencias individuales puedan transformarse en memoria compartida y reflexión sobre la vida comunitaria. El taller se realizará el martes 7 y jueves 9 de julio de 11:00 a 12:30 hrs. en BiblioGAM. Gratuito previa inscripción. 

Ficha artística

Dirección y dramaturgia Andrea Franco Marin | Asistente dirección Monserrat Estévez Calderón | Intérpretes Andrea García-Huidobro Celedón, Andrea Ubal Rodríguez, Gabriela Aguilera Vallejo, Monserrat Estévez Calderón, Juan Pablo Larenas Dintrans | Producción Heny Roig Monge | Diseño Integral Manuel Morgado Escalante | Diseño Audiovisual y Fotografías Liú Marino Águila | Diseño Sonoro Guillermo “Cuti” Aste von Bennewitz, Emilio Adasme Campos | Comunicaciones Fogata Cultura
Proyecto financiado por el Fondo Nacional de Fomento y Desarrollo de las Artes Escénicas, convocatoria 2025
Patrocina Escuela de Teatro Pontificia Universidad Católica de Chile.

Coordenadas

Temporada: 26 de junio al 12 de julio, viernes y sábado 20:30 hrs y domingo 18:30 hrs.

Lugar: Centro Cultural Gabriela Mistral, GAM 

Valor entradas: $12.000 general, $8.400 personas mayores, estudiantes, personas cuidadoras y personas con discapacidad, $7.800 viernes de teatro.

https://gam.ticketplus.cl/events/velocirraptors?referal_name=gamcl

[Teatro] Glengarry Glen Ross: Éxito de Broadway y ganadora del Pulitzer llega a GAM con destacado elenco

El despiadado mundo de las ventas y la lucha profesional por no quedar fuera del juego, son los ejes centrales de “Glengarry Glen Ross”, la icónica pieza del dramaturgo y guionista David Mamet. 

Estrenada originalmente en 1983, el relato sigue más vigente que nunca. A 40 años de su primer montaje, la obra -ganadora del Premio Pulitzer- continúa cautivando a los espectadores por su crudo realismo, pues retrata sin tapujos las consecuencias de la codicia desmedida que exige la sociedad. 

Bajo la dirección de Álvaro Espinoza, la adaptación chilena entrega la misma mirada punzante. “Una obra descarnada e intensa”, describió la crítica de El Mercurio tras su debut el año pasado. 

Protagonizada por Guilherme Sepúlveda, Eduardo Herrera, Mateo Iribarren, Andrés Velasco, Nicolás Pavez, Pablo Schwarz y Gonzalo Muñoz-Lerner, la historia transcurre en una oficina de bienes raíces, donde un grupo de vendedores da la pelea diaria por mantener a flote sus ventas y sus carreras. 

En medio de una competencia despiadada para conservar sus empleos, el jefe les impone una regla brutal: solo los dos mejores mantendrán su trabajo. Con el despido acechando, se ven envueltos en una carrera desesperada por conseguir los mejores clientes, desencadenando un juego de manipulación, traición y estrategias agresivas que los llevará al límite. 

“Los personajes están todos en la rueda del hamster, intentando sobrevivir de cualquier manera y a cualquier costo, supeditando su escala valórica y moral a la necesidad más inmediata, sobrevivir en este competitivo mercado laboral, en el que las emociones, convicciones y lealtades son desplazadas por necesidades de mercado, productividad y eficiencia como valores supremos”, profundiza Álvaro Espinoza, su director. 

Quienes asistan a las funciones no solo se sorprenderán con la fotografía social que Mamet logra en el texto y los seres que lo habitan; también serán testigos de una escenografía novedosa y sin precedentes. 

Con diálogos afilados, personajes definidos y un ritmo trepidante, esta obra sigue resonando con el público actual con la interrogante: ¿hasta dónde estamos dispuestos a llegar para triunfar? 

