La película Tan inmunda y tan feliz es un encuentro cercano e íntimo con la recordada Hija de Perra, una travesti y artista performática que hoy es un ícono de la disidencia y referente del under latinoamericano.
Dirigida por Wincy Oyarce y producida por Adriana Denisse-Silva, llega a las salas nacionales a través de Miradoc el próximo 20 de julio con un fuerte apoyo del público, luego de su paso por los festivales de Valdivia, FIDOCS y Ñuble, y su reciente selección en AMOR Festival.
Posterior a su repentino deceso en 2014, el mejor amigo de Hija de Perra y director del documental, Wincy Oyarce, hace una revisión de su archivo personal y a través de múltiples registros audiovisuales inéditos muestra cómo su mejor amiga se convirtió en un personaje que incursionó en la música y el cine, escribió textos para la academia y transformó su travestismo en una acción política. Cuestionando así el género y la identidad sexual para muchos en una época donde el silencio estaba acompañado del miedo.
“Los dichos y acciones de Hija de Perra resultan sumamente inspiradores y necesarios en el contexto actual en el que vivimos, donde hay un avance de los discursos conservadores, religiosos y punitivistas contra los que justamente ella se revelaba. Creo que resulta siempre necesario recordar nuestra memoria disidente, nuestro patrimonio travesti y reconocer a quienes nos antecedieron en las luchas por nuestros derechos”, señala el cineasta, que también la dirigió en la rupturista película Empaná de Pino (2008).
El documental se centró, en una primera etapa, como señala el propio director, en desarrollar un guión que trabajó junto a la cineasta y docente Pamela Pequeño (La Hija de O'Higgins), “Fue complejo decidir cómo iba a contar la historia, desde dónde, de qué forma. Posteriormente la etapa de selección y de montaje trabajé con la asesoría de la montajista Melisa Miranda. Finalmente fueron años de trabajo cruzados también por el estallido social, por la pandemia y por el largo duelo de perder a una amiga”, profundiza el director.
En ese sentido este documental nos trae una visión adelantada a su tiempo, profunda e intensa de Hija de Perra para contagiarnos con su valentía, atrevimiento y desobediencia contra todos los paradigmas establecidos. En 87 minutos de duración, su director logra reflejar cómo la artista explora: “un montón de áreas que van desde la performance, la música, el cine, el diseño de vestuario. Fue un personaje completo, complejo, que en todo su desparpajo con su imagen provocadora y chocante, invitaba también a la reflexión y crítica social, con mucho sarcasmo, humor y con la inmundicia que la caracterizaba”, comenta su Wincy.
El público en sala podrá ver: “la historia de mi mejor amiga y el trabajo colaborativo de más de una década. Por un lado era emocionante y divertido encontrarse con todo ese material, pero también resultaba doloroso y triste en algunos momentos. De cierta forma significa también descubrir nuestra biografía, nuestra amistad y ver nuestro crecimiento artístico y personal” dice Oyarce.
Respecto al éxito previo en presentaciones y festivales durante el año pasado y su estreno para julio próximo, su director agrega: “es una película ideal para disfrutar en una sala de cine y sumergirse en el mundo de Hija de Perra, con toda su irreverencia, su arte radical y su ternura revolucionaria, que es necesario mantener viva. Yo de verdad creo que el público va a conectar y la va a disfrutar demasiado”.
Martín Rejtman es uno de los cineastas argentinos más importantes. Pionero del Nuevo Cine Argentino –y escritor destacado– desde que estrenó “Rapado” (1992) no ha dejado de asombrar a cinéfilos de todo el mundo con sus extraordinarias películas. Todas ellas –“Silvia Prieto” (1999), “Los guantes mágicos” (2003), “Copacabana” (2006), “Entrenamiento elemental para actores” (2009), “Dos disparos” (2014) y el corto “Shakti” (2019) coproducción de Florencia Larrea– han funcionado como verdaderos hitos culturales.
Ahora, cuatro años después de su última entrega, Martín Rejtman regresa con “La Práctica”, una película de producción chilena. El estreno mundial será en el prestigioso festival de San Sebastián, que irá del 22 al 30 de septiembre. Formará parte de la Selección Oficial.
La película comienza cuando Gustavo y Vanesa se separan y tienen que revisar todos sus proyectos. Los dos son profesores de yoga. Gustavo es argentino, Vanesa, chilena. El viaje a la India se cancela. Vanesa se queda con el departamento y deja el estudio que compartían; Gustavo se queda sin casa. Por el estrés acumulado Gustavo se lesiona la rodilla y reemplaza el yoga: primero por ejercicios de cuádriceps y después por el gimnasio. Entre alumnos y ex alumnos su vida empieza a encarrilar y poco a poco vuelve a encontrar el camino a la práctica.
REJTMAN: “Se basa en experiencias que viví durante mis viajes a retiros de yoga en Chile”
Detrás de “La Práctica” está Quijote Films, casa productora chilena que comparte créditos con Un Puma (Argentina), Rosa Filmes (Portugal) y Pandora Filmproduktion (Alemania). La película es otro hito internacional de la compañía chilena liderada por Giancarlo Nasi que este año también se involucró en “Los Colonos”, estrenada en Cannes.
