Con un elenco coral que tiene a Matthew McConaughey, Charlie Hunnam, Michelle Dockery, Jeremy Strong, Colin Farrell, Henry Golding y Hugh Grant como protagonistas, el director Guy Ritchie regresa a sus orígenes, donde los gangsters, el humor y la violencia se armonizan para crear una sátira del mundo del crimen.
En un tono muy británico, la historia comienza cuando el investigador privado Fletcher (Grant), visita a Raymond (Hunnam) la mano derecha del mafioso Mickey Pearson (McConaughey), para ofrecerle un trato que evitará revelar los secretos mejor guardados del negocio de su jefe al director de un importante diario nacional.
Llena de humor negro, Los Caballeros nos recuerda a previos largometrajes de Ritchie como Lock, Stock and Two Smoking Barrels (1998) o Snatch (2000) en que las tramas paralelas y los criminales deslenguados son la estrella del show. Y aunque esta nueva entrega no es innovadora en ese aspecto, logra engancharnos con un narrador carismático y cruel, con personajes pícaros, violentos, cuyos valores morales son cuestionables, pero a la vez presentan gran sentido de la caballerosidad y por último, con la comedia del crimen imperfecto.
La nueva apuesta de Disney y Pixar dirigida por Dan Scanlon(Monster University), relata historia de dos hermanos elfos que dispuestos a pasar un último día con su padre, se embarcan en una aventura llena de magia, peligro y emoción.
Con las voces, en su versión en inglés, de Tom Holland como Ian Lightfood y Chris Pratt como Barley, Unidos nos lleva por una montaña rusa de emociones, donde la risa siempre va acompañada del sentimentalismo, al más claro estilo Disney.
En esta película también podemos notar claras referencias a otros filmes, entre ellas El señor de los anillos y El Hobbit, ya que el mundo mágico de los elfos de Unidos, es bastante similar a La Comarca de la Tierra Media y además cuentan con un gran mago de túnica gris y bastón, parecido a Gandalf.
Muy ligada a la cultura mainstream de la fantasía, con un personaje nerd que colecciona cartas y juega algo similar a Calabozos y Dragones y otro totalmente avergonzado de su hermano, aprendemos en Unidos a creer nuevamente en la magia, a superar las diferencias, a reconocernos a nosotros mismos y nuestro potencial, pero también descubrimos la importancia del amor fraternal en los momentos difíciles. Una película imperdible que se disfruta en familia.
Esta semana se estrenó, exclusivamente en las salas de Arte de CineHoyts y algunas salas alternativas a lo largo del país, la película iraní El Permiso. Cabe mencionar que esta cinta resultó seleccionada en más de 15 certámenes cinematográficos alrededor del mundo, incluyendo los Festivales de Cine de Estocolmo, Glasgow y Seattle, y premiada el 2019 por el Círculo de Críticos de Cine de Dublín.
La película está inspirada en una historia real, sobre la opresión sufrida a una futbolista iraní.
Afrooz(Baran Kosari) es la capitana de un equipo de futsal, ellas calificaron para disputar la Copa Asiática de Naciones que se realizará en Malasia. Todo marchaba sobre ruedas, cuando Afrooz se entera que su esposo, un famoso conductor de televisión, no firmó la autorización para que ella saliera del país. Lamentablemente en Irán, una mujer necesita el permiso legal de su cónyuge para poder viajar.
La película es muy buena, es un drama que consigue tocar lo más profundo nuestros corazones. Es imposible no sentir la frustración de la protagonista por no poder cumplir sus sueños, por el simple capricho de su marido. Es increíble que esto aun suceda en algunos países.
Sin duda, esta película contribuye en mostrarnos la triste realidad que deben vivir y soportar tantas mujeres en el mundo. Por esto, es tan importante que la lucha por la igualdad de género continúe y el machismo por fin se termine.
El Permiso es una película que todos deberían ver. Se las dejo totalmente recomendada. No se arrepentirán. Además de estar muy bien actuada, tiene buen ritmo y una historia muy interesante. Un súper panorama para este fin de semana.
Just Mercy o Buscando justicia del director Destin Daniel Cretton, se basa en la historia real del abogado de Harvard, Bryan Stevenson (Michael B. Jordan) y la psicóloga Eva Ansley (Brie Larson) y su lucha por entregar asistencia legal justa a condenados a muerte, en Estados Unidos durante los 80 y 90, con la organización Equal Justice Initiative (Iniciativa de Justicia Equitativa).
La película se centra en el caso de Walter McMillian (Jaime Foxx), más conocido como “Johnny D”, un hombre afroamericano, que es sentenciado a la silla eléctrica por el asesinato de Ronda Morrison, una chica blanca de 18 años. Aunque el caso no tenía más pruebas que el testimonio de un ex convicto, para toda Alabama, Johnny D. era el culpable.