La fama de “Glengarry Glen Ross” traspasa las tablas, con una recordada versión cinematográfica, de 1992, que tuvo en su elenco a grandes estrellas de Hollywood, como Al Pacino, Jack Lemmon y Alec Baldwin. La película es considerada un clásico del cine mundial. También presentó su última versión en Broadway en 2025.

28 May al 7 Jun
Ju a Sá— 19.30 h. Do— 18.30 h
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[Eventos] Danza en GAM: El Banch desata una fiesta desenfrenada en escena

Con una trayectoria de 80 años, el Ballet Nacional Chileno, BANCH, desembarca en GAM para presentar “Brasas”, montaje que se estrenó el año pasado entre los aplausos del público y de la crítica, marcando además el debut en Chile de la francesa Leïla Ka. 

Conocida por llevar a escena propuestas que cruzan la danza contemporánea con lo urbano y lo teatral, la célebre coreógrafa nos invita a transitar por un viaje emocional y físico, donde está presente la dualidad de la vulnerabilidad y la fuerza, la tristeza y la vitalidad. 

“En un mundo donde muchas veces sentimos que todo se derrumba, esta obra busca recordarnos que, mientras haya un latido, siempre hay esperanza”, explica la artista, considerada una de las figuras más brillantes de la danza contemporánea europea. 

El público podrá disfrutar de un enjambre de cuerpos danzantes en un estado de ánimo colectivo entre la desesperanza y la resistencia, en una contradicción que considera reflejo de los tiempos actuales. 

Tomando referentes populares y piezas musicales que forman parte del imaginario colectivo, como “El hombre que yo amo” de Myriam Hernández y “My heart will go on” de Céline Dion, “Brasas” nos lleva a diferentes celebraciones y espacios. Lejos de usarlas de modo irónico, lo que busca es quitar los prejuicios y devolverles la emoción que las ha transformado en melodías universales. 

“Si esas canciones llegaron a tanta gente, es por algo. No me interesa negar lo popular, sino abrazarlo y hacerlo dialogar con la danza contemporánea. Frente a guerras, genocidios y violencias sociales normalizadas, nuestro cuerpo se convierte en refugio, resistencia y grito. Aquí la fiesta y la danza no son una alienación de la realidad, son cuerpos conscientes que se niegan a rendirse”, comentó. 

Según ha descrito Leïla Ka, la obra “se puede describir como una gran fiesta desencarnada”, donde “se baila aunque el mundo se esté quemando. El cuerpo celebra, mientras la cara, los gestos, revelan la tristeza o la falta de sentido de esa fiesta”. 

Con un lenguaje que único que busca una danza honesta y sin miedo a mostrar fragilidad, Leïla Ka ha participado en varias colaboraciones. La más destacada fue la que tuvo con Beyoncé en el tour Cowboy Carter, donde fue parte del equipo creativo de la cantante.

22 al 24 May

Vi a Sá — 19.30 h. Do — 18.30 h

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[Música] Ciclo de boleros inunda de romanticismo el corazón de Santiago (GAM)

Con una mirada contemporánea, cercana y emotiva, el ciclo “Bolero Falaz” se impone como uno de los panoramas imperdibles para ponerle pasión y ritmo con cinco intérpretes: Claudio Constanzo, Carmen Prieto, Rosario Alfonso, Valentina Lambert y Cristóbal Briceño. El ciclo -cuyo nombre está inspirado en la canción del grupo Aterciopelados- propone redescubrir el bolero, corriente musical de letras sensibles y llenas de amor, con orígenes en Cuba y México fundamentalmente, y que cultivó con grandes exponentes como Lucho Gatica y Armando Manzanero. 

Producida por GAM bajo el alero del Colectivo Abejorros y la producción musical de la periodista Marisol García, esta cita llega para evidenciar que el bolero está más vivo que nunca gracias a una nueva generación de intérpretes. 

“Sentimos que el bolero sigue siendo un espacio profundamente vivo dentro de la música latinoamericana. Más allá de la nostalgia, es un género que habla de emociones universales como el amor, la pérdida, el deseo y la memoria, temas que siguen conectando con distintas generaciones”, cuentan desde la agrupación. 