Con un elenco mayoritariamente chileno que incluye a Manuela Oyarzún, Amparo Noguera, Camila Hirane y Catalina Saavedra, la cinta se filmó en nuestro país y en Portugal.
Para el director: "Esta historia se basa en experiencias que viví durante mis viajes a retiros de yoga en Chile. Trata sobre un profesor de yoga que pierde el control de su vida al quedarse sin casa y sin esposa, además de sufrir una lesión que le impide trabajar. Con "La Práctica", busqué crear un relato que evoca humor y calidez a través de relaciones paradójicas y situaciones absurdas y graciosas. Es una película que presenta universos identificables y complejos habitados por personajes entrañables e hilarantes”.
“Para Quijote y para mí, volver a formar parte de la competencia oficial de San Sebastián es un verdadero motivo de orgullo. Después de años de trabajo junto a Martin Rejtman, consagrado director argentino, logramos filmar esta película tanto en nuestro país como en Europa, demostrando nuestra capacidad para convocar talentos de diferentes partes del mundo, y así lograr películas de impacto internacional” destaca el coproductor Giancarlo Nasi. Y agrega: “Este año ha sido especialmente gratificante para Quijote. Nuestra película, “Los Colonos” de Felipe Gálvez, tuvo la oportunidad de participar en la competencia oficial del Festival de Cannes, algo que no ocurría desde hace 12 años para nuestro país, obteniendo además el premio de la crítica (FIPRESCI). Ahora, tener la oportunidad de competir en la prestigiosa competencia oficial de San Sebastián, otro de los festivales más importantes del mundo, es un logro no solo para nosotros, sino también para el increíble equipo que hizo posible esta película y para el cine chileno en su conjunto”.
Para Florencia Larrea, productora del filme “La Práctica" es una emocionante película que combina situaciones absurdas y graciosas de la vida cotidiana. Martin Rejtman es uno de los directores latinoamericanos más importantes de todos los tiempos. Decidió tomar el desafío de cruzar la cordillera y hacer esta película. Y ser parte del proceso ha sido un honor para todo el equipo técnico y artístico que participó en la película ya que muchos somos sus fans!. Martín, siempre me expresó que estaba encantado con el nivel de los actores chilenos. El proceso de casting duró 3 años y fue encabezado por Manuela Martelli.
FICHA TÉCNICA
Dirección y guion: Martín Rejtman.
Producción: Florencia Larrea, Giancarlo Nasi, Fernando Bascuñán, Jerónimo Quevedo, Victoria Marotto, Joaquim Sapinho, Marta Alves, Christoph Friedel, Claudia Steffen.
Gustavo y Vanesa se separan y tienen que revisar todos los proyectos. Los dos son profesores de yoga. Gustavo es argentino, Vanesa, chilena. El viaje a la India se cancela. Vanesa se queda con el departamento y deja el estudio que compartían; Gustavo se queda sin casa. Por el estrés acumulado Gustavo se lesiona la rodilla y reemplaza el yoga: primero por ejercicios de cuádriceps y después por el gimnasio. Entre alumnos y ex alumnos su vida empieza a encarrilar y poco a poco vuelve a encontrar el camino a la práctica.
Es una de las películas chilenas más aclamadas del último tiempo a nivel internacional. “La vaca que cantó una canción hacia el futuro”, primer largometraje de Francisca Alegría, se estrenó el año pasado en el Festival de Sundance y, desde entonces, no ha parado de recorrer el mundo acumulando elogios y premios.
Ahora fija fecha de estreno en salas chilenas. Llegará el jueves 3 de agosto a cines de todo el país, con distribución de Wood Producciones.
La historia se ambienta en un contexto particular: miles de peces están muriendo en un río contaminado en el sur de Chile. Magdalena, una mujer fallecida hace mucho tiempo, emerge entre los cuerpos sin vida, encontrándose con su esposo y causándole un estado de shock, lo que provoca el regreso a casa de su hija Cecilia. La presencia de Magdalena despierta tanta curiosidad como miedo en su familia. Mientras aclaran el pasado, madre e hija, se encuentran con una oportunidad de cambiar el futuro.
“La vaca que cantó una canción hacia el futuro” cuenta con las actuaciones de Leonor Varela, Mia Maestro, Alfredo Castro, Marcial Tagle, Enzo Ferrada, Luis Dubó, María Velázquez y Laura del Río entre otros. Con un guión de Francisca Alegría, Fernanda Urrejola y Manuela Infante.
ALEGRÍA: “Es una invitación a apagar la parte racional del cerebro y entrar a un territorio totalmente intuitivo”
Francisca Alegría es titulada en Dirección de la Universidad Católica de Chile y tiene un M.F.A. en Guión y Dirección de Cine en la Universidad de Columbia. Su cortometraje “Y Todo el Cielo Cupo en el Ojo de la Vaca Muerta” recibió el premio a Mejor Corto Internacional de Ficción en el Festival de Sundance 2017; Mejor Corto Latinoamericano en el Festival de Cine de Miami y fue seleccionado en el Festival de Cine de Toronto, entre otros.
