[Reseña película] El Culto de Chucky (Cult of Chucky): Un bienvenido aporte a los fans de la saga

Llevamos casi 30 años de asesinatos a manos de nuestro ya querido muñeco poseído por Charles Lee Ray, y las luces dicen que podrían ser varios más. Don Mancini es el gestor de esta saga que hoy llega a su séptima entrega, y a diferencia de lo que considero la “época oscura”, hoy tenemos aportes novedosos y también cariñosos con los fans. Chucky está de regreso en una secuela directa de la anterior Curse of Chucky, pero que a la vez conecta de manera inesperada a toda la trilogía original, lo que nos lleva a un nombre crucial: Andy Barclay. Siendo el némesis del muñeco, tenía todo el sentido del mundo recuperarlo en estas entregas, y no hay nada mejor que hacerlo mediante el actor que le dio vida originalmente, hablamos de Alex Vincent. Además, la premisa del director es que continuaría el estilo de la película anterior y acercándose aún más al terror de las primeras entregas. ¿Lo consigue? En parte sí, pero la diversión es lo que prima, y tratándose de Chucky, no es cosa mala.

Se nos vuelve a introducir al personaje de Nica Pierce, quien es internada en un psiquiátrico para criminales por los sucesos de la entrega anterior. A ella la han intentado hacer pasar por loca, y todos sus esfuerzos son truncados tras la aparición del famoso muñeco, quien se las arregla para volver a sus manos y hacer lo que mejor sabe, matar. Regresan las muertes violentas, algunas a la altura de las mejores de la saga, pero funcionan mejor gracias a distintos factores, ya sea por el avance en los efectos prácticos del muñeco, como por el contexto en que se desarrolla la historia. Al tratarse de una locación lúgubre y con altas posibilidades de que sus personajes distorsionen la realidad genera un buen ambiente, y los giros que se van dando en la trama no hacen más que condimentar un estilo que escatima en profundidad, pero consiguiendo sorprender en más de una ocasión, ya sea a nivel visual como por la evolución que tiene un conflicto que parecía definido desde el principio. Las variantes del terror funcionan en algunos pasajes, es genial ver escenas generosamente perturbadoras, pero las sensaciones terminan debilitándose debido a que las cuotas humorísticas de Chucky alcanzan un nivel alto, lo que libera tensión en momentos que no siempre eran los adecuados.

Lo mismo ocurre con el fan service, donde la participación de Andy Barclay es tan sólo una de las variadas referencias al pasado, y es evidente que no son elementos estrictamente necesarios. Pero ahí están, dispuestos a hacerte sentir como en casa, y volver a esas dinámicas antiguas mezcladas con las nuevas da buenos resultados, al menos en la intención de entretener. La película consigue ser la más auténtica y divertida desde La Novia de Chucky, tiene un desarrollo más interesante que su predecesora, las actuaciones son correctas, y aunque vuelva a caerse un poco en el último acto es consciente de que el culto a la figura del muñeco es motivo suficiente para que esta secuela justifique su existencia. Es el Chucky que nos gusta, el que equilibra la tensión con las risas, y esta vez en una cinta que al fin le da algo de valor a la filmografía reciente de Mancini. El Culto de Chucky está ya disponible para su compra en formato físico y en plataformas digitales.

Por Andrés Leiva

[Reseña cine] Amityville: El Despertar (Amityville: The Awakening): Cuando se intenta empezar desde cero

Esta semana se estrenó en las salas nacionales Amityville: El Despertar (Amityville: The Awakening), película de terror norteamericana, la doceava de la saga Amityville, dirigida por Franck Khalfoun, y protagonizada por: Bella Thorne, Cameron Monaghan, Jennifer Jason Leigh y Mckenna Grace.