La idea es ofrecer una visión fresca del estilo romántico que en 2023 fuera declarado Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO. “Crear un espacio que ponga en valor esa tradición, pero también mostrar cómo el bolero puede dialogar con artistas y sensibilidades contemporáneas, incluso desde escenas musicales que no necesariamente provienen del género”, explica el Colectivo Abejorros. 

El ciclo abrirá el 17 de mayo con Claudio Constanzo, reconocido cantor, arpista, guitarrista, investigador y difusor de la música tradicional chilena. Junto a una banda en vivo de lujo —con piano, contrabajo y percusiones— el artista hará un homenaje vibrante al legado de figuras como Vicente Bianchi y Clarita Solovera. 

El 24 de mayo se dará un encuentro inédito y poderoso con la unión de tres grandes mujeres: Carmen Prieto, Rosario Alfonso y Valentina Lambert. Las cantantes entrelazarán por primera vez sus voces femeninas para recorrer un repertorio latinoamericano esencial. Respaldadas por músicos de amplia experiencia, el trío cierra el ciclo celebrando la diversidad del género en una atmósfera que invita a la contemplación y al disfrute. 

El broche de oro será el 11 de julio con la esperada presentación de Cristóbal Briceño (ex Ases Falsos). El cantautor deja de lado su faceta más eléctrica para confirmar el valor de la canción popular. En una presentación íntima, Briceño se dará licencia para revisitar el género bajo su sello personal, adaptando su repertorio propio y sorprendiendo con nuevas lecturas del estilo romántico. El artista promete emocionar a sus seguidores más fieles y a los nuevos oyentes por igual. 

“La selección de artistas se hizo pensando en reunir distintas generaciones, trayectorias y aproximaciones al bolero, desde artistas con una larga historia dentro del género hasta músicos y músicas que vienen desde otros espacios sonoros, pero que logran apropiarse del bolero desde una sensibilidad muy personal”, dice el Colectivo Abejorros. 

“Bolero Falaz” llega como una invitación a vivir la música en un ambiente cercano, al atardecer, reafirmando la vitalidad de un género que sigue dialogando con nuevas generaciones de artistas y públicos.

17 y 24 May
Do— 18 h

11 Jul
Sa— 20 h

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[Teatro] Vuelve a la cartelera familiar de GAM "El niño de los fósiles"

A través de marionetas, una iluminación amable de colores cálidos y neutros, un universo sonoro en vivo sin sonidos estridentes y escenografía armada con objetos reciclados de madera y cartón, “El niño de los fósiles” es un montaje creado especialmente para la comunidad neurodivergente. 

Bajo el formato de funciones distendidas o RP (Relaxed Performance), el tercer proyecto de la compañía Teatro Marote -que nació como una obra audiovisual en 2019- está adaptado para espectadores de todas las edades, características y sensibilidades, en un ambiente cómodo que garantice una experiencia amable, contenedora e integradora.

Basada en hechos reales, la obra – que debutó el año pasado convirtiéndose en una de las favoritas del público familiar - narra la historia de Gabriel, un niño de 10 años que vive en Los Vilos en los años 70 y que no calza con los modelos de enseñanza de la época. 

Es castigado una y otra vez por los adultos, pero usa como vía de escape su fijación por los fósiles y los dinosaurios. Así, decide motivar a sus amigos a vivir experiencias significativas, a mirar el mundo desde otros ojos y hacer uno de los descubrimientos paleontológicos más importantes de la región.

“El niño de los fósiles” nos sumerge en la vida escolar de este niño a través de marionetas, principalmente con la técnica del marote: muñecos híbridos a escala humana manipulados por intérpretes. En escena se suman objetos y música en vivo para invitar a los espectadores a viajar junto a los protagonistas.