Con un arco dramático que va desde la impotencia hasta la esperanza, el filme aborda las injusticias legales sufridas por los afroamericanos, amedrentamiento policial, detenciones y sentencias sin pruebas, además de revelar la violencia sistemática contra la pobreza, contra aquellos que no podían recibir o los engañaban cuando recibían defensa.
Buscando justicia habla de la ética, de la convicción y la perseverancia, de luchar por lo que se cree justo, de como hacer pequeños cambios y nos hace cuestionar qué tanto ha cambiado este sistema, que al parecer, sigue favoreciendo solo a algunos.
El relato de H. G. Wells titulado El hombre invisible dio pie para realizar diversas versiones cinematográficas de esta historia, de seguro muchos recuerdan El hombre sin sombra estrenada en el año 2000 en donde un grupo de científicos encuentran la forma de volver invisible a un hombre que termina convirtiéndose en un psicópata. Este jueves 27 de febrero, llega una nueva versión a la pantalla grande El hombre invisible, dirigida por Leigh Whannell(La noche del demonio, Saw) y protagonizada nada más ni nada menos que por Elisabeth Moss(The handmaid's tale), esta nueva versión es completamente independiente de las anteriores y solo con saber que Moss es la protagonista ya podemos sospechar que esto se viene bueno.
Elisabeth Moss da vida a Cecilia Kass, una mujer que busca escapar de su pareja (Oliver Jackson-Cohen), un reconocido y respetado óptico de fama mundial, el cual la hace vivir un infierno, ya que él decide como Cecilia se debe vestir, que comer, con quien relacionarse, hasta llegar al punto de impedirle pensar por si misma y la mantiene completamente subyugada a su control. Una noche con la ayuda de su hermana (Harriet Dyer) y un amigo (Aldis Hodge), Cecilia logra escapar, tratando de dejar su pasado atrás, pero las cosas empeoraran cuando le informen que su ex-pareja se ha suicidado, dejándole gran parte de su fortuna, pero ella sabe que su muerte es una farsa y el maltratador hará hasta lo imposible por atormentarla.
Si la película se pudiera definir solo en una palabra, seria “tensión”, ya que eso es lo que siente el espectador de principio a fin al ver a la protagonista tratando de escapar de esta cacería que parece no tener fin. Somos testigos de un argumento que puede ser predecible, pero Whannell como encargado de la dirección, supo mover muy bien las piezas, se centra en la protagonista posicionándola en el lugar de víctima, descansando el guión en los hombros de esta y también jugando con aquello que podemos y no ver a lo largo de la cinta, ese suspenso constante de cuando finalmente se hará visible este hombre invisible. Una atmosfera bien lograda, música incidental acorde, que hasta se agradece, una actuación por parte de Moss que es destacable, hay que decirlo, esta actriz está hecha para darle vida a personajes que se ven sometidos por diversas circunstancias, es increíble como su personaje va de menos a más, manteniendo cierta compostura al comienzo para finalmente mostrarnos a una protagonista que ha llegado a su punto límite, logra que el espectador se angustie y hasta se pregunte si realmente podra sobrevivir a dicha cacería. Secuencias realmente aterradoras, no se sorprendan si en algún momento se llevan las manos a la cabeza por la desesperación, sería algo completamente normal debido a las circunstancias.
Si me preguntan por el antagonista, su presencia abarca solo unos minutos, podríamos llegar a pensar que quizás hubiera sido bueno verlo más en pantalla, ver a este hombre invisible dándonos uno que otro susto apareciendo de la nada, pero lo que les mencioné anteriormente con respecto a la presencia-ausencia realmente resulta, esa intriga de no saber en dónde está este sujeto resulta desbordante y para bien.
Un punto que quiero destacar es el mensaje detrás de la trama que abarca el maltrato, abuso y acoso en contra de una mujer, lo que se agradece, ya que resulta inevitable no realizar una crítica respecto al tema a medida que avanza la historia. En definitiva, una película bien lograda, no se extrañen si al finalizar terminan algo contracturados a causa de la tensión. Una mezcla adecuada de terror, suspenso e intriga que los dejara satisfechos. ¡No se la pierdan!
Esta semana llegó a los cines la divertida película Jexi: Un celular sin filtro... ¡No se la pierdan! Para celebrarlo les traemos un espectacular concurso para ganar invitaciones para verla. Participar es muy fácil, solamente deben completar el formulario adjunto y ser seguidores de nuestras redes sociales.
Los requisitos para participar son:
1) Pinchar "me gusta" en las fan page Hojas Mágicas y Diamond films Chile.
2) Completar el formulario.
3) Vivir en la Región Metropolitana.
El concurso comienza hoy y finaliza el domingo 26 de enero. Los ganadores serán informados en nuestra página de Facebook. A continuación les presentamos la sinopsis oficial, el afiche de la película y el entretenido trailer.
Sinopsis
Una comedia sobre qué puede suceder cuando amas a tu teléfono más que a cualquier cosa en tu vida.
