[Reseña Netflix] El juego de Gerald (Gerald's Game): Un juego angustioso que solo se le podía ocurrir a Stephen King

Sin duda, este ha sido un  muy buen año para el maestro del terror Stephen King. Ha lanzado nuevos libros y se han estrenado varias películas y series inspiradas en sus escalofriantes ideas. Esta semana se sumó a Netflix una nueva película, se trata de El juego de Gerald (Gerald's Game), inspirada en la novela del mismo nombre y que es considerada la más angustiosa y claustrofóbica de todas. La película está muy bien hecha y me gustó, pero no puedo decirles si es o no una buena adaptación, porque no he leído el libro. Algunos medios la han catalogado como una adaptación perfecta. La película está dirigida por Mike Flanagan (Ouija: El origen del mal) y protagonizada por Carla Gugino (Jessie) y Bruce Greenwood (Gerald).

Gerald y Jessie tienen serios problemas matrimoniales y están buscando una forma para solucionarlos. Gerald deja esposada a su mujer a la cama como parte de un juego erótico, pero algo sale mal. El hombre tiene un infarto, cae muerto y ella no tiene forma de liberarse. La que podría haber sido la velada perfecta se convierte en la peor pesadilla para Jessie, quien deberá enfrentar visiones retorcidas, secretos oscuros y una difícil elección. No les contaré más para que ustedes descubran lo que viene en esta angustiante historia que solo a Stephen King se le podía haber ocurrido. 

La película es buenísima, consigue mantenernos atentos en todo momento y con los nervios de punta. Tal como la presentan es realmente angustiosa y claustrofóbica. Imposible no sentir empatía por la protagonista y ponerse en sus zapatos. El juego de Gerald logra sostenerse muy bien con dos personajes en escena en un mismo espacio por largo rato. Si bien, en algunos momentos esta es un tanto predecible, van agregando elementos que nos irán sorprendiendo poco a poco. Además de entretener, la película nos enseña que hay que tener mucho cuidado con este tipo de juegos, las cosas podrían salir mal. 

Por Gustavo Hernández

[Reseña libro] Desearás de Erika Halvorsen: Una novela cargada de erotismo acerca del descubrimiento de la sexualidad

Seguro muchos de ustedes escucharon hablar de la película El hilo rojo estrenada en el 2016, en la cual sus protagonistas fueron interpretados por María Eugenia Suárez, más conocida como China Suárez y por Benjamín Vicuña. El filme se inspiró en la novela del mismo nombre escrita por Erika Halvorsen, es por esto que la autora logró gran notoriedad en los medios al ser esta su primera novela, que además se convirtió rápidamente en best seller. Este mes llegó a las principales librerías del país su segunda novela: Desearás, un entretenido thriller erótico, cargado de morbo, sensualidad y como no, de deseo. Una historia que nos habla sin tabúes acerca del sexo, de las relaciones, de la transgresión y sus límites, de la infidelidad y la obsesión. Una novela que nos muestra el lado más oscuro de la familia y el matrimonio. Además, será llevada a la gran pantalla bajo el título Desearás al hombre de tu hermana, con la autora a cargo del guión y contando con las actuaciones de Carolina Ardohaín (Pampita) y Guilherme Winter, quien interpreto a Moisés en la serie Moisés y los diez mandamientos. Un libro que despertará diversos debates internos en el lector.

Lucia y Ofelia son dos hermanas que no se soportan, debido a que entre ellas siempre ha existido una rivalidad que se fue agravando con el tiempo. Luego de siete años sin verse ni hablarse, Lucia se casará con Juan, su prometido, en una ceremonia íntima, por lo que su madre invita a Ofelia acompañada de su pareja Andrés. Así las hermanas vuelven a encontrarse sin saber que protagonizarán un triángulo que las hundirá en lo más profundo de sus propios deseos, dando rienda suelta a sus perturbadoras fantasías.