“Como compañía, tenemos la premisa de trabajar en historias protagonizadas por infancias. Acá es una historia llena de travesuras y anécdotas de un niño, que creemos que hay que contar. Esta obra puede inspirar a muchos que se sienten rechazados por el sistema”, explica su directora y dramaturga, Scarlett Carrasco.

Así, mediante la magia del teatro de animación, una temática inclusiva y un formato distendido desde su origen creativo, el montaje también busca discurrir sobre los espacios que existen para las infancias neurodivergentes y cómo contribuir en formatos de integración.

“El teatro no se ha hecho cargo de los públicos neurodivergentes. Esta obra reflexiona sobre la temática, invitando a las y los espectadores a experimentar un nuevo formato que reconoce, acoge y da espacio a la diversidad neurocognitiva”, concluye Carrasco. 

2 al 10 Mayo
Sá — 12 y 16 h. Do— 16 h
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[Teatro] “El purgatorio”: Una sátira que pone el ojo en la corrupción escolar

En una escuela rural cercana al volcán Villarrica, un profesor de religión oriundo de Santiago llega a romper el círculo integrado por un grupo de docentes que buscan sacar ventajas de la fiscalización deficiente.

Esta es la anécdota que da vida a “El purgatorio”, montaje que deja al descubierto la decadencia del sistema educativo rural.

El proyecto del Colectivo CTM (Cuerpo-Texto-Multimedia) data del 2016 y tuvo su génesis en un reportaje que abordaba la realidad de un colegio del sur de Chile que contaba con un solo alumno. 

Este hecho inspiró a María José Pizarro, directora de la agrupación, quien decidió usar la noticia para explorar las tensiones entre ética, poder y supervivencia, cuestionando cómo el abandono del Estado y las dinámicas de lucro impactan la educación en zonas rurales.

En escena, el profesor nuevo comienza a perder la paciencia cuando el único alumno del colegio no llega a clases en medio de las manifestaciones de la "revolución pingüina". Ante su asombro, ve cómo sus colegas y el resto de los funcionarios se toman el asunto con mucha paciencia y normalidad, sacando provecho de las falencias del sistema para ganar dinero.

Con humor mordaz y sin anestesia, la obra expone cómo las instituciones diseñadas para el bienestar social pueden transformarse en espacios de corrupción. 

María José Pizarro explica que la propuesta tiene un sello particular: “un humor que roza el absurdo, lenguajes que no siempre conviven y el uso del teatro físico que queremos acercar al público general”, enfatiza. 

En medio de una escenografía que evoca una sala de clases, se desencadena un conflicto que revela los intereses individuales de cada uno de los personajes, destapando las complejidades morales y sociales de un sistema en decadencia.

“La obra habla de educación, un problema que lleva décadas sin resolverse. Desde la privatización del sistema educativo, el conflicto vuelve una y otra vez, y son las y los niños y jóvenes quienes cargan sus consecuencias. Ellas y ellos tienen el potencial de transformar el mundo, pero sin una educación que les permita comprender ese poder, el país seguirá reproduciendo desigualdad, precariedad y abuso”, explica Pizarro.

En síntesis, como escribió la crítica, “El purgatorio” es “una comedia irreverente, cuyo texto asertivo y actuaciones y personajes exagerados llegan al espectador con un humor fresco que estimula la reflexión sobre la educación en Chile” (Biobiochile.cl).

30 Abr al 10 Mayo
Ju a Sá— 20 h. Do— 19 h
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[Teatro] Propaganda: La obra que evidencia el poder del lenguaje en la era digital (Estreno en GAM)

“Propaganda” es una comedia de humor negro que logra abordar uno de los grandes problemas del mundo hiperconectado que habitamos: ¿qué es real y en quién podemos confiar?

La pieza logra profundizar en esta temática contingente cuestionando varios frentes, como el significado de las palabras según quién las use, el algoritmo de las redes sociales que crea una realidad sesgada y lo seductor que resultan los discursos extremistas.

La creación GAM-Theater Heidelberg (Alemania), escrita por Juan Pablo Troncoso y Björn Deigner, tuvo su debut internacional en octubre pasado en el país germano y considera un elenco de cinco actores chilenos y alemanes. 