En 1974, Ronald DeFeo es detenido por asesinar a tiros a toda su familia, a las 3:15 de la mañana en la casa 112 de Ocean Avenue (Amityville). Cuarenta años después, se muda una nueva familia, compuesta por la madre Joan (Jennifer Jason Leigh) y sus hijos Belle (Bella Thorne), Juliet (Mckenna Grace) y su hijo en estado parapléjico, James (Cameron Monaghan). Han llegado a su nuevo hogar con la esperanza de un nuevo comienzo y darle un mejor cuidado a James, sin embargo, Belle pronto descubrirá los secretos de su madre y de su casa, junto a los horrores que se suceden cuando el reloj marca las 3:15.

La película busca empezar desde cero, alejándose de la historia de las originales Amityville, y situándose en la “vida real”, jugando con la audiencia y mostrando las antiguas película no como la historia previa de la casa, sino que finalmente se muestran como películas inspiradas en los hechos reales sucedidos en 1974, dando una sensación de que la historia se lleva a cabo en la realidad y marcando esta distancia con las antiguas entregas de la saga.

Pensada como una película aparte, esta no logra enganchar por sí sola, en una hora y veinte minutos de duración (un poco más), pareciera que nunca agarra el ritmo que uno espera por parte de una película de terror. Comienza con los típicos Jump Scares, una música que logra transmitir una sensación de tensión… pero más allá no llega. 

Se queda el filme mucho en el clásico conflicto madre/hija adolescente, y tiene muchas aristas que quedan sin un cierre, o personajes que no logran aportar a la trama más allá de situaciones puntuales, y cuando ya parece entrar de lleno al conflicto central de la película, el enfrentamiento con el demonio de la casa, es bastante adentrada la película, siendo un final apresurado y que pierde peso por lo mismo, dando la sensación de que el largometraje es más largo de lo que realmente es.

Cuenta con algunos giros en la trama, pero que a la larga no son suficiente como para aportar algo original y novedoso a la película. En definitiva, Amityville: El Despertar se queda en la fórmula genérica de los filmes de terror, en un año donde se han estrenado grandes aportes para el género, por lo que para lograr impactar se necesita algo más que la típica fórmula de los Jump Scares y profundidad.

Por Luis Umpierrez

[Reseña cine] Yo, Daniel Blake: El poder de la empatía

Llega otra semana y con ella, más estrenos para nuestra cartelera. Dentro de esos estrenos que pasan completamente desapercibidos, pero que son imperdibles para cualquiera que se haga llamar cinéfilo/a, tenemos nada más ni nada menos a la película ganadora de la Palma de Oro del festival de Cannes 2016. Del legendario director británico Ken Loach, llega a nuestro país Yo, Daniel Blake.

Yo, Daniel Blake nos cuenta la historia de, sorpresa, Daniel Blake (Dave Johns), carpintero inglés de 59 años y víctima de problemas cardíacos, se ve obligado a acudir a la asistencia social. Sin embargo, a pesar de que el médico le ha prohibido trabajar, la administración le obliga a buscar un empleo si no desea recibir una sanción. En la oficina de empleo, Daniel se cruza con Katie (Hayley Squires), una madre soltera con dos niños. Prisioneros de la maraña administrativa actual de Gran Bretaña, Daniel y Katie intentarán ayudarse mutuamente.

Dentro del trabajo de su director Ken Loach, es casi imposible encontrar trabajos defectuosos, y Yo, Daniel Blake no es la excepción. Ejecutada con maestría y tanto detrás como delante de las cámaras. Por un lado, una dirección fantástica, con un sólido guion como respaldo, que mezcla una narrativa absorbente con una fuerte crítica social presente durante gran parte de este largometraje, además de la gran capacidad que tiene de poner la lucha constante de su protagonista en el centro, sin bajar la atención del espectador, algo que pocos directores son capaces de lograr.

Por el otro lado tenemos las excelentes interpretaciones de Johns y Squires, quienes logran, tanto juntos como por separados, acaparar aplausos por la manera en que sacan lo mejor de los seres humanos en situaciones donde el sistema hace todo lo posible por aplastarte, y donde la empatía, la oscuridad y el humor son los pilares fundamentales de ambos personajes.