“La idea del largo nació de una especie de ejercicio de escritura donde dejé que las ideas “bajaran”, sin filtro. Hacía años que me venían imágenes, todas en relación al campo de mis abuelos maternos y mi infancia, y comencé a recolectarlas en forma de guión. En ese primer gesto donde escribí un guión sin detenerme a pensar ni arreglar nada, un personaje encontraba una calavera de vaca (una vivencia sacada de mi niñez) y la calavera habló… en ese momento leí lo que escribí y algo se encendió. Creo que esta es la semilla de esta historia, que comenzó el 2011. Es un viaje sensorial, una invitación a acercarnos al mundo invisible que nos rodea”, cuenta Alegría.
A pesar del proceso libre de inspiración, es una obra que refleja el mundo en que vivimos. “Parte de la propuesta de la película es ver cómo los humanos hemos tejido un mundo separado de lo que nos rodea, incluso separados de otros seres humanos”, analiza la directora. “Cuando hablamos de traumas o heridas familiares, por ejemplo, tiene que ver con la falta de empatía o comunicación que ha habido en nuestras historias… Es en este trauma donde Magdalena, la madre muerta, viene a escarbar”.
“Me preguntan mucho si fue consciente del paralelo entre la madre (Magdalena) y las madres vacas en la película. La respuesta es sí. Las vacas en ciertas tradiciones orientales, como la Hindú, son sagradas. La vaca es una deidad que se protege y se venera. En nuestra cultura occidental, la vaca es un cuerpo femenino violado, mutilado y succionado para la satisfacción inmediata de los seres humanos. Las vacas, al igual que Magdalena, que fue alejada de sus hijos por su marido, son alejadas de sus críos. En el sistema de las lecherías, a la hora en que debieran darle leche a las terneritas, las vacas son llevadas a la sala de ordeña para sacarles su leche y luego envasarla. Mientras, las terneritas reciben leche en polvo, otra leche que no es la de sus madres. El vínculo de las mamíferas con sus críos es prohibido para las vacas...”, reflexiona la directora.
Sobre los desafíos que tuvieron en el proceso, Alegría agrega: “grabamos en plena pandemia, donde en Chile era muy difícil conseguir vestuario, por ejemplo. Trabajamos con lo que pudimos encontrar en ese momento. Tuvimos la suerte de contar con co-productores de tres países. Fuera de los desafíos más clásicos de las películas independientes, creo que nuestro rodaje estuvo bendecido por el cariño de todxs quienes ayudaron en la película, incluyendo a los animalitos y el territorio en que grabamos”.
“Esta película es una invitación a apagar la parte racional del cerebro por una hora y media”, añade la cineasta. “No es una instancia donde la audiencia vaya a anticipar eventos ni a saber lo que viene. Por el contrario, es una historia que toma giros inesperados, justamente porque la trama fue tejida de forma intuitiva”.
Inspirada en hechos reales, “ALLANAMIENTO”es un thriller de corrupción policial tras un operativo ilegal.
El subcomisario de la Policía de Investigaciones, Matos (Pablo Cerda), solicita ayuda a la comisario Novoa (Blanca Lewin) para ingresar a la Fiscalía y deshacerse de unas grabaciones que los acusan de narcotráfico, torturas y corrupción. Solo hay 48 horas para limpiar los rastros y librarse de una investigación, pero una traición interna pondrá en peligro la operación.
“ALLANAMIENTO”, tuvo su debut en Ibero American Film Festival de Miami, donde obtuvo una mención especial del jurado, también se presentó en WIP SANFIC, siendo ganadora del premio SANFIC GOES TO CANNES.
La película es protagonizada por un gran elenco de actores: Pablo Cerda, Blanca Lewin, Juan Pablo Ogalde, Pablo Schwarz, Daniela Ramírez, Julio Milostich, Gabriel Cañas y Nathalia Galgani.
Ficha Técnica:
Casa Productora: Pira Films
Duración: 74 minutos
Directora de Arte: Alejandra Ortiz Alonso
Sonidista: Soledad Andrade López
Montajista: Valeria Hernández
Música: Matías Serrano Acevedo y Juan José Acuña
Distribución Chile: Storyboard Media
INSPIRADA EN UNA HISTORIA REAL:
El año 2012, en plenas eliminatorias mundialistas de fútbol, un grupo de detectives de la Policía de Investigaciones (PDI), realizó un allanamiento sin autorización. No reportaron la droga y los teléfonos que se llevaron.
Tras 2 años de investigación, se ordenó la detención de los detectives por 126 delitos, entre ellos: Allanamientos y detenciones ilegales, apremios ilegítimos y falsificación de partes policiales. La sentencia no incluyó la grabación ilegal realizada al fiscal a cargo del caso, ni la perdida de 4.000 interceptaciones telefónicas.
“Vieja Viejo”, galardonada película del director de cine Ignacio Pavez, tendrá su estreno en salas desde el jueves 29 de junio en el Centro Arte Alameda - Sala Ceina. La película, que cuenta con las actuaciones protagónicas de Paulina Moreno y Nicolás Zárate, y que ya se ha exhibido en varios festivales de cine a nivel nacional, aborda algunos de los problemas a los que se enfrentan gran parte de los Adultos Mayores de escasos recursos económicos en Chile.
