Paramount+ renovó Espíritus en la Escuelapara una cuarta temporada. La exitosa serie dramática original, producida por Paramount Television Studios, cerró su aclamada tercera temporada el 4 de marzo con una calificación perfecta de 100% en el Tomatometer de Rotten Tomatoes. Las tres temporadas ya están disponibles en Paramount+ en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Australia, América Latina y Brasil.
La tercera temporada de Espíritus en la Escuela está protagonizada por Peyton List como Maddie Nears, Kristian Ventura como Simon Elroy, Spencer MacPherson como Xavier Baxter, Kiara Pichardo como Nicole Herrera, Sarah Yarkin como Rhonda, Nick Pugliese como Charley, Rainbow Wedell como Claire Zomer, Josh Zuckerman como Mr. Martin, Maria Dizzia como Sandra Nears, Ci Hang Ma como Quinn, Miles Elliot como Yuri y Milo Manheim como Wally Clark.
Espíritus en la Escuela fue creada por Nate Trinrud y Megan Trinrud, quienes se desempeñan como co-showrunners y productores ejecutivos de la serie. Oliver Goldstick (Pretty Little Liars, Bridgerton) regresará en la cuarta temporada como consultor. Peyton List también es productora ejecutiva de la serie.
La serie dramática es producida por Paramount Television Studios y distribuida por Paramount Global Content Distribution.
El próximo jueves 9 de abril, el escenario del Teatro Municipal de Las Condes recibirá una de las piezas más potentes de la dramaturgia universal: "Un tranvía llamado deseo". Esta nueva producción, realizada en conjunto con Cultura Capital, propone una mirada contemporánea a la historia de Tennessee Williams, profundizando en las tensiones emocionales y la fragilidad humana que la han convertido en un clásico inmortal.
Ambientada en la vibrante y decadente Nueva Orleans de mediados del siglo XX, la obra retrata el choque entre la ilusión y la realidad a través del intenso enfrentamiento entre Blanche DuBois (Paola Gianini) y Stanley Kowalski (Gabriel Urzúa). El elenco se completa con las actuaciones de Guilherme Sepúlveda, Dayana Amigo, Katalina Sánchez y Carlos Donoso, quienes dan vida a estos complejos personajes en un drama cargado de pasión, violencia y vulnerabilidad.
Uno de los sellos distintivos de esta versión es la incorporación de una banda en vivo que interpretará la icónica música de Miles Davis, envolviendo la sala en una atmósfera íntima y electrizante, dirigida por el destacado músico, Camilo Salinas. La dirección de Andreina Olivari y la adaptación de Pablo Manzi logran acercar este texto a nuevas sensibilidades, manteniendo la intensidad y crudeza original que le valió a Williams el Premio Pulitzer en 1948.
Fechas: Del 9 al 26 de abril.
Horarios: Jueves, viernes y sábados a las 19:30 horas; domingos a las 18:30 horas.
Duración: 105 minutos (sin intermedio).
Calificación: Recomendada para mayores de 16 años.
Entradas ya a la venta en la boletería del Teatro Municipal de Las Condes, ubicada en Av. Apoquindo 3300 y en el sitio web www.tmlascondes.cl.Descuentos disponiblescon Tarjeta Vecino Las Condes (stock limitado).
Dinámica, absurda y grotesca, así es esta comedia negra escrita por Carmen Demarta, dirigida por Nelson Valenzuela y que significa el regreso a la actuación de Aliocha De la Sotta. Junto a Bárbara Vera, Cassandra Torres, la misma Carmen Demarta y la actriz de Nuevo Amores de Mercado, Natalia Reddersen, dan vida a cinco trabajadoras de uno de estos populares salones enfrentadas a qué hacer con un cadáver hallado en su local.