Afiche
Trailer de la película
ESTRENO JUEVES 23 DE ENERO
Para conocer más información de futuros estrenos que tendremos en nuestro país, les recomendamos seguir la páginas de facebookde Diamond Films Chile.
De seguro más de alguno ha escuchado hablar del Dr. Dolittle, el famoso doctor que es capaz de hablar con los animales. Fue a finales de los noventa en donde Eddie Murphy le dio vida al personaje llevándolo a la pantalla grande, encantando a grandes y chicos con sus divertidas aventuras en compañía de diversos animales parlanchines. Sin duda, fue una gran sorpresa cuando Universal Picture anunció que el famoso doctor volvería a la pantalla grande, pero siendo interpretado por Robert Downey Jr. quien por varios años le dio vida a Iron Man, con el desafío de interpretar a un personaje clásico de la literatura infantil creado por Hugh John Lofting. La película titulada Dolittle, es dirigida por Stephen Gaghan, se encontrarán con rostros como el de Antonio Banderas, Harry Collett, Jessie Buckley y varios animales creados por computadora y que portan las voces en ingles de personajes reconocidos como: Emma Thompson, Tom Holland, Rami Malek, John Cena y Kumail Nanjiani. Dolittle y sus amiguitos ya está en cines.
Les contaré de que va la historia… Han pasado siete años desde que la esposa del doctor perdió la vida en una expedición, a pesar del tiempo transcurridos y de ser Dolittle un reconocido doctor y veterinario de la Inglaterra victoriana, no logra superar la muerte de la que era su mujer y vive encerrado en una lujosa mansión junto a varios animales exóticos, sin tener contacto con el mundo exterior. Así era hasta que a su casa llega un muchacho (Harry Collett) pidiendo su ayuda para salvar a un animalito, quien se convertirá además en su ayudante, y también recibe la visita de una chica anunciándole que la reina (Jessie Buckley) está gravemente enferma y necesita su ayuda urgentemente. Dolittle se ve obligado a ir, ya que, si la reina muere, la mansión en la que vive junto a los animales dejará de ser suya, quedando todos a la deriva. La reina necesita una cura y así inicia la aventura del doctor junto a su pequeño ayudante y uno que otro de sus animales, cambiando por completo la vida del doctor.
La película es bastante entretenida, no sabía que esperar de esta apuesta y me sorprendió gratamente, Robert Downey Jr. logra interpretar a un Dr. Dolittle excéntrico, capaz de robarle varias sonrisas al espectador, además se suman estos animales exóticos creador por computadora que resultan ser adorables y al igual que el doctor, hacer reír al público en diversas ocasiones. A lo largo de la cinta que dura casi dos horas, se escucharon varias carcajadas en la sala de cine, en ningún momento volviéndose tediosa, por el contrario, es una película liviana, entretenida de principio a fin.
En cuanto a tecnicismos, principalmente un adecuado montaje, quizás hemos visto mejores efectos visuales en otras producciones, pero resulta, sobre todo al conseguir animales que logran transmitir gran parte de la trama, el guion se sostiene en los hombros de Downey, definitivamente es el gran protagonista, pero gracias a dichos efectos visuales la película logra ser toda una aventura.
Además de la aventura, la película tiene un mensaje que se repite constantemente; el respeto hacia los animales, un mensaje que se agradece sobre todo en una película que está especialmente dirigida a los más pequeños.
Así que, si están buscando un buen panorama en familia, ir a ver Dolittle es una gran opción, ideal para pasar un buen rato junto a los más pequeños en estas vacaciones. ¡Ah! y quédense hasta el final, ya que se encontraran con una escena post créditos que de seguro les robará otra sonrisa.
Este jueves, se estrenó en cines la película Mujercitas dirigida por Greta Gerwing, que revive un clásico de la literatura del siglo XIX y retrata el paso a la adultez de cuatro mujeres de Concord, Massachusetts.
El film cuenta con un reparto privilegiado, con figuras como Saoirse Ronan (Jo March), Emma Watson (Meg March), Florence Pugh (Amy March), Meryl Streep (Tía March), Laura Dern (Marmee) y Timothée Chalamet (Laurie), quienes logran transportarnos a la vida familiar y social de las March, pero además, cautivarnos con sus caracterizaciones de los personajes.
Esta nueva versión de Mujercitas refresca los tópicos “típicos” tratados en la literatura femenina, dándole cierto empoderamiento a los personajes, dentro de sus distintas líneas de interés, ya que cada hermana es completamente distinta a la otra, pero comparten la pasión por lograr sus objetivos. Y también nos plantea la interrogante de si el final original de la novela de Louisa May Alcott, era en realidad el final que ella deseaba darle.