Esta coproducción nacional entre Gallo Negro Producciones y Naira Films y distribuida por Santiago Independiente Cine, nos cuenta la dramática historia de Carmen y Jorge, una pareja que lucha contra la vejez, el abandono y los problemas de salud, que un día les afectarán tremendamente, poniendo su relación a prueba.
Al respecto, el director Ignacio Pavez nos comenta:
“La película intenta reflejar la realidad de mucha gente de la Tercera y Cuarta Edad de escasos recursos económicos, quienes deben afrontar un sin número de problemas día a día, desde una situación de abandono social, familiar y económico. Lo que queremos es posicionar reflexiones sobre el envejecimiento y la vejez que no solamente les corresponden a las personas mayores, sino que también a los jóvenes y a todos nosotros como sociedad.”
La obra visibiliza esta cruda realidad a través de un lenguaje audiovisual que combina diferentes formatos digitales y que experimenta también con una propuesta artística innovadora desde lo actoral. Paulina Moreno (Carmen), quien ha protagonizado películas como “7 Semanas” y “La Isla de los Pingüinos”, habla sobre la experiencia de interpretar a un personaje que pertenece a una generación y edad distintas:
“Hay un punto interesante y complejo en donde se entremezcla mi cuerpo, mi biografía, mis relaciones de pareja y familiares con las de una persona de la Tercera y Cuarta edad, y eso me parece fascinante como motor de investigación y creación en la interpretación de los personajes, sobre todo porque también le entrega una autenticidad al lenguaje de la película.”
Por su parte, Nicolás Zárate (Jorge), actor de películas como “Y de pronto el Amanecer”, “El Príncipe”, “Algunas Bestias”,”El Tila”, entre otros, también concuerda que el largometraje adopta una relevancia nacional al dar a conocer esta realidad:
“Vieja Viejo" es una película muy interesante y que hay que ver, no solo por el tema que trata, sino por la forma en que lo aborda. En ese sentido, creo que es una obra necesaria hoy en día, ya que es urgente poder reflexionar respecto a la situación en la que se encuentran muchos Adultos Mayores en el país, y no solo por ellos, sino que también por nuestro futuro.”
La película se adjudicó el premio de la Crítica SIGNIS Chile durante su paso por el Festival Internacional de Cine de Santiago (SANFIC), el Premio Chile Actores a Mejor Actriz en el Festival Internacional de Cine de Iquique 2022, y también obtuvo los galardones de Mejor Largometraje, Mejor Actuación, Premio Especial Jurado del Cine Chileno en Fecich, Chile, 2023. Finalmente, en el Festival Internacional de Cine de Puerto Montt, se llevó una Mención Honrosa.
Su estreno se llevará a cabo el Jueves 29 de junio a las 19:00 horas en la sala Ceina (ubicada en Arturo Prat 33) exhibición que contará con un conversatorio posterior a la función con el equipo realizador, moderado por la periodista y crítica de cine Marisol Águila.
Si las películas infantiles no son habituales en nuestra filmografía nacional, aún menos comunes lson las que convocan a una audiencia transversal. “Fiebre”, el nuevo largometraje de Elisa Eliash (“Mami te amo”), está pensado para un público amplio pero, principalmente, para los niños y su capacidad de imaginar y jugar.
Se trata de un largometraje único e imaginativo que fue construido con distintas técnicas, mezclando la animación con el live action. Ha recorrido festivales como el Black Nights Film Festival (Tallin, Estonia), FICValdivia (Chile), Mar del Plata (Argentina), Spirit of Fire (Rusia), el 41º Festival de la Cinemateca Uruguaya, Golden Flower (Beijing), Smile International Film Festival (Nueva Delhi), 8 Mi Primer Festival (Perú) donde fue distinguida como Mejor Película Largometraje.
Su estreno tendrá lugar en la Red de Salas de Cine de Chile el próximo 6 de julio. Distribuye bzfilms.
“Fiebre” está protagonizada por Lautaro Cantillana Teke (hijo de Néstor Cantillana y Macarena Teke). Lo acompañan Nora Catalano (hija de Paula Zuñiga), José Soza, Macarena Teke, Néstor Cantillana y Paula Zúñiga, entre otros.
ELISA ELIASH: “Los niños se convirtieron en agentes creativos esenciales”
“Hola. Mi nombre es Nino. No niño; Nino. Mi mamá no me deja prender fósforos pero hoy no me aguanté”, cuenta el pequeño protagonista mientras lo vemos sosteniendo el palito de madera encendido. A Nino tampoco le dejan jugar afuera por su “problema a los ojos”. Esto lo ha llevado a pintar compulsivamente. Un día, su madre le vuelve a contar su historia favorita sobre un misterioso cuadro y las cosas comenzarán a ponerse extrañas. Sumido en una fuerte fiebre, Nino es absorbido por la pintura. A partir de entonces, Nino se pierde en un laberinto de imágenes que solo lo alejará más y más de la seguridad de su hogar, pasando de la pintura al cine clásico, del dibujo a la fotografía y del paraíso polinésico al mito del volcán. ¿Podrá Nino volver con su madre?
“Fiebre” es un viaje sensorial que envuelve al público en cada proyección. Una experiencia cinematográfica única en nuestro cine y que apunta a convertirse en una película infantil de culto.