Utilizando con mordaz humor su autodenominado “Universo Señoras”, el proyecto financiado por el Fondo Creación de Artes Escénicas convocatoria 2025 del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, cuenta también con la atmósfera de la premiada diseñadora escénica, Catalina Devia, y universo sonoro de Antonia Valladares para ambientar la ejecución de un antiguo plan de venganza, Hasta el 19 de abril, este estreno inicia la temporada 2026 de la icónica sala del Río Mapocho.
Las trabajadoras de un centro de depilación se ven enfrentadas a una situación límite: dentro del local encuentran el cuerpo de una importante política nacional, justo cuando afuera se está jugando la final del Mundial de Fútbol, entre Chile y Brasil. Al avanzar, aparece la duda: “¿realmente lo encontramos o lo hicimos nosotras?”. Así comienza Cera Caliente, proyecto financiado por el Fondo Creación de Artes Escénicas convocatoria 2025 del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que estrena el jueves 2 de abril en Teatro del Puente.
Escrita por Carmen Demarta, dirigida por Nelson Valenzuela; se trata de una puesta en escena dinámica, absurda y grotesca, en la que cinco mujeres atraviesan el conflicto de haber olvidado una misión colectiva pactada en el pasado. “Su importancia primordial es levantar el tema de la venganza. Usar la ficción para concretar simbólicamente la acción vengativa como una manera de abordar una posible reparación de los traumas y coletazos que la historia reciente dejó en los cuerpos femeninos”, explica su autora.
La pieza significa también el regreso a la interpretación de Aliocha De la Sotta; luego de Cómo convertirse en piedra de Manuela Infante (2021). “Apenas la invitamos quiso sumarse. Además de ser una gran actriz, nos ha aportado con sus ideas y experiencia, colaborando como una especie de asesoría. Lo mismo con todo el equipo, tenemos la suerte de contar con artistas de gran trayectoria que han sido muy generosas con su talento”, agrega el director sobre el grupo que completan Bárbara Vera, Cassandra Torres, Natalia Reddersen (Myriam en Nuevo Amores de Mercado) y la misma Carmen Demarta en el elenco, junto a Catalina Devia en diseño escénico y Antonia Valladares en universo sonoro.
Utilizando el humor para adentrarse en las zonas más oscuras del ser humano, los personajes se preguntan qué hacer con un cuerpo en un país sin duelo. “Se van a encontrar con un universo que es absurdo, pero muy reconocible… de un Chile muy reconocible. Algo que, junto a la dramaturga, denominamos el Universo Señoras. Tiene que ver con todo lo que observamos al caminar por galerías, por la ciudad y centros de depilación durante este proceso, que tiene alrededor de 10 años”, continúa.
Reivindicando al teatro como un espacio comunitario y cómplice, Cera Caliente invita a un ejercicio colectivo, tan lúdico, como reflexivo; para volver a habitar la tarde noche como ciudadanos. “Hay algo en el sistema que nos insta a borrar, a que nos de vergüenza hablar del pasado. Por eso buscamos hacernos cargo, desde nuestro lugar histórico, desde lo que somos; de los residuos que dejó. Develar cómo sigue afectando a nuestras vidas, en nuestro cotidiano, de manera súper concreta. Cómo opera el cansancio, el trabajo, el dolor, que nos empuja a lo peor que nos puede pasar: el olvido”, concluyen.
www.teatrodelpuente.cl
COORDENADAS CERA CALIENTE Estreno cerrado: 2 de abril Temporada: 3 al 19 de abril jueves a domingo, 20 h Recomendada para mayores de 14 años Duración: 60 min Gral $6.000, Est., personas mayores: $4.000 Teatro del Puente (Parque Forestal s/n°. Río Mapocho, entre Puente Pío Nono y Purísima; Stgo.) https://teatro-del-puente.ticketplus.cl/
Kelly Reilly y Cole Hauser regresan como la indomable Beth Dutton y Rip Wheeler en Dutton Ranch, que estrenará globalmente en Paramount+ el viernes 15 de mayo con dos episodios, y esta vez se enfrentarán a Texas. En esta nueva serie original, Hauser y Reilly estarán acompañados por los nominados al Academy Awards Ed Harris y Annette Bening.