En escena, un collage de situaciones se suceden en cuatro idiomas: dos influencers alemanes disparan mensajes odiosos y seductores a miles de personas en todo el mundo; una líder del movimiento identitario alemán enciende a sus seguidoras en Chile y busca esparcir sus ideas; cae una bomba y estalla una nueva guerra; inmigrantes europeos arriban a un NeoChile y una guardia fronteriza se debate si permitirles el paso o no.

“La obra se presenta como una estructura fragmentada, donde distintas narrativas aparecen, se interrumpen y se superponen hasta desembocar en un contexto que podría parecer inesperado: la guerra. Pero esa irrupción no es una exageración ni un artificio dramático, sino una cercanía que hoy atraviesa nuestras conversaciones, miedos y nuestras pantallas”, adelanta su directora, Ana Luz Ormazábal (“María Isabel”, “Este teatro no está vacío”, entre otros).

Según cuenta la artista, el montaje parte de una investigación teatral que derivó en cómo se construye y circula la propaganda hoy, tanto en Chile como en Alemania.  El resultado: un relato donde sus personajes son seres radicalizados, aislados de la realidad y fuertemente influenciados por las redes sociales. 

“Se cruzan historias de personas que podríamos ser nosotros mismos, personajes que en algún momento creyeron en ciertos mensajes propagandísticos que circulan cotidianamente por internet y que instalan miedo, promesas, odio o esperanza”, explica Ormazábal. 

"En algunos grupos y sectores, el uso de palabras, eslóganes y la disputa por el lenguaje aparece como un componente fundamental y problemático en la supuesta llamada batalla cultural. La obra no solo se construye a partir de cuerpos, puesta en escena, dispositivos audiovisuales, lumínicos, etc., sino que también hace una apuesta y una defensa por entrar la disputa por las palabras", ahonda Juan Pablo Troncoso, uno de sus autores.

“Propaganda” es una propuesta escénica que incorpora subtítulos, ya que en ella conviven cuatro idiomas: español, alemán, inglés y francés. Se presenta, además, como un proyecto teatral, en colaboración con Goethe Institut,  donde la visualidad y la música en vivo tienen un gran protagonismo, con cantos, escenas polifónicas y cuerpos intentando habitar lenguas que no les pertenecen.

Se trata de una invitación a reflexionar críticamente sobre la información, la desinformación y las relaciones de poder, mostrando cómo estas dinámicas se repiten a lo largo del tiempo, tensionando dos culturas y sistemas distintos cuando estos se encuentran.

“Me interesa mirar el rol del algoritmo y ese modo en que terminamos hablándonos sólo entre quienes pensamos igual, sin fricción, sin disputa real. Más allá de las etiquetas ideológicas de derechas o izquierdas, la obra mira de frente la contradicción humana: esa zona oscura, autoritaria, que todos llevamos dentro. No para celebrarla, sino para preguntarnos qué hacemos con ella", concluye Ormazábal.

17 Abr al 2 May
Ju a Sá (+ Mi 29)— 19.30 h. Do— 18.30 h
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[Música] Concierto en GAM recorre los últimos 40 años del cine chileno

Una muestra de trece bandas sonoras para películas, series, documentales y video pertenecientes al amplio catálogo del compositor Juan Cristóbal Meza (1961) están en el programa del concierto que este 10 de abril el compositor estrenará en el Centro Cultural GAM.

Con el título de “1986-2026: De la clandestinidad a Netflix”, Meza recorrerá 40 años de su música creada para el cine chileno. Se presentará con un ensamble de cuerdas y vientos y la actuación especial de la actriz Dindi Jane como cantante solista, quien interpretará canciones que Meza compuso para películas y series junto a Camila Moreno.