En pocas palabras Yo, Daniel Blake es un drama humano magnífico, donde lo más entretenido es reflexionar sobre el potente mensaje al mismo tiempo que disfrutamos y empatizamos con el viaje de su particular protagonista.

Por José A. Pino

[Reseña cine] La memoria de mi padre :El difícil camino de la vejez

Presentada recientemente en SANFIC, en donde los protagonistas, Tomás Vidiella y Jaime McManus, resultaron ganadores en la categoría Mejor Actuación, este jueves 28 de septiembre se estrena oficialmente en las principales salas de cine del país La memoria de mi padre. El films corresponde a la ópera primera del director chileno Rodrigo Bacigalupe. Es imposible no sentirse identificados con esta película y emocionarse con lo real de sus personajes. 

La memoria de mi padre nos cuenta la historia de Alfonso (Jaime McManus), un hombre de 50 años que a raíz de la muerte de su madre se ve obligado a hacerse cargo de un padre que no soporta, con el agravante que el viejo está perdiendo la memoria, convirtiéndose en un niño alejado de aquel hombre fuerte que alguna vez fue, y obsesionado con que su mujer sigue vida, perdida en un hospital de la costa. Alfonso se adentrará en una aventura de encontrar a una mujer que ya no está entre los vivos, pero que sigue presente en el corazón de su padre.

La película está bien construida, tiene buen ritmo, entretiene y los protagonistas tienen una química increíble, la cual consigue traspasar la pantalla. La historia es emotiva, pero se mezcla perfectamente con momentos divertidos, principalmente de la mano de Tomás Vidiella, quien se luce en su actuación. Como les comenté antes, es imposible no sentirse identificado con esta historia, nos hace pensar en nuestros abuelos, en nuestros padres y también en nosotros mismos. Es sabido que la vejez es un camino difícil, en muchos aspectos. La memoria de mi padre es un excelente panorama para este fin de semana, aprovechen que el domingo es el día del cine y vayan a verla. ¡No se arrepentirán!

Por Gustavo Hernández

[Reseña cine] París puede esperar (Paris Can Wait): Un romanticismo elegante que carece de cualquier emoción

Maravillarnos con el lado más elitista de Francia puede funcionar como un condimento que realmente aporte a una historia de amor, pero lamentablemente no es el caso de París puede esperar. Eleanor Coppola dirige y escribe este intento de comedia romántica que parece no encontrar nunca el despegue. Contamos con un reparto adecuado, y los diálogos fluyen bien entre los protagonistas, pero la película inevitablemente se nos transforma en una espera interminable de pase algo medianamente interesante, gracias a un conflicto apenas existente.

La historia trata de Anne, la mujer de un exitoso productor de cine que se ve obligada a vivir un viaje por la carretera desde Cannes rumbo a París junto a un socio de su marido. Él es francés, y por un interés romántico decide ir retrasando el viaje para llevar Anne a conocer algunos de los lugares más espectaculares y lujosos del país. Entendemos que se busca generar una experiencia liviana, con un romanticismo llevado elegantemente y con la tarea de que los protagonistas se vayan conociendo en profundidad a medida que crecen sus deseos por escapar de sus realidades, pero su desarrollo es muy deficiente, especialmente porque las situaciones son mayoritariamente intrascendentes.

Tampoco se busca interiorizar con la comedia ya que no existen situaciones graciosas, y los temores de Anne pasan bastante desapercibidos, los que apenas tienen un protagonismo en el final de la cinta. Nada de eso es relevante, lo que importa son los vinos, la comida de primer nivel y los paisajes llenos de historia. Lo demás, un mero relajo. No recomendaría esta película a grandes rasgos, pero vacacionar en esta burbuja de buen gusto puede tener su encanto. París puede esperar se estrena el próximo 28 de septiembre en salas nacionales.

Por Andrés Leiva

[Reseña cine] Your Name (Kimi no na wa): La consagración de Makoto Shinkai

El gran estreno de animación de esta ocasión es Your Name (Kimi no na wa). Dirigida por el genial Makoto Shinkai, conocido por varias películas como 5 centímetros por segundo y El Jardín de las palabras. Como fiel seguidora, el talento visual de Shinkai es el cual ha definido su estilo por años.