El libro es contado en primera persona desde las perspectivas de Lucia y Ofelia, son diecisiete capítulos que se intercalan desde la perspectiva de estas dos hermanas. La historia transcurre en la década de los 70´, el contexto social es un punto importante, ya que la adolescencia de estas hermanas, su descubrimiento sexual, es en la década de los 60´, una época más conservadora. En la novela temas del pasado dan para hablar de temas actuales, es por esto que provoca un debate interno en el lector acerca de la mujer como dueña de su cuerpo, del erotismo y sexualidad de esta, de la mujer como sujeto deseante. Esto es algo interesante, acá la mujer es la que desea y siente placer, no es el objeto de deseo como vemos en muchas novelas de hoy en día. Halvorsen realiza un trabajo magnifico al momento de describir las sensaciones de las protagonistas, de enseñarnos sus más profundos deseos, de la relación que tienen estas con sus cuerpos, es por esto por lo que quizás el libro podría llegar a ser chocante para algunos lectores, ya que además de hablar acerca de este triángulo entre las hermanas y el prometido de una de ellas, hay palabras fuertes, descripciones sin filtro, no existen los tabúes. La autora logra que te sientas parte de la historia, empatizar con las protagonistas sin ningún problema, personalmente me impresionó su capacidad para hacerte sentir el ambiente de tensión, una especie de turbiedad que no se encuentra en muchos libros. En cuanto a los personajes, es interesante como con estas dos hermanas hace un contraste respecto al sexo… Lucia una chica delicada, no muy amiga del sexo y Ofelia, de alma salvaje, deseosa de cumplir hasta sus más profundas fantasías. En momentos queremos a las hermanas y en otras nos desagradan, esa ambivalencia desde la primera hasta la última página, hacen de esta novela aún más interesante. 

En lo personal, el libro me provocó sentimientos contradictorios. Mantiene al lector en todo momento en un estado de tensión debido a los conflictos familiares, pero a la vez es una novela disfrutable, es interesante conocer los más profundos pensamientos y las más íntimas sensaciones de las protagonistas. Una historia que engancha, con un desenlace que transgrede los límites y que de seguro los impactará. 

Desearás, es una novela cargada de erotismo acerca del descubrimiento de la sexualidad, de la relación que tenemos con nuestros cuerpos y de mujeres dispuestas a dar rienda suelta a sus más íntimas fantasías. 

Trailer de la película basada en el libro

 Por Camila Toro F.

[Reseña película] El Culto de Chucky (Cult of Chucky): Un bienvenido aporte a los fans de la saga

Llevamos casi 30 años de asesinatos a manos de nuestro ya querido muñeco poseído por Charles Lee Ray, y las luces dicen que podrían ser varios más. Don Mancini es el gestor de esta saga que hoy llega a su séptima entrega, y a diferencia de lo que considero la “época oscura”, hoy tenemos aportes novedosos y también cariñosos con los fans. Chucky está de regreso en una secuela directa de la anterior Curse of Chucky, pero que a la vez conecta de manera inesperada a toda la trilogía original, lo que nos lleva a un nombre crucial: Andy Barclay. Siendo el némesis del muñeco, tenía todo el sentido del mundo recuperarlo en estas entregas, y no hay nada mejor que hacerlo mediante el actor que le dio vida originalmente, hablamos de Alex Vincent. Además, la premisa del director es que continuaría el estilo de la película anterior y acercándose aún más al terror de las primeras entregas. ¿Lo consigue? En parte sí, pero la diversión es lo que prima, y tratándose de Chucky, no es cosa mala.

Se nos vuelve a introducir al personaje de Nica Pierce, quien es internada en un psiquiátrico para criminales por los sucesos de la entrega anterior. A ella la han intentado hacer pasar por loca, y todos sus esfuerzos son truncados tras la aparición del famoso muñeco, quien se las arregla para volver a sus manos y hacer lo que mejor sabe, matar. Regresan las muertes violentas, algunas a la altura de las mejores de la saga, pero funcionan mejor gracias a distintos factores, ya sea por el avance en los efectos prácticos del muñeco, como por el contexto en que se desarrolla la historia. Al tratarse de una locación lúgubre y con altas posibilidades de que sus personajes distorsionen la realidad genera un buen ambiente, y los giros que se van dando en la trama no hacen más que condimentar un estilo que escatima en profundidad, pero consiguiendo sorprender en más de una ocasión, ya sea a nivel visual como por la evolución que tiene un conflicto que parecía definido desde el principio. Las variantes del terror funcionan en algunos pasajes, es genial ver escenas generosamente perturbadoras, pero las sensaciones terminan debilitándose debido a que las cuotas humorísticas de Chucky alcanzan un nivel alto, lo que libera tensión en momentos que no siempre eran los adecuados.