Creditos: Emerson Miller/Paramount+
Mientras Beth y Rip luchan por construir un futuro juntos —lejos de los fantasmas de Yellowstone—, se enfrentan a nuevas realidades brutales y a un despiadado rancho rival que no se detendrá ante nada para proteger su imperio. En el sur de Texas, la sangre corre profundamente, el perdón es efímero y el costo de sobrevivir podría ser, nada menos, que tu alma.
Junto a Kelly Reilly y Cole Hauser, la nueva serie dramática original también cuenta con las actuaciones de Finn Little, Juan Pablo Raba, Jai Courtney, J.R. Villarreal, Marc Menchaca, Natalie Alyn Lind, además de Ed Harris y Annette Bening.
Producida por Paramount Television Studios y 101 Studios, la primera temporada de nueve episodios marca el inicio de una nueva serie dentro del universo de Yellowstone. Creada por el productor ejecutivo y showrunner Chad Feehan y basada en personajes creados por los productores ejecutivos Taylor Sheridan y John Linson, Dutton Ranch también cuenta con la producción ejecutiva de David C. Glasser, Art Linson, Ron Burkle, David Hutkin, Bob Yari, Christina Alexandra Voros, Michael Friedman, Cole Hauser, Kelly Reilly y Keith Cox. Además de ser productora ejecutiva, Christina Alexandra Voros también dirigió varios episodios esta temporada, incluidos los episodios de estreno y el final de temporada. Greg Yaitanes, Jessica Lowrey y Phil Abraham también participaron como directores esta temporada.
Producida por Paramount Television Studios y 101 Studios, la primera temporada de nueve episodios marca el inicio de una nueva serie dentro del universo Yellowstone.
En un mercado saturado de manuales de autoayuda que prometen la felicidad eterna a través de fórmulas mágicas y frases motivacionales, surge la voz disidente de Daniela Ginestar. Con su libro "#Quiérete Mucho y otros... Clichés", la autora chilena invita a detener la frenética búsqueda del bienestar perfecto y a mirar de frente los lugares comunes que, paradójicamente, a menudo generan más ansiedad e insuficiencia que alivio. Este ensayo no busca cancelar el concepto de amor propio, sino desmantelar la "dictadura" de la positividad tóxica para proponer una visión más honesta, cruda y, sobre todo, real de la salud mental.
A medio camino entre la reflexión personal, la observación cultural y el análisis agudo, Ginestar utiliza una ironía amable pero contundente para desmenuzar esos mandatos contemporáneos que nos exigen "querernos incondicionalmente" como si fuera una meta a alcanzar con disciplina militar. La obra funciona como un espejo incómodo pero necesario, cuestionando si el amor propio no debería ser, en realidad, una práctica imperfecta y constante, lejos de los estándares estéticos y emocionales que inundan las redes sociales. Es una invitación a bajarse del pedestal de la autoexigencia y a aceptar nuestras vulnerabilidades sin la presión de tener que "solucionarlas" inmediatamente.
"#Quiérete Mucho y otros... Clichés" es una lectura imprescindible para quienes se sienten agotados por la presión de "estar bien" y buscan una perspectiva refrescante y crítica sobre la industria del bienestar. Con una prosa clara y argumentos sólidos, Daniela Ginestar nos recuerda que la verdadera aceptación no nace de repetir mantras vacíos, sino de un entendimiento profundo y compasivo de nuestra propia humanidad, con todas sus luces y sombras. Un libro que, sin duda, abre un debate necesario sobre cómo nos relacionamos con nosotros mismos en la era de la felicidad obligatoria.
Las destacadas actrices producen y protagonizan el estreno en el país del éxito de taquilla europeo escrito por el dramaturgo italiano de reconocimiento internacional, Edoardo Erba (Maratón de Nueva York). Con dirección de Bárbara Ruiz Tagle, este policial psicológico que mezcla risas, mentiras, flashbacks y sorpresas, debuta el próximo viernes 10 de abril en Centro Cultural San Ginés.