Juan Cristóbal Meza -hijo de dos grandes de la escena nacional: Gustavo Meza y Delfina Guzmán- es autor de partituras para películas del cine chileno reconocidas por el público, como “Fuga” (2006) de Pablo Larraín; “Neruda” (2014) de Manuel Basoalto; “Allende en su laberinto” (2014) de Miguel Littin y “Pacto de fuga” (2020) de David Albala. A ellas se unen la banda sonora para la popular serie “Prófugos” (2011), y la adaptación de canciones para “Una mujer fantástica” (2017) de Sebastián Lelio.

“La música para películas no solo es un complemento para una imagen, una escena o una historia. También tiene una vida propia. Tanto así que muchas veces la música es la que sobrevive y la imagen pasa a un segundo plano en el recuerdo de la gente”, señala Juan Cristóbal Meza.

“Si a una misma imagen le pones distintas músicas, la escena cambia completamente en su sentido. El mundo narrativo de Fellini no se podría entender sin la música de Nino Rota”, agrega. 

El concierto, que celebra los 40 años de música para el cine, se inicia con el joven Juan Cristóbal Meza escribiendo para piano y flauta traversa en el corto de video “Candelaria” (1986), una obra de la compañía Ictus con guión de su madre, Delfina Guzmán, y dirección de Silvio Caiozzi. También incluirá “Julio comienza en Julio (1979), la famosa película del mismo Caiozzi, que tuvo al porpio Juan Cristóbal Meza como actor protagonista.

En escena también veremos a solistas como el flautista de la Orquesta Sinfónica de Chile, Hernán Jara, y la violinista Monserrat Prieto, parte de un elenco de músicos clásicos con una mirada en la música popular. Además, habrá proyecciones sobre el escenario, que integran testimonios de directores y su visión de la música en sus filmes.

El concierto marca la llegada de toda la discografía de Meza, álbumes publicados y piezas aún inéditas, a las plataformas de streaming bajo el alero del sello discográfico Antar Music

10 Abr
Vi — 19.30 h
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[Teatro] "MUTE": La obra que nos enfrenta al silencio (27 Mar al 5 Abril en GAM)

¿Por qué nos cuesta tanto convivir con el silencio? Esa es una de las preguntas que plantea al público “MUTE”, creación teatral que busca aproximarse al silencio y comprender la dificultad que tenemos como seres humanos para convivir con este fenómeno en un mundo saturado de voces.

Dirigida por Melchor Pino, la obra – que fue parte del ciclo Compañías Jóvenes de la Escuela de Teatro UC en 2025 – es una propuesta de Estudio Pecera que mezcla distintos lenguajes escénicos para incomodarnos y fascinarnos.

El montaje, interpretado por Jacinta Rodríguez (“El jardín de Olivia”), David Crovari, Ignacio Herrara, presenta el caso de un niño que de un día para otro se queda callado. En paralelo, hay perros que no dejan de ladrar, una niña que habla demasiado, un padre que ya no puede escuchar la voz de su hijo y un astronauta que sumerge su audición en el vacío del espacio.

Buscando encontrar una causa a su mutismo, una multitud de voces atravesará los cuerpos de los intérpretes, cada una con sus inquietudes y angustias alrededor de este suceso. Estas voces serán robadas, acopladas, y deformadas, se multiplicarán hasta convertirse en un ruido ensordecedor, y finalmente, desaparecerán en el silencio.

“Creo que es necesario reflexionar en torno al silencio y el espacio que éste ocupa en la sociedad contemporánea, porque los procesos de comunicación se encuentran hoy en día en un estado de saturación e hiperactividad que intervienen directamente en diversos acontecimientos, tanto políticos como sociales a los cuales hay que poner atención y reobservar de forma crítica”, explica Melchor Pino, director de la pieza. 

El artista agrega que “al desarrollar una puesta en escena que pone el foco en torno al silencio y su relación con el lenguaje y sus múltiples representaciones culturales, estamos generando la oportunidad de preguntarnos por nuevas dinámicas de escucha y generando nuevos enfoques desde el cuál pensar los fenómenos mencionados”.