Lo mismo ocurre con el fan service, donde la participación de Andy Barclay es tan sólo una de las variadas referencias al pasado, y es evidente que no son elementos estrictamente necesarios. Pero ahí están, dispuestos a hacerte sentir como en casa, y volver a esas dinámicas antiguas mezcladas con las nuevas da buenos resultados, al menos en la intención de entretener. La película consigue ser la más auténtica y divertida desde La Novia de Chucky, tiene un desarrollo más interesante que su predecesora, las actuaciones son correctas, y aunque vuelva a caerse un poco en el último acto es consciente de que el culto a la figura del muñeco es motivo suficiente para que esta secuela justifique su existencia. Es el Chucky que nos gusta, el que equilibra la tensión con las risas, y esta vez en una cinta que al fin le da algo de valor a la filmografía reciente de Mancini. El Culto de Chucky está ya disponible para su compra en formato físico y en plataformas digitales.

Por Andrés Leiva

[Reseña cine] Amityville: El Despertar (Amityville: The Awakening): Cuando se intenta empezar desde cero

Esta semana se estrenó en las salas nacionales Amityville: El Despertar (Amityville: The Awakening), película de terror norteamericana, la doceava de la saga Amityville, dirigida por Franck Khalfoun, y protagonizada por: Bella Thorne, Cameron Monaghan, Jennifer Jason Leigh y Mckenna Grace.

En 1974, Ronald DeFeo es detenido por asesinar a tiros a toda su familia, a las 3:15 de la mañana en la casa 112 de Ocean Avenue (Amityville). Cuarenta años después, se muda una nueva familia, compuesta por la madre Joan (Jennifer Jason Leigh) y sus hijos Belle (Bella Thorne), Juliet (Mckenna Grace) y su hijo en estado parapléjico, James (Cameron Monaghan). Han llegado a su nuevo hogar con la esperanza de un nuevo comienzo y darle un mejor cuidado a James, sin embargo, Belle pronto descubrirá los secretos de su madre y de su casa, junto a los horrores que se suceden cuando el reloj marca las 3:15.

La película busca empezar desde cero, alejándose de la historia de las originales Amityville, y situándose en la “vida real”, jugando con la audiencia y mostrando las antiguas película no como la historia previa de la casa, sino que finalmente se muestran como películas inspiradas en los hechos reales sucedidos en 1974, dando una sensación de que la historia se lleva a cabo en la realidad y marcando esta distancia con las antiguas entregas de la saga.

Pensada como una película aparte, esta no logra enganchar por sí sola, en una hora y veinte minutos de duración (un poco más), pareciera que nunca agarra el ritmo que uno espera por parte de una película de terror. Comienza con los típicos Jump Scares, una música que logra transmitir una sensación de tensión… pero más allá no llega. 

Se queda el filme mucho en el clásico conflicto madre/hija adolescente, y tiene muchas aristas que quedan sin un cierre, o personajes que no logran aportar a la trama más allá de situaciones puntuales, y cuando ya parece entrar de lleno al conflicto central de la película, el enfrentamiento con el demonio de la casa, es bastante adentrada la película, siendo un final apresurado y que pierde peso por lo mismo, dando la sensación de que el largometraje es más largo de lo que realmente es.

Cuenta con algunos giros en la trama, pero que a la larga no son suficiente como para aportar algo original y novedoso a la película. En definitiva, Amityville: El Despertar se queda en la fórmula genérica de los filmes de terror, en un año donde se han estrenado grandes aportes para el género, por lo que para lograr impactar se necesita algo más que la típica fórmula de los Jump Scares y profundidad.

Por Luis Umpierrez

[Reseña cine] Yo, Daniel Blake: El poder de la empatía

Llega otra semana y con ella, más estrenos para nuestra cartelera. Dentro de esos estrenos que pasan completamente desapercibidos, pero que son imperdibles para cualquiera que se haga llamar cinéfilo/a, tenemos nada más ni nada menos a la película ganadora de la Palma de Oro del festival de Cannes 2016. Del legendario director británico Ken Loach, llega a nuestro país Yo, Daniel Blake.