El interrogatorio de una famosa escritora estadounidense acusada de homicidio muestra también el encuentro que tuvo el día del crimen con una mujer encargada de limpieza, aparentemente muy distinta a ella. En un hábil engranaje dramatúrgico de corte cinematográfico, que alterna el presente con el pasado, la comisaría con un road movie, la obra escarba con irreverencia en una incandescente zona de la personalidad.
Fue en 2019 que Alessandra Guerzoni tuvo el deseo de trabajar junto a su amiga y colega, María Olga Matte. “Inmediatamente nos pusimos a buscar textos: necesitábamos uno que tuviera dos excelentes personajes femeninos; no estereotipados, power e interesantes dentro de una obra que fuera simultáneamente entretenida, en diálogo directo con el público y, además, profunda; que es el tipo de dramaturgia contemporánea que yo amo”, cuenta.
Recién en febrero de 2025 dieron con Rosalyn, el amor es un thriller; éxito de taquilla europeo, original del reconocido dramaturgo italiano, Edoardo Erba; que estrenan el viernes 10 de abril en Centro Cultural San Ginés. Bajo la dirección de Bárbara Ruiz Tagle, ambas actrices protagonizan y están a cargo de la producción ejecutiva del debut en Chile de la aplaudida puesta, que es también primera vez que su autor es representado en nuestro país.
“Este hallazgo fue, literalmente, un tesoro. Una de sus características es introducir temáticas profundas y complejas, pero a través de una entretenida y –sólo aparente – liviandad; con un lenguaje cercano, comprensible y accesible para todo el mundo que incluye un conocimiento impresionante del alma y las contradicciones humanas, de nuestra contemporaneidad y con el gran don de saber iluminar cualquier claroscuro”, continúa.
En una comisaría de Detroit, frente a una gélida luz blanca, la escritora estadounidense de fama mundial, Esther O’Sullivan, responde a la acusación de un asesinato cometido hace cuatro años en Toronto. Para defenderse frente al apremiante interrogatorio policial, revive su encuentro con Rosalyn, una mujer torpe e ingenua que trabaja para una empresa de aseo y a la que conoció el día de la presentación de su libro La verdadera naturaleza del ser.
“La puesta en escena propone una experiencia íntima y sensorial que sumerge al espectador en la mente de una mujer que lucha por sobrevivir a su propia historia. A través de un lenguaje escénico minimalista, la obra explora la delgada línea entre identidad, memoria y ficción, revelando cómo el ser humano puede reinventarse frente al dolor. Lo considero un montaje contemporáneo, crudo y profundamente emocional que invita a cuestionar: ¿hasta dónde somos capaces de transformarnos para seguir viviendo?”, agrega su directora, Bárbara Ruiz Tagle.
Por su parte, la coprotagonista y coproductora, María Olga Matte, destaca el engranaje dramatúrgico que permite que sus roles se descubran –entre un flashback y otro–, mientras reconstruyen el crimen. “Muestra, de manera muy lúdica, las herramientas psíquicas con las que contamos las mujeres para escindirnos, para evadirnos, cuando vivimos situaciones difíciles, duras, crueles, violentas… me ha ayudado a entender por qué aguantamos tanto”, indica. “También plantea cómo, hasta que no integremos eso que Young llama ‘la sombra’: esa parte que no nos gusta de nosotros mismos, que no aceptamos, no podremos estar íntegros, ser felices ni vivir en paz. Siempre habrá algo que se está contraponiendo, como el antagonista”, añade.