“No hay nada más entretenido que ver una película con niños”, destaca Elisa Eliash. “Para los que hacemos cine es el máximo desafío porque es la mirada más atenta y menos condescendiente; es la prueba de fuego. Siempre me llamó la atención el poco espacio que le damos en Chile a esta audiencia pero el “click” vino un día en que me tocó controlar el llanto de una niña con una historia. Es un ejercicio increíble para una narradora: capturar la atención pero también estar a la altura de las expectativas; sintonizar en los temas, hablar desde eso que los mueve y sin mirarlos en menos. Sin duda es una película que nace de mi lado más infantil también, es puro juego”.
La directora, quien fue coguionista de “El bosque de Karadima”, define a “Fiebre” como “una película divertida y algo delirante pero también desafiante y llena de sorpresas. Es una película sobre contar historias, muchas historias que se mezclan y se confunden con sueños y fantasías. Es un viaje de crecimiento lleno de paradas insólitas y mucha belleza visual”.
“La película tiene muchas capas, muchos juegos”, continúa Eliash. “Hay una idea sobre el difícil proceso de crecer, separarse de la madre y hacerse autónomo y también algo sobre la peligrosidad y también la fascinación por las imágenes; algo que las nuevas generaciones hiperconectadas e hiperaudiovisuales conocen bien. Además nos interesaba demostrar que el cine infantil puede ser tan entretenido como interesante, que la experimentación es compatible con la entretención y la emoción con el humor. Es un cine que no le teme a lo narrativo en el sentido más clásico, a contarte un cuento, pero elige hacerlo con formas locas”.
Sobre los desafíos que tuvo la película opina: “Para empezar, hay una mezcla de técnicas audiovisuales, de tratamientos, de estilos y técnicas de animación complejísima. Hicimos un trabajo de artesanía con los episodios animados, como dar vida a un dibujo en la arena, por ejemplo, como en una pintura que se moja y se transforma, o en un mundo de papel, o en el imaginario mítico de una leyenda polinésica. Hemos creado universos originales alucinantes, combinándolos con espacios reales no menos especiales”.
Trabajar con actores infantiles siempre supone un desafío. “Pero sobre todo, ha sido un placer”, destaca la cineasta. “También contamos con un equipo de entrenadores especializados y nos obsesionamos con hacer un trabajo impecable y profundo. Una de las cosas que más orgullo me da son los tremendos actores con los que tuve la suerte de trabajar, encabezados por Lautaro Cantillana Teke, que en ese entonces tenía once años, pero que es un actor nato. Sin duda, también influye el hecho de que sus padres son actores, a quienes ha visto desempeñar este oficio desde que tiene memoria, pero es algo más que eso. Lautaro posee una naturalidad y una intuición única. Yo lo conocía de guagua y siempre me llamó la atención su sensibilidad, su interés por la música, su tranquilidad y simpatía. Cuando supe que estaba interesado en actuar, no lo dudé. Además, surgió la idea de que sus padres interpretaran a los padres del personaje, lo cual encajaba perfectamente con el espíritu familiar del proyecto. El resto del elenco infantil son también brillantes, como por ejemplo la increíble Nora Catalano Zúñiga, hija de la actriz Paula Zúñiga, que ha tenido un efecto magnético en los públicos. Y es que el cine tiene esa capacidad de transmitir de forma tan directa, en este caso, la interpretación de estos -en ese entonces- niños maravillosos. Haber podido capturar eso es un regalo”.
Eliash agrega: “En esta película, los niños que participaron- que fueron muchos- se convirtieron en agentes creativos esenciales. Hay ideas brillantes y elementos fundamentales de la trama que fueron contribución de ellos. Haciendo la película comprobamos que si de verdad escuchas a los niños, el resultado solo puede ser genial”.
La cultura popular, y particularmente el mundo de la música, están llenos de historias. Una de ellas es la de Neil Bogart, fundador de Casablanca Records, figura fundamental dentro de la industria al que se le atribuye el descubrimiento de Kiss, Parliament, Donna Summer y Village People, entre otros artistas fundamentales.
“Disco de Oro” narra la increíble historia del sello y la locura detrás de canciones que forman parte del soundtrack de nuestras vidas, sumándose así al género en boga de largometrajes basados en la música popular.
Distribuida por BF Distribution, “Disco de oro” se estrenará en cines chilenos el próximo 1 de junio.
EL SELLO DISCOGRÁFICO QUE CAMBIÓ TODO
Lo interesante de “Disco de oro” es que quien está detrás del proyecto, en calidad de guionista y director, es el hijo del retratado: Timothy Scott Bogart. Él narra la historia de su padre desde sus orígenes en una familia judía de clase baja hasta que se convirtió en el millonario fundador de Casablanca Records en 1974, uno de los sellos más importantes en la cultura pop de la década.
“Neil Bogart era mi padre, y esta película es mi carta de amor para él y los artistas musicales que ayudó a presentar al mundo”, dice el guionista y director Timothy Scott Bogart. “Nació como Neil Bogatz en la pobreza en los proyectos de Brooklyn, donde trazó sus sueños y esquemas para dejar su huella en el mundo. Me tomó más de veinte años, pero finalmente puedo contar la historia imposible de cómo se liberó de esos humildes comienzos para definir la música de una generación, y finalmente se convirtió en el visionario al frente de la legendaria Casablanca Records”.