Yo, Daniel Blake nos cuenta la historia de, sorpresa, Daniel Blake (Dave Johns), carpintero inglés de 59 años y víctima de problemas cardíacos, se ve obligado a acudir a la asistencia social. Sin embargo, a pesar de que el médico le ha prohibido trabajar, la administración le obliga a buscar un empleo si no desea recibir una sanción. En la oficina de empleo, Daniel se cruza con Katie (Hayley Squires), una madre soltera con dos niños. Prisioneros de la maraña administrativa actual de Gran Bretaña, Daniel y Katie intentarán ayudarse mutuamente.

Dentro del trabajo de su director Ken Loach, es casi imposible encontrar trabajos defectuosos, y Yo, Daniel Blake no es la excepción. Ejecutada con maestría y tanto detrás como delante de las cámaras. Por un lado, una dirección fantástica, con un sólido guion como respaldo, que mezcla una narrativa absorbente con una fuerte crítica social presente durante gran parte de este largometraje, además de la gran capacidad que tiene de poner la lucha constante de su protagonista en el centro, sin bajar la atención del espectador, algo que pocos directores son capaces de lograr.

Por el otro lado tenemos las excelentes interpretaciones de Johns y Squires, quienes logran, tanto juntos como por separados, acaparar aplausos por la manera en que sacan lo mejor de los seres humanos en situaciones donde el sistema hace todo lo posible por aplastarte, y donde la empatía, la oscuridad y el humor son los pilares fundamentales de ambos personajes.

En pocas palabras Yo, Daniel Blake es un drama humano magnífico, donde lo más entretenido es reflexionar sobre el potente mensaje al mismo tiempo que disfrutamos y empatizamos con el viaje de su particular protagonista.

Por José A. Pino

[Reseña cine] La memoria de mi padre :El difícil camino de la vejez

Presentada recientemente en SANFIC, en donde los protagonistas, Tomás Vidiella y Jaime McManus, resultaron ganadores en la categoría Mejor Actuación, este jueves 28 de septiembre se estrena oficialmente en las principales salas de cine del país La memoria de mi padre. El films corresponde a la ópera primera del director chileno Rodrigo Bacigalupe. Es imposible no sentirse identificados con esta película y emocionarse con lo real de sus personajes. 

La memoria de mi padre nos cuenta la historia de Alfonso (Jaime McManus), un hombre de 50 años que a raíz de la muerte de su madre se ve obligado a hacerse cargo de un padre que no soporta, con el agravante que el viejo está perdiendo la memoria, convirtiéndose en un niño alejado de aquel hombre fuerte que alguna vez fue, y obsesionado con que su mujer sigue vida, perdida en un hospital de la costa. Alfonso se adentrará en una aventura de encontrar a una mujer que ya no está entre los vivos, pero que sigue presente en el corazón de su padre.

La película está bien construida, tiene buen ritmo, entretiene y los protagonistas tienen una química increíble, la cual consigue traspasar la pantalla. La historia es emotiva, pero se mezcla perfectamente con momentos divertidos, principalmente de la mano de Tomás Vidiella, quien se luce en su actuación. Como les comenté antes, es imposible no sentirse identificado con esta historia, nos hace pensar en nuestros abuelos, en nuestros padres y también en nosotros mismos. Es sabido que la vejez es un camino difícil, en muchos aspectos. La memoria de mi padre es un excelente panorama para este fin de semana, aprovechen que el domingo es el día del cine y vayan a verla. ¡No se arrepentirán!

Por Gustavo Hernández

[Reseña cine] París puede esperar (Paris Can Wait): Un romanticismo elegante que carece de cualquier emoción

Maravillarnos con el lado más elitista de Francia puede funcionar como un condimento que realmente aporte a una historia de amor, pero lamentablemente no es el caso de París puede esperar. Eleanor Coppola dirige y escribe este intento de comedia romántica que parece no encontrar nunca el despegue. Contamos con un reparto adecuado, y los diálogos fluyen bien entre los protagonistas, pero la película inevitablemente se nos transforma en una espera interminable de pase algo medianamente interesante, gracias a un conflicto apenas existente.

La historia trata de Anne, la mujer de un exitoso productor de cine que se ve obligada a vivir un viaje por la carretera desde Cannes rumbo a París junto a un socio de su marido. Él es francés, y por un interés romántico decide ir retrasando el viaje para llevar Anne a conocer algunos de los lugares más espectaculares y lujosos del país. Entendemos que se busca generar una experiencia liviana, con un romanticismo llevado elegantemente y con la tarea de que los protagonistas se vayan conociendo en profundidad a medida que crecen sus deseos por escapar de sus realidades, pero su desarrollo es muy deficiente, especialmente porque las situaciones son mayoritariamente intrascendentes.