Con traducción de la misma Alessandra Guerzoni, diseño escenográfico e iluminación de Rocío Hernández, Alex Waxghotn en visuales y Cristián Mascaró en universo sonoro, la obra se mantendrá en cartelera hasta el 25 de abril. “Cumple con creces el requisito de que el teatro, y el arte en general, juegan como espejo de quienes somos en la sociedad. Sólo cuando puedo verme, desde fuera, en un escenario; logro entender qué me está pasando. Por eso lloramos con la protagonista de Hamnet, nos emocionamos con cuentos de hadas, una obra de teatro, una poesía, porque somos capaces de empatizar. Esa neurona espejo permite ponernos en aquel lugar… Rosalyn es profundamente humana, nadie podrá quedar indiferente”, concluye.
¿Por qué nos cuesta tanto convivir con el silencio? Esa es una de las preguntas que plantea al público “MUTE”, creación teatral que busca aproximarse al silencio y comprender la dificultad que tenemos como seres humanos para convivir con este fenómeno en un mundo saturado de voces.
Dirigida por Melchor Pino, la obra – que fue parte del ciclo Compañías Jóvenes de la Escuela de Teatro UC en 2025 – es una propuesta de Estudio Pecera que mezcla distintos lenguajes escénicos para incomodarnos y fascinarnos.
El montaje, interpretado por Jacinta Rodríguez (“El jardín de Olivia”), David Crovari, Ignacio Herrara, presenta el caso de un niño que de un día para otro se queda callado. En paralelo, hay perros que no dejan de ladrar, una niña que habla demasiado, un padre que ya no puede escuchar la voz de su hijo y un astronauta que sumerge su audición en el vacío del espacio.
Buscando encontrar una causa a su mutismo, una multitud de voces atravesará los cuerpos de los intérpretes, cada una con sus inquietudes y angustias alrededor de este suceso. Estas voces serán robadas, acopladas, y deformadas, se multiplicarán hasta convertirse en un ruido ensordecedor, y finalmente, desaparecerán en el silencio.
“Creo que es necesario reflexionar en torno al silencio y el espacio que éste ocupa en la sociedad contemporánea, porque los procesos de comunicación se encuentran hoy en día en un estado de saturación e hiperactividad que intervienen directamente en diversos acontecimientos, tanto políticos como sociales a los cuales hay que poner atención y reobservar de forma crítica”, explica Melchor Pino, director de la pieza.
El artista agrega que “al desarrollar una puesta en escena que pone el foco en torno al silencio y su relación con el lenguaje y sus múltiples representaciones culturales, estamos generando la oportunidad de preguntarnos por nuevas dinámicas de escucha y generando nuevos enfoques desde el cuál pensar los fenómenos mencionados”.
“MUTE” es un experimento multimedial y sonoro que transita entre el silencio, el ruido y la palabra, que mira cómo nos relacionamos en un mundo en que la saturación de información de los medios de comunicación parece no dejar espacio al silencio.
Rodrigo Estoy presenta su nueva exposición “Santos del escepticismo”, en el Palacio Vergara de Viña del Mar, una propuesta que marca un punto de inflexión en su trayectoria y abre una etapa decisiva en su producción pictórica. La muestra será inaugurada el sábado 21 de marzo a las 17:00 hrs y este es un Proyecto financiado por el Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y de las Artes, Convocatoria 2025.
Conocido por su trabajo como artista urbano, cuenta con murales insignes en distintos puntos de Chile y el extranjero, como “Relato de un Matarife” en Estación de Metro Franklin o “Leña” en un muro externo de Arnau Gallery en Barcelona. Tras 13 años desarrollando su obra en el espacio público, Rodrigo Estoy inicia hoy una nueva etapa. Esta exhibición marca el comienzo de un camino orientado a proyectar su trabajo de estudio en galerías y espacios expositivos tanto en Chile como en el extranjero. El desafío es trasladar la energía y narrativa característica de su obra mural hacia un formato más íntimo, donde la observación detenida permite descubrir la complejidad conceptual y simbólica que sustenta su universo visual.