“MUTE” es un experimento multimedial y sonoro que transita entre el silencio, el ruido y la palabra, que mira cómo nos relacionamos en un mundo en que la saturación de información de los medios de comunicación parece no dejar espacio al silencio.

27 Mar al 5 Abr

Vi a Sá— 19 h. Do— 17.30 h

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[Eventos] Estreno mundial: Ópera y electrónica desnudan a Gordon Matta-Clark

La “nueva ópera” inicia en GAM su temporada 2026 con “Splitting/Absence”, apuesta artística que entrelaza lírica, arquitectura y memoria contemporánea para indagar en la vida y el legado del artista norteamericano Gordon Matta-Clark (1943-1978). 

Hijo de los artistas Roberto Matta y Anne Clark, exploró diferentes modos de intervención arquitectónica en Nueva York. Él se consideraba un “anarquitecto”, un deconstructor y fue una figura fundamental del arte conceptual y la contracultura de los años 70. Fue reconocido por transformar la arquitectura en escultura a través de cortes radicales en edificios abandonados ("building cuts"), por su crítica al urbanismo, el capitalismo inmobiliario y la redefinición del espacio público y privado. Falleció a los 35 años de edad. 

Parte de su trayectoria es revisada en esta ópera, sexto trabajo en la lírica del compositor chileno Sokio, artista radicado en Nueva York considerado uno de los pioneros en la experimentación de la nueva ópera. Está estructurada en cinco secciones site-responsive, es decir, que dialogan con el lugar donde se estrena: Nueva York, Santiago, París, Génova y Chicago, ciudades donde Matta-Clark vivió y produjo diversas obras. 

El trabajo se plantea así como un proceso, por etapas, abierto a cada contexto de presentación. La sección “Nueva York” fue estrenada en 2025 en The Clemente Center y posteriormente presentada en The Metropolitan Museum of Art. Allí aborda obras importantes de Gordon Matta-Clark, como son la creación de “Food”, el restaurante que él hizo en Soho, “Splitting” y “Day’s end”, una intervención que hizo en un galpón en el río. 

Ahora se suma en GAM la parte "Santiago" como premier mundial, que aborda el viaje de Matta-Clark a Chile en 1971, su intervención “Claraboya” en el Museo Nacional de Bellas Artes y su intento de encontrarse con su padre, Roberto Matta, articulando una reflexión sobre origen, ausencia y memoria. 

"Splitting/Absence” propone una experiencia escénica que entrelaza ópera, instalación y performance, alejándose deliberadamente de las formas tradicionales del género. La obra establece una relación menos “sagrada” con la ópera, privilegiando la experimentación, la fisicalidad de la voz y una dramaturgia abierta, en sintonía con el carácter radical del trabajo de Matta-Clark. 

“Cuando empecé a investigar sobre Matta-Clark, me dio la oportunidad de entender que su trabajo no era solamente el acto del corte, sino que nos estaba ofreciendo la oportunidad de ver lo que hay más allá de ese material que él está abriendo. Cuando él corta una casa abandonada por la mitad, nos permite ver su interior e imaginar lo que ocurrió ahí dentro. Mi interés para hacer música y el mundo de la ópera, tiene que ver con poder crear oportunidades para otros artistas en espacios que a veces no han sido abiertos para ellos”, comenta el compositor, Sokio. 

En escena se muestran imágenes y videos de las principales obras del artista, textos de su autoría y poemas de la venezolana Natasha Tiniacos. Además, se presentan trece personas entre cantantes, músicos y performers. La ópera propone una experiencia escénica híbrida que combina voz, cuerpo, sonido, electroacústica y mapping. 

En esta presentación participa el cantante Gabriel Enrique Hernández, tenor puertorriqueño-estadounidense invitado especialmente a Chile para retomar el rol de Gordon Matta-Clark, personaje que ya ha interpretado previamente en Nueva York. 