La película es visualmente bella y cuenta con un vestuario tan original como las actuaciones de sus protagonistas. Quizá su único defecto, es la forma en la que está contada, debido a que los saltos al pasado a veces no se logran distinguir y se confunden con el presente. A pesar de ello, el film te transporta a la vida de estas “mujercitas”, sus alegrías, sus penas y sus cuestionamientos y te convence con su interpretación del clásico literario.
Stephen King vuelve a las carteleras de cine, esta vez con la adaptación de una de sus novelas más esperadas, Doctor Sueño, la continuación de El resplandor. La historia principal se sitúa años después de los sucesos en el Hotel Overlook, con el pequeño Danny convertido en Dan (Ewan McGregor), un hombre con problemas de drogas y alcoholismo que le ayudan a adormecer los recuerdos traumáticos y sus poderes psíquicos.
El principal conflicto es que Dan, tras años de mantener a raya “el resplandor”, se verá obligado a usarlo para combatir a culto que se alimenta de niños con los mismos poderes que él, y a regresar al lugar donde iniciaron sus pesadillas, para salvar a Abra (Kyliegh Curran) una amiga que se ha puesto en peligro.
El film tiene muchas referencias a la película hecha por Kubrick, la utilización de la simetría en los planos, las transiciones clásicas donde una imagen se desvanece y otra aparece, además de tener escenas remasterizadas de la precuela.
Doctor Sueño revive los horrores de los niños, con la idea de la maldad intrínseca dentro de los seres humanos y de lo que son capaces de hacer para conseguir lo que quieren. Para asustarse, quizá no tanto, pero sí para dar continuidad a un clásico del thriller psicológico.
Tras la última temporada de Downton Abbey en 2015, muchos fanáticos quedaron viudos del drama aristocrático inglés, que no solo se adentraba en la vida de los condes, sino también en la de los mayordomos, amas de llave, cocineras y mucamas, mostrando las historias paralelas del castillo. Ahora, transformada en película, Downton vuelve para revivir el fanatismo y para quizá convertir en fanáticos a quienes la vean.
La trama comienza un año y medio después de concluida la serie. Está enmarcada por la visita del Rey George V y la Reina Mary al castillo de Downton, durante uno de sus tours por el país. Esto se transforma en una gran noticia para los Crawley y todo su staff, pero a su vez desata dramas familiares y problemas de los trabajadores de Downton con el personal de los reyes.
La historia es capaz de entenderse por sí sola, exceptuando algunas explicaciones sobre el origen de algunos personajes, lo que hace posible que aún sin haber visto la serie, se entiendan las intenciones o el carácter de algunos de ellos. También conserva al elenco original, destacando la actuación de Maggie Smith como Violet Crawley, quien saca carcajadas con cada aparición.
La película, de la mano de Julian Fellowes como productor y guionista, se transforma en un capítulo más, que después de cuatro años tenemos el privilegio de apreciar en pantalla grande. Para fanáticos y no fanáticos.
Este jueves 12 de diciembre se estrena en el circuito de salas alternativas de cine "El Guro", del realizador Rory Barrientos. Este documental nos cuenta sobre la vida de Carlos Ruiz, un chilote que trabaja como operario en una industria de alimentos para salmones, pero que en sus tiempos libres decide retomar su sueño de convertirse en boxeador profesional, preparándose así para el combate más importante de su vida.
Desde una perspectiva nostálgica, demostrándonos que para conseguir lo que uno se propone hay que dar la pelea, Rory Barrientos nos muestra de una forma artística el diario vivir de Carlos Ruiz, acompañándolo a su trabajo, conociendo a su familia y siendo testigos del duro entrenamiento al que se somete para conseguir su objetivo y finalmente triunfar en el ring. De esta forma, como espectadores nos damos cuenta de la precariedad de los recursos con los que muchos deportistas cuentan, pero a la vez de las ganas que tienen para triunfar y ser reconocidos en lo que más les gusta hacer.
"El Guru" ha sido seleccionado para presentarse en importantes festivales de documentales internacionales y nacionales, entre los que podemos destacar: Burning Lights, Visions du Réel, Festival de cine Latinoamericano de Sao Paulo, Pacific Meridian Festival de Vladivostok, FicValdivia, entre otros.
Me gustó mucho que el documental haya sido filmado en blanco y negro, esto le da una delicadeza y belleza especial a cada una de las imágenes. Acá no verán sangre ni luchas a muerte, lo que verán será realidad, fuerza, empuje y muchas ganas de salir adelante.
Encuentro realmente interesante y valioso que se hagan este tipo de trabajos, con la dedicación y cariño de sus directores para mostrarnos historias de vida que nos dejan más de alguna enseñanza. A lo largo de nuestro país deben haber muchísimos personajes, anónimos para muchos, con tremendas historias tan atractivas como la de "El Guru". La invitación está hecha, busquen "El Guru" en las salas alternativas de cine de nuestro país.