Y Kimi no na wa, no es la excepción. La película cuenta la historia de dos escolares, Mistsuha y Taki. El paso de un cometa cambiará las vidas de ambos, dos completos extraños que de la noche a la mañana despertarán en el cuerpo del otro. Cada uno deberá ajustar su rutina para hacer que las cosas sigan con normalidad.

Es esta comunicación que crean, a través de mensajes, notas, lo que generará una conexión entre tan frágiles personajes. Creando un bello relato sobre el tiempo, el amor y el hilo del destino. Convirtiéndolo en un ejemplar irrepetible del género dramático y romántico.

La espectacularidad visual de Shinkai está presente desde principio a fin. Provocando varios suspiros al contemplar tal obra de arte animada. ¿Cómo puede ser algo no real, más precioso que la misma realidad? 

La enternecedora historia de cada uno, con su contexto de vida y escenario, le otorgan una complejidad humana bien lograda. Mitsuha vive en Itomori, un pueblo pequeño alejado de la ciudad y vive queriendo conocer Tokio. Por otro lado, Toki vive en Tokio donde trabaja y estudia.

El guion de la película logra llevar al espectador a algo más de la simple premisa de cambiar cuerpos. Porque el largometraje es mucho más intrincado que eso. Logra unir a dos extraños, que empiezan a experimentar qué es vivir en la vida del otro, creando un lazo único y honesto. 

¿Será el hilo del destino lo suficientemente fuerte como para enfrentar la adversidad?

Otro gran punto a favor son los giros dramáticos de la historia que uno no se espera en absoluto. No es la típica película que se ve “bonita” y que cambian de cuerpo. Es mucho más que eso y lo demuestra durante todo el filme en su brillante storytelling. 

Creo que con Kimi no na wa, Makoto Shinkai se consolidó como creador y director de animación. Tanto en lo visual como en el grueso de la historia, logró sorprender y enamorar a quienes ya han visto su último trabajo.

No me queda más que decir que vayan a ver la película al cine, es una excelente instancia para aprender y disfrutar sobre cine animado. Tanto para los eruditos como para las personas nuevas viendo este tipo de películas. 

Los dejará con las emociones a flor de piel y con una historia difícil de olvidar. Créanme, no se arrepentirán, además de que es un fuerte contendiente a mejor película animada, para los próximos premios Óscar.

Por Constanza Lobos

[Reseña cine] Por eso lo llaman amor (The Big Sick): Una historia única e irrepetible

Es de mi gran agrado contarles sobre Por eso lo llaman amor o más conocida como The Big Sick. Una película muy singular que ha encantado a todo el mundo que la ha visto. Dirigida por Michael Showalter y protagonizada por Kumail Nanjiani y Zoe Kazanc. Junto con Holly Hunter y Ray Romano.

Basada en la historia real de Kumail Nanjiani y su novia Emily V. Gordon, la película retrata la historia de un comediante standup, que se conecta con una de las asistentes y viven una bella pero corta relación. Esto a causa de la tradición musulmana de la que proviene Kumail, donde se le impone el casamiento arreglado. Pero cuando Emily (Kazan), contrae una extraña enfermedad que la deja en coma, Kumail acompañará en esta crisis a los padres de Emily, Beth y Terry, interpretados por Hunter y Romano.

Con la sinopsis ya contada, The Big Sick tiene un mérito increíble por recrear los géneros de comedia romántica. El ingenio del guion es notable, el juego con la multiculturalidad que rodea a los protagonistas, logran provocar risas, ternura y tristeza. Tiene su cuota precisa de drama, lo que le otorga una mayor profundidad.

Fue tal la satisfacción de que la película no cayera en los típicos clichés, no me refiero solo a los que rodean a las comedias románticas, sino que a los clichés culturales que se podrían esperar, los típicos que les quitan calidad a obras de este género.