Tampoco se busca interiorizar con la comedia ya que no existen situaciones graciosas, y los temores de Anne pasan bastante desapercibidos, los que apenas tienen un protagonismo en el final de la cinta. Nada de eso es relevante, lo que importa son los vinos, la comida de primer nivel y los paisajes llenos de historia. Lo demás, un mero relajo. No recomendaría esta película a grandes rasgos, pero vacacionar en esta burbuja de buen gusto puede tener su encanto. París puede esperar se estrena el próximo 28 de septiembre en salas nacionales.

Por Andrés Leiva

[Reseña cine] Your Name (Kimi no na wa): La consagración de Makoto Shinkai

El gran estreno de animación de esta ocasión es Your Name (Kimi no na wa). Dirigida por el genial Makoto Shinkai, conocido por varias películas como 5 centímetros por segundo y El Jardín de las palabras. Como fiel seguidora, el talento visual de Shinkai es el cual ha definido su estilo por años.

Y Kimi no na wa, no es la excepción. La película cuenta la historia de dos escolares, Mistsuha y Taki. El paso de un cometa cambiará las vidas de ambos, dos completos extraños que de la noche a la mañana despertarán en el cuerpo del otro. Cada uno deberá ajustar su rutina para hacer que las cosas sigan con normalidad.

Es esta comunicación que crean, a través de mensajes, notas, lo que generará una conexión entre tan frágiles personajes. Creando un bello relato sobre el tiempo, el amor y el hilo del destino. Convirtiéndolo en un ejemplar irrepetible del género dramático y romántico.

La espectacularidad visual de Shinkai está presente desde principio a fin. Provocando varios suspiros al contemplar tal obra de arte animada. ¿Cómo puede ser algo no real, más precioso que la misma realidad? 

La enternecedora historia de cada uno, con su contexto de vida y escenario, le otorgan una complejidad humana bien lograda. Mitsuha vive en Itomori, un pueblo pequeño alejado de la ciudad y vive queriendo conocer Tokio. Por otro lado, Toki vive en Tokio donde trabaja y estudia.

El guion de la película logra llevar al espectador a algo más de la simple premisa de cambiar cuerpos. Porque el largometraje es mucho más intrincado que eso. Logra unir a dos extraños, que empiezan a experimentar qué es vivir en la vida del otro, creando un lazo único y honesto. 

¿Será el hilo del destino lo suficientemente fuerte como para enfrentar la adversidad?

Otro gran punto a favor son los giros dramáticos de la historia que uno no se espera en absoluto. No es la típica película que se ve “bonita” y que cambian de cuerpo. Es mucho más que eso y lo demuestra durante todo el filme en su brillante storytelling. 

Creo que con Kimi no na wa, Makoto Shinkai se consolidó como creador y director de animación. Tanto en lo visual como en el grueso de la historia, logró sorprender y enamorar a quienes ya han visto su último trabajo.

No me queda más que decir que vayan a ver la película al cine, es una excelente instancia para aprender y disfrutar sobre cine animado. Tanto para los eruditos como para las personas nuevas viendo este tipo de películas. 

Los dejará con las emociones a flor de piel y con una historia difícil de olvidar. Créanme, no se arrepentirán, además de que es un fuerte contendiente a mejor película animada, para los próximos premios Óscar.

Por Constanza Lobos

[Reseña cine] Por eso lo llaman amor (The Big Sick): Una historia única e irrepetible

Es de mi gran agrado contarles sobre Por eso lo llaman amor o más conocida como The Big Sick. Una película muy singular que ha encantado a todo el mundo que la ha visto. Dirigida por Michael Showalter y protagonizada por Kumail Nanjiani y Zoe Kazanc. Junto con Holly Hunter y Ray Romano.

Basada en la historia real de Kumail Nanjiani y su novia Emily V. Gordon, la película retrata la historia de un comediante standup, que se conecta con una de las asistentes y viven una bella pero corta relación. Esto a causa de la tradición musulmana de la que proviene Kumail, donde se le impone el casamiento arreglado. Pero cuando Emily (Kazan), contrae una extraña enfermedad que la deja en coma, Kumail acompañará en esta crisis a los padres de Emily, Beth y Terry, interpretados por Hunter y Romano.