Protagonizada por Mat Damon y Christian Bale, Contra lo imposible cuenta la historia real de Carroll Shelby y Ken Miles, quienes contratados por Henry Ford II (dueño de Ford Motor Company) se ven envueltos en la misión de construir un auto de carreras desde cero y así derrotar al invicto Ferrari en la competencia 24 horas Le Mans de Francia.
La historia, pese a parecer muy simple en su inicio, se va tornando cada vez más profunda a medida que se le incorporan algunos hechos de la vida real, se ahonda en la rivalidad de Ford vs Ferrari y se le agrega algo de dramatismo a la amistad entre Shelby y Miles.
En relación a las escenas, las carreras y las carreteras son lo más relevante. Hay momentos en los que casi se puede sentir la velocidad a través de la pantalla, es como sentarse en los simuladores de autos, pero en grande. Lejos lo mejor del film.
Definitivamente es una película ideal para los amantes de los autos y que se saben esta y quizá muchas más rivalidades del mundo de las tuercas. Pero también puede ser una película para ver en familia, para aprender de la perseverancia, la motivación y el hacer lo que uno ama para vivir.
Desde el estreno de su primera entrega en 2013, Frozen ha sido una de las películas más taquilleras dentro del género infantil, y es que la historia de Elsa y Anna, dos hermanas huérfanas, una con poderes sobrenaturales y la otra solo con el amor, ha cautivado a niños y adultos por igual. Tanto así, que con el estreno de su segunda parte, ya rompe récords mundiales y esperamos que rompa algunos aquí también, luego del 28 de noviembre.
Frozen 2 expande el universo, reforzando a personajes que ya conocíamos y que toman mayor protagonismo, como los son Olaf, Kristoff y Sven. Además de agregar nuevos misterios como las personas de la tierra de Northuldra y el Bosque Encantado, los cuales revelarán más de algún secreto.
Esta entrega habla de crecer, de superar etapas, de enfrentar desafíos y del descubrimiento personal, todo en un lenguaje apto para niños, pero que al mismo tiempo es divertidísimo para los adultos. Un ejemplo de ello es Olaf, quien salta en los diálogos con preguntas filosóficas que nadie le responde o también las referencias a videos musicales de los 80’s.
En la música, Frozen 2 tampoco se queda atrás, la nueva “Let it go”, “Into the unknown” (Mucho más allá) interpretada en inglés por Panic At The Disco y en español por David Bisbal, es tan pegote como el himno anterior. También cabe destacar la participación de Weezer con su versión original de “Lost in the Woods”. Sin duda, para los fanáticos, haber esperado seis años para el estreno de una segunda parte, no será en vano, porque Frozen 2 supera con creces a su predecesora.
Otro de los estrenos de esta semana es El pasado que nos une(After the weedding), cinta dirigida por Bart Freundlich y protagonizada por las reconocidas y talentosas actrices Julianne Moore y Michelle Williams. Cabe mencionar que esta es una adaptación de la película danesa Después de la boda dirigida por Susanne Bier y nominada al Oscar en 2007 en la categoría de Mejor película extranjera.
El pasado que nos une nos cuenta la historia de Isabel(Michelle Williams), quien dirige un orfanato en la India y debido a la falta de fondos, son contactados por un donante potencial que le pide que viaje a Nueva York, ciudad a la que no ha querido regresar por más de veinte años (por algo será). Una vez allí, conoce a la posible benefactora del orfanato, Theresa Young(Julianne Moore).
Sin embargo, las apariencias engañan e Isabel y Theresa tienen más en común de lo que parece. Mientras la primera piensa que pronto regresará a su querido orfanato, la otra tiene otros planes.
La película tiene una historia interesante y emotiva, pero si son de aquellos que ven muchas películas (como yo), seguramente esta les parecerá algo repetida y predecible. Sin embargo, no hay que olvidar que las protagonistas son Julianne Moore y Michelle Williams, dos grandes del cine que no decepcionan para nada en sus actuaciones.
Si buscan un panorama para distraerse estos complicados días que estamos viviendo, el cine no es una mala opción. El pasado que nos une se está exhibiendo a partir de hoy (jueves 14 de noviembre) en las salas de arte de Cinehoyts, Cinépolis y Cinemark.
Debido a la contingencia de lo que ocurre actualmente en nuestro país y luego de aplazar su estreno un par de semanas, este jueves 14 de noviembre se estrenó en los cines Estafadoras de Wall Street, la elogiada película dirigida por Lorene Scafaria y protagonizada por Constance Wu, Jennifer López, Cardi B, Keke Palmer, Julia Stiles y Lili Reinhart.
La película que está basada en hechos reales, nos cuenta la historia de un grupo de strippers desempleadas que se unen para recuperar a sus clientes de Wall Street y así comenzar su propio negocio. Su popularidad e ingresos comenzarán a crecer a pasos agigantados y sus vidas tomarán un rumbo diferente lleno de extravagancia, glamour y excesos. Pero no todo será color de rosa, las cosas también se pondrán peligrosas para estas carismáticas y guapas muchachas.