Otro de los grandes elementos que tiene, son las actuaciones de cada uno de los personajes. Tan reales que es fácil empatizar con ellos, y querer que las cosas salgan bien. Es refrescante ver cómo Kumail se relaciona con los padres de su exnovia, en una situación tan dramática que saca a relucir lo más íntimo de uno.

Un gran punto a favor fue cómo se retrata la tensión de provenir de una familia y tradición musulmana, con rígidos códigos de comportamiento. Ver el choque cultural, entre el pasado y el presente fue muy enriquecedor. Me recordó a los primeros capítulos de Masters of None (Netflix).

Como dije anteriormente, esta película está basada en la historia real de Kumail, que se interpreta así mismo. Lo cual quizás, es lo que hace de este largometraje una historia tan única y brillante. Así mismo, la química entre Kumail y Kazan es palpable, cuesta creer que ella esté interpretando a la novia en la vida real de Kumail.

Por momentos encantadora y por otros dolorosa. Al ser una historia tan humana y bien lograda, es difícil encontrarle alguna falla. Por eso, espero queridos lectores haberlos convencido de no perderse semejante obra cinematográfica. Recomendarla es decir poco. ¡Vayan a verla, antes que la quiten de cartelera! 

 Por Constanza Lobos

[Reseña cine] Kingsman: El Círculo Dorado (Kingsman: The Golden Circle): Misma fórmula, distinto resultado

El estreno de acción de esta semana no es nada menos que Kingsman: El Círculo Dorado. Secuela de Kingsman: El Servicio Secreto. Dirigidas por Matthew Vaughn y protagonizadas por Taron Egerton, Colin Firth, Mark Strong y Julianne Moore.

Como sabemos, Kingsman es una agencia de inteligencia internacional independiente, que opera con los más altos niveles de secreto y discreción. Y es en esta nueva película donde nos repiten la misma fórmula de la mano de nuestro espía Eggsy.

La trama comienza con los centros de operación de Kingsman siendo destruidos por completo y con la exterminación de los agentes restantes. Es ahí cuando el mundo termina siendo secuestrado y amenazado por Poppy Adams (Moore), al introducir un virus a distintas drogas consumidas por personas alrededor del mundo.

Es en esta desesperación que Kingsman, descubrirá que existe una organización de espías aliada en Estados Unidos, llamada Statesman y vaya que ahí comienza la verdadera diversión.

Al igual que con su antecesor, Kingsman maravilla con sus escenas de acción, soundtrack a la par y con lo "ridícula" que puede llegar a ser. No puedo dejar de mencionar que me agradó mucho la continuidad que tuvo esta película, conservando a los mismos personajes con sus respectivos actores. ¡Hasta el perro pug de Eggsy, JB! 

Creo que lo mejor de la película fue ver al nuevo villano de turno, una absorbente actuación de Julianne Moore que no tiene nada que envidiarle al villano anterior, personificado por Samuel L. Jackson. E Insisto, en que esta entrega sigue sorprendiendo con su excelente elenco.

Pero como dije, es la misma fórmula. De todas maneras, cabe destacar que en esta segunda entrega encontramos más y mejores peleas, personajes nuevos, continúa haciendo parodia a este tipo de películas de espías y acción. Es entretenido ver la contraparte americana junto con la inglesa. Kingsman y Statesman, juntos para salvar el mundo. 

Sin olvidar la mención de honor a Pedro Pascal (Narcos) que, aunque en los tráilers parecía que no iba a tener mucho protagonismo, lo tiene por completo. Creo que, sin lugar a duda, sus escenas de acción fueron las mejores. 

Si les gustó la primera Kingsman, la segunda también lo hará. Cumple su propósito de entretener a punta de patadas y balas, aunque haya quedado limitada por su propio género. 

Por Constanza Lobos

[Reseña libro] Pájaro de medianoche Alice Hoffman: Una encantadora historia llena de magia

Una de las grandes novedades de este mes es Pájaro de Medianoche, por la autora Alice Hoffman. Queridos lectores les escribo desde ya, que este libro se convirtió en uno de mis favoritos. 