“La gente no ha oído hablar de Neil Bogart y, sin embargo, fue responsable de definir la banda sonora de una década. Esta película va a ser una hermosa revelación para la gente”, agrega el productor nominado al Oscar Laurence Mark.
Bogart dice que cada parte de Disco de Oro es cierta, incluso las partes que no lo son. “Todos los niños ven a sus papás como algo más grande que la vida, pero mi papá realmente lo era”, dice Bogart. “Como el mejor showman, su don consistía en crear las fantasías que todos los que lo rodeaban anhelaban que se hicieran realidad. Ya sea que eso fuera el cumplimiento de sus propios sueños, o simplemente tomar el paseo en la alfombra mágica del que él era el máximo conductor, el regalo de mi padre fue poder hacer realidad los sueños de todos, y así para mí, no solo como hijo, pero como cineasta, la pregunta era, ¿cómo expresar eso? ¿Mi papá realmente hizo que Donna Summer se estirara en el suelo cuando grabó 'Love to Love You'? ¿Estaba realmente en la habitación del piano con Gladys Knight, reimaginando 'Midnight Plane to Houston' en 'Midnight Train to Georgia'? Hay verdad en cada una de las historias que hemos contado, pero ¿de quién es la versión de esa verdad? Bueno, los recuerdos de todos son fieles a ellos, y esa es la historia que nos propusimos contar”.
Narrada por el propio Neil, la historia se desarrolla en el transcurso de una década tumultuosa, de 1966 a 1977. Decidido a hacerse un nombre, pero con una deuda de millones de dólares, arriesga todo para hacerse un lugar en el mundo de la música.
UN ELENCO PERFECTO
El actor y cantante nominado al premio Tony Jeremy Jordan (“Newsies”, “Bonnie & Clyde”) le da vida a Neil. "Tuve que investigar un poco para averiguar quién era Neil", dice Jordan. “Tim tenía todos los recursos, así que me enviaba clips de cosas que había recopilado que no se pueden encontrar en línea, entrevistas con personas que habían conocido a Neil. Sentí que lo conocí de esa manera".
“Lo que aprendí fue que Neil trataba a los artistas como familia”, dice Jordan. “Esa es una especie de su magia: les da la bienvenida, los lleva exactamente a donde están en su viaje musical, su viaje personal, dónde están en la vida, dónde están creativamente, y los hace sentir que son parte de su familia. Así es como consiguió que todas estas personas se unieran. Tenía este magnetismo que podía respaldar, porque era inteligente como productor y hombre de negocios”.
Interpretando a la esposa de Neil, Beth, está Michelle Monaghan (la franquicia “Misión: Imposible”, “Gone Baby Gone”). “Beth intenta ser la roca de Neil. Cuando se encuentran, son de orígenes muy diferentes. Neil la levanta y ella termina atrapada en su órbita mientras él se dispone a perseguir sus sueños”.
“Lo interesante de su relación”, dice Monaghan, “es que incluso cuando las cosas comienzan a ponerse difíciles, incluso cuando Neil se equivoca mucho, todavía se preocupan profundamente el uno por el otro. Los verdaderos Neil y Beth eran socios comprometidos en la vida, y ella fue la primera en creer que sus sueños podrían ser una realidad. Jeremy y yo tratamos de llevar a la pantalla esa profunda afinidad y conexión que teníamos, incluso cuando Neil le está rompiendo el corazón”.
Jay Pharoah (“Saturday Night Live”, “Bad Hair”) interpreta a Cecil Holmes, el mejor amigo y socio comercial de Neil. Tim Bogart recuerda la relación entre Cecil y su padre: “Cecil empieza tan arruinado como Neil, pero está locamente enamorado de la música y no hay nada que prefiera hacer con su vida. Entonces, cuando las cosas comienzan a salirse de control, cuando Casablanca comienza a hundirse en una cantidad de deuda realmente aterradora y la mafia se involucra, Cecil se mantiene firme. Él cree en estos artistas. Él sabe que este trabajo vale la pena”.
Jason Isaacs (la franquicia de “Harry Potter”, “La muerte de Stalin”, “El patriota”) interpreta al pobre Al Bogart, el padre de Neil. “Al era un tipo que hablaba mucho, jugaba poco, siempre fallaba y nunca iba a salir de Brooklyn”, dice Isaacs. “Neil se inventó a sí mismo antes de inventar a nadie más por quién era su padre y, lo que es más importante, por quién no era su padre. Después de conocer a Al, espero que la audiencia comience a entender por qué Neil lo arriesgaría todo, por qué se sabotearía a sí mismo, por qué preferiría tirar los dados para triunfar o perderlo todo. Para que al menos esté dando un verdadero giro en la vida”.
Completan el elenco la superestrella del stand-up Sebastian Maniscalco (“Mi papá es un peligro”) como Giorgio Moroder, Peyton List ("The Rookie" y "Charmed") como Nancy Weiss, Lyndsy Fonseca (“Kick-Ass”, “Hot Tub Time Machine”) como Joyce Biawitz, James Wolk (“Mad Men”) como Larry Harris, Michael Ian Black (“The State”) como Bill Aucoin y Chris Redd (“Saturday Night Live”) como Frankie Crocker.