Con la sinopsis ya contada, The Big Sick tiene un mérito increíble por recrear los géneros de comedia romántica. El ingenio del guion es notable, el juego con la multiculturalidad que rodea a los protagonistas, logran provocar risas, ternura y tristeza. Tiene su cuota precisa de drama, lo que le otorga una mayor profundidad.

Fue tal la satisfacción de que la película no cayera en los típicos clichés, no me refiero solo a los que rodean a las comedias románticas, sino que a los clichés culturales que se podrían esperar, los típicos que les quitan calidad a obras de este género.

Otro de los grandes elementos que tiene, son las actuaciones de cada uno de los personajes. Tan reales que es fácil empatizar con ellos, y querer que las cosas salgan bien. Es refrescante ver cómo Kumail se relaciona con los padres de su exnovia, en una situación tan dramática que saca a relucir lo más íntimo de uno.

Un gran punto a favor fue cómo se retrata la tensión de provenir de una familia y tradición musulmana, con rígidos códigos de comportamiento. Ver el choque cultural, entre el pasado y el presente fue muy enriquecedor. Me recordó a los primeros capítulos de Masters of None (Netflix).

Como dije anteriormente, esta película está basada en la historia real de Kumail, que se interpreta así mismo. Lo cual quizás, es lo que hace de este largometraje una historia tan única y brillante. Así mismo, la química entre Kumail y Kazan es palpable, cuesta creer que ella esté interpretando a la novia en la vida real de Kumail.

Por momentos encantadora y por otros dolorosa. Al ser una historia tan humana y bien lograda, es difícil encontrarle alguna falla. Por eso, espero queridos lectores haberlos convencido de no perderse semejante obra cinematográfica. Recomendarla es decir poco. ¡Vayan a verla, antes que la quiten de cartelera! 

 Por Constanza Lobos

[Reseña cine] Kingsman: El Círculo Dorado (Kingsman: The Golden Circle): Misma fórmula, distinto resultado

El estreno de acción de esta semana no es nada menos que Kingsman: El Círculo Dorado. Secuela de Kingsman: El Servicio Secreto. Dirigidas por Matthew Vaughn y protagonizadas por Taron Egerton, Colin Firth, Mark Strong y Julianne Moore.

Como sabemos, Kingsman es una agencia de inteligencia internacional independiente, que opera con los más altos niveles de secreto y discreción. Y es en esta nueva película donde nos repiten la misma fórmula de la mano de nuestro espía Eggsy.

La trama comienza con los centros de operación de Kingsman siendo destruidos por completo y con la exterminación de los agentes restantes. Es ahí cuando el mundo termina siendo secuestrado y amenazado por Poppy Adams (Moore), al introducir un virus a distintas drogas consumidas por personas alrededor del mundo.

Es en esta desesperación que Kingsman, descubrirá que existe una organización de espías aliada en Estados Unidos, llamada Statesman y vaya que ahí comienza la verdadera diversión.

Al igual que con su antecesor, Kingsman maravilla con sus escenas de acción, soundtrack a la par y con lo "ridícula" que puede llegar a ser. No puedo dejar de mencionar que me agradó mucho la continuidad que tuvo esta película, conservando a los mismos personajes con sus respectivos actores. ¡Hasta el perro pug de Eggsy, JB! 

Creo que lo mejor de la película fue ver al nuevo villano de turno, una absorbente actuación de Julianne Moore que no tiene nada que envidiarle al villano anterior, personificado por Samuel L. Jackson. E Insisto, en que esta entrega sigue sorprendiendo con su excelente elenco.

Pero como dije, es la misma fórmula. De todas maneras, cabe destacar que en esta segunda entrega encontramos más y mejores peleas, personajes nuevos, continúa haciendo parodia a este tipo de películas de espías y acción. Es entretenido ver la contraparte americana junto con la inglesa. Kingsman y Statesman, juntos para salvar el mundo. 

Sin olvidar la mención de honor a Pedro Pascal (Narcos) que, aunque en los tráilers parecía que no iba a tener mucho protagonismo, lo tiene por completo. Creo que, sin lugar a duda, sus escenas de acción fueron las mejores. 

Si les gustó la primera Kingsman, la segunda también lo hará. Cumple su propósito de entretener a punta de patadas y balas, aunque haya quedado limitada por su propio género. 

Por Constanza Lobos