Hace doscientos años que la familia de “Twig”, o Teresa, soporta la maldición de una bruja. Y ya es tiempo de romperla. La historia la vemos desde los ojos de Twig, una niña de 12 años que vive con su madre en el peculiar pueblo de Sidwell. Un lugar donde las personas creen en la magia y donde se sospecha que habita un monstruo. 

Por años, Twig y su madre, han tenido que vivir lo más aisladas socialmente. ¿Qué quiere decir eso? Qué hay algo que nadie puede, excepto ellas, saber. La historia es tan absorbente que parar de leer es casi imposible, como cruzar una puerta hacia un mundo mágico. 

Es una obra muy transparente, lo que los personajes sienten, piensan, llega directo al lector, son personajes muy relacionables. Leer como Twig acepta vivir como un cierto tipo de ermitaña social a causa de este secreto y aun así anhelar con todas sus fuerzas tener una amiga/o, me rompió el corazón. 

“A partir de entonces, dejé de llorar cuando algo me contrariaba. Me guardaba el dolor sin más, lo iba acumulando como si fuera una torre de estrellas caídas del cielo, invisibles para la mayoría, pero que ardían dentro de mí con un brillo muy intenso”

Pero tal como las estaciones cambian, lo que una vez fue un botón puede florecer. Cuando Twig cree que puede compartir la pesada carga que la agobia, las cosas empiezan a cambiar para ella y el resto del pueblo. Los giros y misterios que rodean la maldición de la bruja hacen volar las páginas al leer. 

Hoffman logra provocar en el lector, una facilidad increíble para imaginar desde bandadas de mirlos negros hasta sentir la satisfacción de disfrutar de un té de orquídea negra. Su escritura es realmente espléndida, produciendo suspiros durante la lectura.

El pueblo de Sidwell, es entrañable y al ser tan delicadamente descrito, vuelven de Pájaro de Medianoche, un viaje imperdible para los amantes del realismo mágico, personas tímidas, amistades sinceras y claro, tartas de manzana. 

De hecho, la receta de la madre de Twig de tarta de manzana, durante la obra se ve tan apetitosa, que, al terminar de leer la historia, pensé en lo espectacular que debe ser. Y como si fuera un regalo, la autora finaliza el libro con la receta REAL de la famosa tarta de manzana. ¿Cómo eso no va a ser algo mágico? 

Como mencioné al comienzo de esta reseña, se volvió uno de mis favoritos y la magia que desprende es contagiosa. Y creo que es un libro recomendable para cualquier edad, solo se tiene que creer en lo mágico. 

 Por Constanza Lobos

Concurso Avant Premiere - Por eso lo llaman amor (The Big Sick) / Terminado

Este jueves 28 de septiembre llega a los principales cines de nuestro país la película Por eso lo llaman amor (The big sick). Gracias a nuestros amigos de Cinetopia tenemos invitaciones dobles para asistir a la Avant Premiere. Participar es muy fácil, solamente deben ser seguidores de nuestras redes sociales y completar el formulario adjunto. 

"Por eso lo llaman Amor" es un largometraje precedido de excelentes críticas y producida por el genio de la comedia: Judd Apatow, responsable de éxitos como Virgen a los 40, Ligeramente Embarazada y Bienvenido a los 40, que estrena Cinetopía Chile, convirtiéndose en el cuarto titulo de la citada distribuidora en el país, y el primer titulo del catálogo 2017 acorde con su objetivo de innovar en el cine chileno mediante la promoción del cine extranjero de corte no convencional.

Los requisitos para participar son: 
1) Ser seguidor de Hojas Mágicas 
2) Pinchar "me gusta" en el  facebook de Hojas Mágicas y Cinetopia
2) Completar el formulario adjunto.
3) Vivir en la Región Metropolitana.

Los ganadores serán informados en nuestra página de Facebook. 

La Avant Premiere se realizará el martes 26 de septiembre a las 20:30 hrs en Cine Hoyts La Reina.

Trailer

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