“Exponer en el Museo Palacio Vergara es un paso muy importante en mi trayectoria. Llevo varios años trabajando principalmente en el espacio público, a través de los murales, en contacto directo con la calle, con la gente y con todo lo que ahí sucede. Y en esta ocasión, poder llevar mi obra a un reconocido museo nacional significa para mí abrir una nueva etapa, más enfocada en el trabajo de estudio y en una propuesta más personal”, comenta el artista.
Santos del escepticismo es, en sí misma, una contradicción: una puesta en escena, un gran teatro, una gran mentira. Pero una mentira nacida desde lo más profundo y sincero. La muestra propone adentrarse en una realidad interior que va más allá de lo que la memoria conserva: un territorio autónomo donde distintas facetas del YO conviven y actúan como en un teatro propio. En ese espacio íntimo surge la posibilidad de una realidad modificable.
La exposición invita al público a recorrer ese interior, a enfrentarse al ruido mental y a la “fiesta” de los demonios internos del pintor, transformados en escenas que buscan una tregua. La pintura se convierte así en un medio de observación lúcida de los procesos internos. En este gesto, el escepticismo hacia el propio sentir opera como método de depuración: una forma de mirar de nuevo aquello que parecía ya escrito.
Además agrega que“hacerlo en un lugar vivo como el Palacio Vergara, donde también funciona la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar, siento que le da un sentido más especial a esta muestra, porque no es solo presentarla en un museo, en un lugar patrimonial, sino que es presentarla en un lugar que se mantiene activo, que es de formación, que es de creación. Espero que esta muestra sea el comienzo de nuevas oportunidades para poder mostrar mi trabajo en espacios culturales relevantes, tanto en Chile como en el extranjero”.
La exposición estará abierta al público desde el 11 de marzo al 17 de mayo en el Museo Palacio Vergara ubicado en Errázuriz 563-596 Parque Quinta Vergara, Viña del Mar. La entrada es gratuita.
La “nueva ópera” inicia en GAM su temporada 2026 con “Splitting/Absence”, apuesta artística que entrelaza lírica, arquitectura y memoria contemporánea para indagar en la vida y el legado del artista norteamericano Gordon Matta-Clark (1943-1978).
Hijo de los artistas Roberto Matta y Anne Clark, exploró diferentes modos de intervención arquitectónica en Nueva York. Él se consideraba un “anarquitecto”, un deconstructor y fue una figura fundamental del arte conceptual y la contracultura de los años 70. Fue reconocido por transformar la arquitectura en escultura a través de cortes radicales en edificios abandonados ("building cuts"), por su crítica al urbanismo, el capitalismo inmobiliario y la redefinición del espacio público y privado. Falleció a los 35 años de edad.
Parte de su trayectoria es revisada en esta ópera, sexto trabajo en la lírica del compositor chileno Sokio, artista radicado en Nueva York considerado uno de los pioneros en la experimentación de la nueva ópera. Está estructurada en cinco secciones site-responsive, es decir, que dialogan con el lugar donde se estrena: Nueva York, Santiago, París, Génova y Chicago, ciudades donde Matta-Clark vivió y produjo diversas obras.
El trabajo se plantea así como un proceso, por etapas, abierto a cada contexto de presentación. La sección “Nueva York” fue estrenada en 2025 en The Clemente Center y posteriormente presentada en The Metropolitan Museum of Art. Allí aborda obras importantes de Gordon Matta-Clark, como son la creación de “Food”, el restaurante que él hizo en Soho, “Splitting” y “Day’s end”, una intervención que hizo en un galpón en el río.
Ahora se suma en GAM la parte "Santiago" como premier mundial, que aborda el viaje de Matta-Clark a Chile en 1971, su intervención “Claraboya” en el Museo Nacional de Bellas Artes y su intento de encontrarse con su padre, Roberto Matta, articulando una reflexión sobre origen, ausencia y memoria.
"Splitting/Absence” propone una experiencia escénica que entrelaza ópera, instalación y performance, alejándose deliberadamente de las formas tradicionales del género. La obra establece una relación menos “sagrada” con la ópera, privilegiando la experimentación, la fisicalidad de la voz y una dramaturgia abierta, en sintonía con el carácter radical del trabajo de Matta-Clark.