Estafadoras de Wall Street es una película entretenida, con buen ritmo, buenas actuaciones y una puesta en escena muy bien lograda, dejándonos ver los lujos y el glamour que se vive en los clubes nocturnos adinerados, en donde cada una de las actrices brillan en sus respectivos roles.
Quien se roba la película con su desplante, talento y carisma es Jennifer López, quien con un gran personaje nos muestra una de sus mejores actuaciones, incluso hay quienes apuestan por ella para ganar una estatuilla en los próximo premios Oscar.
La película logra un súper buen equilibrio entre la comedia y el drama, consiguiendo presentarnos un trabajo que se disfruta completamente desde el comienzo. No se pierdan Estafadoras de Wall Street, verla en pantalla grande es un lujo.
Ari Aster, director de la gran Hereditary (conocida por estos lados como El legado del diablo), vuelve con su segundo largometraje, Midsommar. En esta película, Aster nos va a demostrar que no se necesita acompañar la historia de escenarios oscuros o nocturnos para construir una perturbadora pesadilla.
La historia trata de Dani, que para alejarse de una reciente tragedia, viaja con su novio Christian y los amigos de este a Suecia, para asistir a una celebración cultural dentro de una enclaustrada comunidad y que sólo ocurre cada noventa años.
Como es la fiesta que celebra el solsticio de verano, gran parte de la película transcurre durante el día, eso hace que quizá te preguntes como es que una película de terror pretende asustarnos si pasa casi entera a plena luz de día. Lo que pasa es que Midsommar no es una película de terror. Sí, tiene escenas muy fuertes y perturbadoras, pero lo más seguro es que no te asuste, no al menos en el sentido tradicional del género.
Midsommar, es en el fondo, una película sobre una relación en decadencia. Todo en la película, la comunidad de Harga, las festividades y los horrores, está al servicio de ver cómo la relación de Dani y Christian va pudriéndose poco a poco. Pero eso no es todo, porque detrás de Midsommar se encuentran un sinfín de elementos que enriquecen la experiencia de ver este filme. El nivel de detalles puesto en la construcción de mundo, las tradiciones de la comunidad, los vestuarios, las escenografías y los diminutos detalles que van develando poco a poco la siniestra trama de la película hacen que Ari Aster nos muestre por qué con sólo dos películas en su historial, es un talento que vale la pena conocer.
Por supuesto, es necesario decir que Midsommar no es una película que debe tomarse a la ligera. Si buscas lo que ofrece una película de terror convencional, probablemente salgas decepcionado. Y es que Midsommar exige la absoluta y total atención de su audiencia. Si se la das, la película te recompensa con unas macabras dos horas y media de una experiencia como pocas.
Si algo tenemos claro es que Maléfica cambió la historia de Disney para siempre, un live-action que fue todo un éxito y que impulsaría a todos los que vendrían después. La película estrenada en el año 2014 trajo a la pantalla grande la historia de esta villana clásica, interpretada por Angelina Jolie, pero de una forma muy particular en donde se modifica la historia original, de una manera bastante inteligente en donde no termina siendo un filme reciclado, sino una nueva interpretación de la historia, en donde finalmente Maléfica no era la villana que creíamos hasta ese entonces… o por lo menos no tanto. Fue por completo inesperado, resultó y tanta fue la aceptación que hoy, cinco años después llegó a los cines Maléfica: Dueña del mal.
Han pasado unos cuantos años desde que la PrincesaAurora se convirtió en reina del páramo, todo va bien hasta que el Príncipe Phillip le propone matrimonio, él realmente la ama, de eso no hay duda, pero la madre de éste, la ReinaIngrith planea ser la nueva madre de Aurora y a la vez crear una trampa para destruir a todas las criaturas del Páramo, incluida a Maléfica, provocando así una guerra, a la vez que surge la incógnita de si Maléfica es finalmente lo suficientemente buena para ser la madre de Aurora, siendo el espectador testigo de cómo la protagonista a pesar de verse inmersa en un mundo fantástico se verá sometida a uno que otro problema mundano.
Desde ya les aviso que la película es todo un viaje, de principio a fin, y desde el comienzo ya estamos seguros que será un deleite visual, con un montaje, fotografía y producción que no escatima para impresionar con cada detalle sumado a una adecuada manipulación de CGI. Espectaculares secuencias de acción y fantasía que no dejan de hacerse presentes, junto a un diseño de vestuario que termina de realzar los colores que convierten este film en un cuento de hadas en movimiento.