“Disco de oro” es una película emocionante y llena de música que encantará a quienes buscan las historias detrás de las canciones que han marcado nuestras vidas.
Cuando en 1989 llegó a los cines el clásico animado de DisneyLA SIRENITA, las audiencias de todo el mundo conocieron la música que acompañaba la historia de Ariel, la joven sirena que soñaba con explorar el mundo más allá de su hogar. Aquella banda sonora creada por el compositor Alan Menken y el fallecido letrista Howard Ashman no solo fue distinguida con dos premios Oscar® a mejor banda sonora original y mejor canción original por “Bajo el mar”, sino que a su vez colocó a Menken en la prestigiosa lista “EGOT”, integrada por tan solo 18 artistas que a lo largo de sus carreras han recibido los premios Emmy®, Grammy®, Oscar® y Tony®.
34 años después de aquel estreno, canciones como “Bajo el mar” y “Parte de él” siguen formando parte de la cultura popular y llegando a los corazones nuevas generaciones. En LA SIRENITA, el nuevo film de acción real que llega mañana a los cines, las icónicas canciones de la película original regresan en las voces de Halle Bailey, Melissa McCarthy, Awkwafina y el resto del extraordinario elenco que da vida a la historia, al tiempo que la banda sonora se expande con tres nuevas canciones —“Aguas indomables”, “Primera experiencia” y “Hay un rumor”— que llegan de la mano de otro gran creativo: el productor y letrista Lin-Manuel Miranda. Un nuevo contenido adicional, “Halle aprendiendo español” ya se encuentra disponible aquí.
Estos son seis datos clave sobre el proceso creativo detrás de la música del nuevo film.
LIN-MANUEL MIRANDA ES EL FAN #1 DE LA MÚSICA DE LA SIRENITA
Para Lin-Manuel Miranda, incorporarse al equipo creativo detrás de la música de LA SIRENITA fue tan maravilloso como aterrador. El productor y letrista es un fanático confeso de la película original, al punto que expresó que probablemente sea más responsable de su amor por la narrativa musical que cualquier otra cosa en su vida.
Dice Miranda:
“Howard Ashman estableció un estándar increíble como letrista. Creo que ‘Parte de él’ es una de las canciones de personaje más grandes de todos los tiempos porque es una balada extraordinaria y al mismo tiempo es muy conversacional, sin sacrificar ninguna de las dos cosas”.
Alan Menken, en tanto, asegura que haber unido fuerzas creativas con el talentoso creador de Hamilton, el musical fue un regalo, y no escatima en elogios para el artista. “Lin es absolutamente invaluable como talento, como intelecto y tiene un gran corazón. Lo conozco desde que era niño, así que se me hincha el pecho de orgullo viéndolo hacer lo que hace y sabiendo que la película original tuvo un papel tan importante en su vida. Todo eso hizo que trabajar juntos fuese un placer inmenso”.
EL LEGADO DE HOWARD ASHMAN SE HONRÓ CADA DÍA DURANTE EL PROCESO CREATIVO
Para el equipo liderado por el director Rob Marshall, y especialmente para Alan Menken, encarar la realización de una nueva versión de LA SIRENITA sin el aporte del extraordinario letrista Howard Ashman, fallecido en 1991, era un gran desafío emocional y artístico. “No hubo un solo día sin que Alan mencionara a Howard y lo trajera a la conversación. Se aseguró de que no nos olvidáramos de su genio”, señala el productor John DeLuca.
Menken, por su parte, valora especialmente el amor de las audiencias por LA SIRENITA y guarda un recuerdo muy especial de la experiencia de creación de esa música junto a Ashman.
“No me puedo quejar si la gente quiere volver a cosas que hice en el pasado y me dice ‘hagamos una nueva versión de esto’. LA SIRENITA, entre todas, es como la joya más bonita. Fue la primera. Howard todavía estaba bien cuando la hicimos, aunque sabíamos que tenía los días contados. Fue una época muy feliz y maravillosa”, recuerda el compositor.
LAS CANCIONES SE GRABARON CON UNA ORQUESTA DE 100 MÚSICOS
Las canciones de LA SIRENITA se grabaron a comienzos de 2020 en los famosos AIR Studios de Londres, donde el elenco tuvo el extraordinario privilegio de cantar junto a una orquesta de cien músicos provenientes, en su mayoría, de la Orquesta Filarmónica de Londres. “Cantar con una orquesta enorme fue muy emocionante, especialmente grabar en los icónicos AIR Studios, que se alojan en una iglesia convertida. Las iglesias y la energía que hay dentro siempre me parecieron algo mágico, así que fue una de las experiencias más hermosas de mi vida”, confiesa la actriz Halle Bailey, quien da vida a Ariel en el film.
LOS TEMAS MUSICALES SE REPRODUCÍAN EN EL SETDURANTE EL RODAJE
Una vez grabadas, Marshall llevó las pistas definitivas al setcon la misión de inspirar al elenco en escena a través de la fuerza única de la orquesta. Así, se aseguró de que el departamento de sonido les diera audífonos a cada uno de los actores y las actrices para que pudieran escuchar la banda sonora en cada escena que correspondiera. “Ya habíamos pregrabado las canciones, pero Rob también quería tratar de captar algo en vivo del set, lo que ayudó muchísimo a crear atmósfera”, explica el actor Jonah Hauer-King, quien interpreta al príncipe Eric en la película.