“Cuando empecé a investigar sobre Matta-Clark, me dio la oportunidad de entender que su trabajo no era solamente el acto del corte, sino que nos estaba ofreciendo la oportunidad de ver lo que hay más allá de ese material que él está abriendo. Cuando él corta una casa abandonada por la mitad, nos permite ver su interior e imaginar lo que ocurrió ahí dentro. Mi interés para hacer música y el mundo de la ópera, tiene que ver con poder crear oportunidades para otros artistas en espacios que a veces no han sido abiertos para ellos”, comenta el compositor, Sokio.
En escena se muestran imágenes y videos de las principales obras del artista, textos de su autoría y poemas de la venezolana Natasha Tiniacos. Además, se presentan trece personas entre cantantes, músicos y performers. La ópera propone una experiencia escénica híbrida que combina voz, cuerpo, sonido, electroacústica y mapping.
En esta presentación participa el cantante Gabriel Enrique Hernández, tenor puertorriqueño-estadounidense invitado especialmente a Chile para retomar el rol de Gordon Matta-Clark, personaje que ya ha interpretado previamente en Nueva York.
El próximo 24 de marzo, en el programa GAM “Ventanal Alameda”, se realizará el conversatorio “Matta-Clark: El legado de la anarquitectura”. Moderados por el profesor y arquitecto Rodrigo Tisi, la instancia abordará la figura del artista con la participación de la neoyorkina Jessamyn Fiore, curadora, escritora y directora del patrimonio de Gordon Matta-Clark; y el propio compositor Sokio.
27 al 29 Mar Vi a Sá — 19.30 h. Do— 16 h Entradas en gam.cl
Con más de 7 millones de reproducciones en promedio mensual, más de 230 millones de reproducciones acumuladas solo en Spotify y presencia sostenida en los rankings Top 5 de lo más escuchado en Chile, la novena temporada de Tomás va a morir llega este domingo 22 de marzo, y hoy viernes 20 de marzo tendrá un preestreno exclusivo para suscriptores de Estudios Neverland.
Créditos: Christian 'Ciro' Zapata
El podcast y videopodcast Tomás va a morir anuncia el inicio de su novena temporada, consolidando un proyecto que desde 2019 ha acompañado a cientos de miles de personas con humor, amistad y reflexión. Conducido por Edo Caroe, Tomás Leiva y Alejandro de la Cruz, y producido por Estudios Neverland, esta nueva entrega contempla 38 capítulos que se estrenarán semanalmente. Cada domingo a las 10 de la mañana llega un nuevo capítulo a distintas plataformas (Spotify, Apple Podcast y los canales de YouTube de Tomás va a morir y Estudios Neverland), y los suscriptores de www.estudiosneverland.com pueden disfrutar del preestreno anticipado cada viernes a las 20 horas. El primer preestreno exclusivo será este viernes 20 de marzo y el estreno abierto el domingo 22 de marzo.
El podcast surgió luego de que Tomás sufriera un infarto, y fue junto a sus amigos de colegio Edo y Buffy, que empezaron a reunirse para disfrutar juntos los que podrían ser sus últimos días, y de paso, no sentir culpa el día que muera. Entre risas, conversaciones sarcásticas y muy buenos momentos, el proyecto expiatorio de este trío de amigos rápidamente cautivó a la audiencia. Durante la pandemia, dio el salto al formato audiovisual, redefiniendo su alcance y convirtiéndose en un fenómeno cultural y de industria. Tras seis años de podcast, el "milagro" de Tomás, algunos contratos y algo de éxito, siguen compartiendo, disfrutando juntos, sumando anécdotas y temiéndole a la crisis de los 40.
Más allá de las cifras, el aporte cultural del proyecto radica en su capacidad de acompañar a la audiencia generando una comunidad a través del humor y la amistad.
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