Se encontrarán con nuevos personajes (ni se imaginan cuantos), ya que se formarán nuevas alianzas con el fin de proteger el Páramo de la destrucción, pero el trío Jolie, Fanning y Pfeiffer son un lujo, hay tanta química entre estas mujeres que se realzan entre ellas y a la vez, otorgando aún más fuerza a la trama. Es interesante como finalmente la villana pasa a ser la Reina Ingrith, un rol antagónico que Pfeiffer interpreta muy bien, pero no por eso Maléfica, a pesar de encontrarse en un proceso de trasformación personal, deja de inspirar respeto y esa majestuosidad que solo Jolie es capaz de otorgar al personaje, porque seamos sinceros, es ella quien se roba la pantalla en cada una de sus apariciones.
Cuando vean la película podrían llegar a pensar que el argumento es algo rebuscado, pero es de esa manera que la trama logra ser original y enganchar al espectador , realzando los aspectos que fueron relevantes en la primera entrega y sumando nuevos. Una gran apuesta de Disney y como lo suele hacer la compañía, la película nos trae uno que otro mensaje, que destaca la capacidad de cada ser para transformarse, que no todas las historias son como nos las cuentan y hay uno que otro villano que puede tener su lado compasivo y ganarse tu corazón. No se pierdan Maléfica: Dueña del mal, ¡Les encantará!
¿Alguna vez has ido por la calle y sentido como que vas en un videojuego? Así como que vas caminando con una cámara y solo puedes ver el exterior de lo que te rodea. Apenas capaz de rasguñar la superficie. Pues después de ver PERRO BOMBA la sensación se hace peor y se afirma el dicho de que cada persona es un mundo.
La película narra un pedazo de vida de Steevens, un inmigrante haitiano que lucha en las calles de Santiago por tener un mejor porvenir. Lo interesante, lo más interesante, es que pareciera que se está frente a un documental, aunque en realidad se trata de un personaje de ficción en una situación ficticia. Sin embargo, lo bien realizada de la película da la sensación de verdad.
Entonces, lo que puedes ver en esta casi hora veinte de película es lo que viven los inmigrantes; sus periplos, sus desventuras, sus aspiraciones. Lo bueno, lo malo y lo feo: la música afro, la mezcla cultural, el racismo, la discriminación, la pobreza. Es una experiencia de inmersión que solo la gran pantalla logra y que resulta muy necesaria al momento de practicar el ejercicio diario de empatía.
Quizás el desafío más grandes, al momento de enfrentarnos a PERRO BOMBA, es tener que desprenderse de la expectativa de una película tradicional: la trama no se presenta como usualmente se presentan; los personajes no se elaboran como nos ha acostumbrado Hollywood. Incluso la cámara tiene un enfoque más de cine arte que de Megalodón contra Godzilla.
Entonces, PERRO BOMBA es varias cosas en una sola: un ejercicio estético muy bien realizado fácil de disfrutar; un desafío para la mente de salirse de las convenciones cinematográficas tradicionales; un despertar de conciencia respecto del mundo que nos rodea a todos los que vivimos en Santiago en modo videojuego. PERRO BOMBA ya está en la cartera de los principales cines de nuestro país.
Si hablar de esta película es difícil se debe al riesgo de entrar por la senda equivocada. El revuelo que está causando la supuesta incitación de la violencia en el cine suma un nuevo capítulo con el estreno de Joker, de Todd Philips, pero esta vez las cosas parecen más peligrosas que nunca. Profundizar y victimizar a un villano como este puede incitar a lecturas equivocadas, como también despertar voces que harán todo lo posible por buscar responsables de un momento delicado, especialmente en Estados Unidos. La discusión no deja de ser necesaria, pues el impacto que puede generar una obra artística de esta envergadura es, por lo menos, desafiante. Pero si algo nos ha enseñado el cine, es que las cosas pueden hacerse muy mal, o muy bien, y Joker no solo demuestra estar en el lado correcto, sino que en el necesario.
En Arthur Fleck (Joaquín Phoenix) recae todo el peso de una sociedad enferma. Él es un comediante frustrado que vive de manera precaria con su madre, luchando por obtener dinero trabajando como payaso, pero con la principal dificultad de poseer un trastorno que le impide dejar de reír. Desde el momento en que descubrimos los abusos por parte de una Ciudad Gótica violenta y carente de oportunidades, entramos rápidamente en el verdadero trasfondo que tiene esta película, y ese está mucho más cercano a un drama desolador que a una película de superhéroes. Incluso, si se quisiera comparar con la tremenda Logan (2017), allí hay mucho más de esos códigos que en Joker. No obstante, es destacable que la película entre de manera tan precisa y coherente en el universo de Batman al que pertenece, lo que no consta de simples guiños, sino que forma parte central de la trama.