LA CANTANTE AWKWAFINA IMPRIMIÓ SU SELLO EN UN RAP MUY SINGULAR
El elenco de LA SIRENITA está integrado por la actriz y cantante Awkwafina, quien presta su voz en inglés al ave Scuttle, uno de los grandes compañeros de Ariel. En su rol, la artista no solo transmite con un humor único el carisma y la energía de Scuttle, sino que además brilla especialmente en un momento especial de la historia: al cantar la nueva canción “Hay un rumor”, cuyo título significa “rumor” en inglés.
Cuenta Marshall: “Estábamos buscando una canción rítmica y vertiginosa, que fuera divertida y excéntrica para Scuttle. En esa canción, Scuttle da las noticias del reino y, por supuesto, lo dice todo mal”. El director explica que decidieron darle un estilo rapero a la canción porque Scuttle habla muy rápido, un desafío que Awkwafina superó con creces. “Lo genial de Awkwafina en el papel de Scuttle es que ella le aporta una energía alocada y única al personaje”, asegura.
ROB MARSHALL SE INSPIRÓ EN EL MISMÍSIMO WALT DISNEY PARA DAR VIDA A “BAJO EL MAR”
Para dar vida a la interpretación de “Bajo el mar”, Marshall y su equipo se enfrentaron a la ambiciosa tarea de crear un número musical con la presencia de 500 criaturas de mar animadas y tan solo un actor real. Al momento de desarrollarlo, el realizador supo a quién recurrir como fuente de inspiración.
“Lo primero que pensé fue: ‘¿qué hubiese hecho Walt Disney?’ Inmediatamente pensé en la manera en la que Disney encaró la secuencia de danza «Nutcracker Suite» para la película FANTASÍA, y recordé que había llevado la compañía de Ballets Rusos a los estudios de Disney en Anaheim, de manera que los artistas pudieran usar sus movimientos como base para los bailes de las flores, los hongos y los copos de nieve”.
A fin de seguir el mismo proceso, Marshall convocó a los bailarines de la Alvin Ailey Foundation para representar la compleja coreografía bajo el mar y ubicarse en los lugares de todas las extraordinarias criaturas que forman parte. De la mano de los reconocidos coreógrafos Joey Pizzi (Chicago, EL REGRESO DE MARY POPPINS) y Tara Nicole Hughes (EL REGRESO DE MARY POPPINS), se crearon pasos de danza específicos para lirios de mar, lapas, peces golondrina, anguilas, tortugas marinas, pulpos, medusas y más especies. “Comenzamos con guiones gráficos, luego pasamos a las animáticas y luego a las previsualizaciones. Fue el proceso de diseño de un número de producción más complicado que hicimos en la vida”, confiesa el cineasta, al tiempo que cuenta que él y su equipo tardaron más de dos años en completar la secuencia.
A partir de mañana, 25 de mayo, las audiencias del mundo entero viajarán bajo el mar para bailar, cantar y conmoverse con una de las bandas sonoras más extraordinarias de todos los tiempos, descubriendo en cada canción un poco de la magia hecha por un equipo único, con talento, entrega y amor absoluto por una historia eternamente vigente.
La nueva banda sonora de LA SIRENITA de Disney ya está disponible en Apple Music, Spotify y Amazon Music. El video clip de "Part of Your World" puede verse en YouTube.
SINOPSIS OFICIAL:
LA SIRENITA, la nueva película de acción real del visionario cineasta Rob Marshall inspirada en el clásico musical animado ganador del Oscar®, estrena exclusivamente en los cines de Latinoamérica el 25 de mayo de 2023. LA SIRENITA es la querida historia de Ariel, una sirena joven y apasionada con ansias de aventuras. Ella es la más joven y rebelde de las hijas del rey Tritón, y sueña con descubrir el mundo más allá́ del mar. Mientras visita la superficie, se enamora del distinguido príncipe Eric, y aunque las sirenas tienen prohibido relacionarse con los humanos, Ariel debe seguir a su corazón. Así́ es como hace un trato con la malvada bruja del mar, Úrsula, que le da la oportunidad de experimentar la vida sobre la tierra, pero finalmente pone su vida, y la corona de su padre, en peligro.
La película está protagonizada por la cantante y actriz Halle Bailey (Grown-ish) como Ariel; Jonah Hauer-King (Mis huellas a casa) como el príncipe Eric; el ganador del premio Tony® Daveed Diggs (Hamilton, Snowpiercer) como la voz de Sebastian; Awkwafina (RAYA Y EL ÚLTIMO DRAGÓN) como la voz de Scuttle; Jacob Tremblay (LUCA, La habitación) como la voz de Flounder; Noma Dumezweni (EL REGRESO DE MARY POPPINS) como la Reina Selina; Art Malik (HOMELAND) como Sir Grimsby; con el ganador del Oscar® Javier Bardem (Sin lugar para los débiles, Being the Ricardos) como el Rey Tritón; y la dos veces nominada al Oscar® Melissa McCarthy (¿PODRÁS PERDONARME?, Damas en guerra) como Úrsula.
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