El próximo 24 de marzo, en el programa GAM “Ventanal Alameda”, se realizará el conversatorio “Matta-Clark: El legado de la anarquitectura”. Moderados por el profesor y arquitecto Rodrigo Tisi, la instancia abordará la figura del artista con la participación de la neoyorkina Jessamyn Fiore, curadora, escritora y directora del patrimonio de Gordon Matta-Clark; y el propio compositor Sokio.

27 al 29 Mar
Vi a Sá — 19.30 h. Do— 16 h
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[Teatro] Reestreno de teatro: Un delirante viaje se transformará en Razones par no morir

Néstor Cantillana y Carla Casali protagonizan este montaje que mezcla humor ácido y horror a partir de dos textos del destacado dramaturgo nacional Jorge Díaz. 

“Razones para no morir”, una producción del Teatro Nacional Chileno dirigida por Cristián Marambio, tendrá solo cuatro funciones del 19 al 22 de marzo en GAM. 

Dos personajes muy distintos se encuentran en un viaje que explora la existencia humana, la memoria, la identidad y la resiliencia, mezclando drama y humor para invitar al público a reflexionar sobre la vida y la superación de adversidades personales y colectivas. 

“Razones para no morir” ensambla dos textos fundamentales de Jorge Díaz, uno de los dramaturgos más importantes de Chile, “Razón de ser” y “Amanda”. Cristián Marambio, director del montaje, construye una versión libre de estas dramaturgias, mezclando los hechos terribles que describe el primer texto, con el humor, la ironía y el amor del segundo. 

La obra presenta el viaje de autodescubrimiento que emprende el Hijo del Camionero, un hombre que al enterarse del oscuro secreto de su origen, emprende un viaje delirante en un intento por domesticar los fantasmas que se niegan a quedar en el pasado. Accidentalmente, aparece Amanda, una compañera de viaje que podría ofrecerle una nueva posibilidad frente al incierto mundo, pero con irónico sentido del humor. 

“Escribí ‘Razones para no morir’ mezclando a ambos personajes en un viaje que transita por el horror, el erotismo, la ternura, el amor y la memoria, posibilitando una reflexión acerca del Chile de hoy y de ayer”, comenta Marambio. 

En escena, Néstor Cantillana y Carla Casali sostienen el montaje con sólidas actuaciones alabadas por la crítica, que le significó a Cantillana el premio a Mejor Actuación del Círculo de Críticos 2025. 

“Es un texto súper delicado, profundo, en apariencia simple, pero tiene un trasfondo muy potente, no solo en lo político y en relación a la memoria, sino a las cosas simples y lindas de la vida”, cuenta Cantillana. 

En un comienzo, el protagonista se sumerge en un camino de venganza, pero en el transcurso de la historia, las contradicciones aparecen junto a los silencios de la dictadura, el peso de la herencia, la crudeza de una verdad revelada tarde y el amor que propone Amanda. 

Así la pieza confronta la tensión entre venganza y ternura, entre memoria y presente, mostrando cómo lo íntimo y lo político se entrelazan en la piel de una misma persona. Amanda, figura de amor inesperado, introduce la luz en un camino dominado por la oscuridad. Con humor ácido y poesía desgarrada, el texto oscila entre lo brutal y lo tierno. 

Las razones para no morir, según la obra, residen en el amor, la memoria, la conexión con otros y la capacidad de encontrar humor y significado incluso en la pérdida, usando la figura del Hijo del Camionero para representar estas luchas generacionales. Más que un drama personal, es una reflexión sobre Chile y sus heridas abiertas. Una invitación a mirarnos en ese espejo incómodo, pero necesario. 

El comentarista de teatro, Felipe de la Parra (La Nueva Mirada) asegura que “Marambio es un talentoso taumaturgo-dramaturgo, que saca conejos en pleno dolor y lo cambia por el desacato de la vida. El texto de la obra es notable. La nobleza de su revelación no necesita tener carnet de ningún partido. Las heridas quedan a la vista y la vida golpea a la puerta con ingenio y humanidad”. 

19 al 22 Mar 

Ju a Sá — 19.30 h. Do— 18.30 h 

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