Los lectores de cómics tendrán una visión mayor de lo que significa este villano, pero el cine no nos había dado una mirada tan profunda de sus orígenes. Esta es la oportunidad aprovechada de darle una nueva adaptación al personaje, y de paso, mandar un mensaje claro con esta carta anticapitalista. La responsabilidad de los poderosos en la creación de estos fenómenos suele ser algo común en el mundo de los superhéroes, pero nunca lo vimos en estos niveles de crudeza. No es extraño sentirse abrumado, conmovido y hasta contrariado tras salir de ver Joker, cuando el terror del discurso llega a transformarse en una fantasía poética y perturbada. Hay belleza en una tragedia monumental como la narrada en este drama que no se guarda nada, y aquí la importancia de Joaquín Phoenix es insuperable. Su versión del ‘Joker’ es impresionante, oscura como nunca, y sin salida. Mientras en el pasado hemos visto el poder del Joker, aquí veremos una caída que llega a herir. No solo por la caída de un personaje que es capaz de generarte empatía, es la caída de un sistema que representa el horror en el que deambula la sociedad actual. Lo complejo va en la falta de moralidad llevada al límite, ya que hablar de Arthur Fleck como una víctima que justifica los actos de violencia, con tal grado de grandiosidad visual y sonora, tiende a desviar los méritos propios de una película extraordinaria.
¿Es Joker una celebración de lo peor de nuestra sociedad? Más bien diría que es un funeral lleno de sangre. Creer que una película bien dirigida y cercana a un tema del que queremos escapar es una ofensa a las víctimas, es sesgar el verdadero llamado. Todd Philips pasó de dirigir comedias a este otro extremo por una necesidad de plantear una respuesta a la falta de comedia en nuestras vidas; ese es Arthur Fleck, y esa es la responsabilidad que se busca visibilizar. Joker no tiene temor a explicitar su violencia, tampoco teme a que el personaje goce de una épica que pueda ser cuestionable, en especial durante el último acto. Esa confrontación es lo que la hace tan única, e indudablemente un quiebre que marca un antes y un después en el cine de superhéroes. The Dark Knight (2008) también fue un quiebre en su momento, pero la diferencia es que en esa oportunidad se hablaba de cine. ¿Le hace mal a Joker que la discusión esté tan fuera de mero aspecto cinematográfico? Es difícil asegurarlo, pero no pondré en duda que la película tiene los méritos para merecer ser llamada una obra maestra, e indudablemente una de las mejores películas del año. Lo demás, quedará en la conversación.
En una noche fría de Shangai, iluminada por las luces artificiales de la ciudad, Yi está afligida por la pérdida de su padre y decide tocar su violín en el tejado del edificio para recordarlo. Ahí por cosas del azar descubre a un joven Yeti –que luego tendrá por nombre Everest– que se encuentra perdido y escapando de quienes quieren cazarlo. Yi junto a sus amigos Jin y Peng se embarcarán en un viaje épico para reunir a la criatura con su familia en la punta del Everest.
La calidez que desprende la película es palpable desde los primeros cinco minutos en quese presenta a Yi y a Everest. Ni uno ni el otro están dónde quieren, ambos quieren escapar. Yi perdió a su padre, pero ella cree que puede reunir al yeti con su familia y hará todo para conseguirlo.
Yi es una adolescente independiente –incluso se tilda solitaria–, que solo quiere realizar un viaje que no alcanzó a cumplir con su padre. La melancolía que produce en ella este suceso y que, pese a todo no considere rendirse en ningún momento, la vuelven una heroína fácil de empatizar y apoyar. Su encanto provoca emoción en el espectador, sus escenas poseen un sentir admirable y humano. Es un gran ejemplo de cómo construir un buen personaje principal que haga eco tanto en niños como adultos.
Un gran acierto es la compañía que produce la música durante la cinta. Yi toca el violín en determinadas ocasiones con un claro sentido de añoranza, con el que busca recordar las palabras de su padre “aunque el camino sea difícil no debes rendirte”. Una frase que puede resultar cliché, pero su trasfondo es puro y cada escena se realza con los sentimientos que despiden las cuerdas del violín y de la misma Yi.
Lo más destacable de la animación son los paisajes. Campos floreados, nubes color pastel y noches estrelladas terminan por cautivar al espectador por sus hipnóticos colores y movimientos. Ensoñar ciertos escenarios al ritmo del score solo vuelven más encantadora a Un amigo abominable. Y todavía más, en determinadas escenas que se ven danzar al compás del violín de Yi.
El humor es ingenioso, aunque recurra a trucos conocidos, porque es un elemento transversal a todos los personajes que componen el filme. Incluso la broma más infantil e inocente produce risas y si no, una pequeña cosquilla de ternura. Gran parte de ello es gracias a Jin y Peg, los amigos inseparables de Yi.
Gracias a Jill Culton, quien dirigió y concibió la idea de la película animada, DreamWorks parece haber recuperado esa chispa que a comienzos de siglo tanto disfrutaba. Un amigo abominable no busca reinventar el género, la cinta está más preocupada de hechizar y hacer volver a creer al público en la magia de lo imposible.
Es una historia que llegará al corazón de grandes y pequeños. Y que los hará querer abrazar a sus seres queridos. Es apta para todo público y se estrenó el pasado jueves 26 de septiembre.
