[Reseña cine] Alien: Covenant: Ridley Scott desdibujando la franquicia que él mismo inició. ¿Hacia dónde corremos ahora?

En el espacio nadie podrá escuchar tus gritos. La perfección tuvo grandes nombres detrás, y que el legado de H.R. Giger haya calado tan fuertemente tuvo a un responsable, Ridley Scott. Es sabido que El Octavo Pasajero es considerado un clásico indiscutido. El monstruo y la heroína, un complemento tan bien llevado desde la magia del cine iba a significar inevitablemente en la creación de una franquicia, un plan del que su creador dejó de ser parte, o eso es lo que creíamos. Haya sido una idea maquiavélicamente pensada desde un comienzo, o algo que surgió paulatinamente como una experiencia de vida, lo cierto es que Scott ha tenido las ideas y los recursos necesarios para convencer a FOX de que el regreso a sus “queridos” xenoformos debía ver la luz, y la peculiar Prometheus, aunque dividió a la audiencia, dejó bien en claro que su secuela iba a enderezar las cosas hacia lo que muchos anhelamos. Al llegar el día me pregunto reiteradamente si Covenant es lo que verdaderamente necesitábamos, y la respuesta es más bien decepcionante.

Construir un producto de entretenimiento en desmedro de una franquicia con valores mayores tiene sus consecuencias, Alien vs Depredador es un buen ejemplo. Sabíamos que Scott es un cineasta con una larga experiencia y con la filmografía necesaria para acallar cualquier boca mal intencionada. Por lo demás, su desprecio hacia el cine de Marvel Studios no hace más que reafirmar su parada frente al mundo. Por esto no sorprende en nada el camino que supuestamente decidió tomar para su futuro detrás de las cámaras. El gran problema es que el elegido para potenciar su gran visión fue Alien, una joya que pese a cualquier lógica, hoy parece más segura en manos ajenas. Y hablar de lógica es relevante, porque increíblemente Alien: Covenant se define a sí misma como un película culta, profunda en sus convicciones filosóficas, pero al mismo tiempo cerca del cine masivo, genérico y predecible. ¿Cómo hacer calzar ambos mundos? Nada más corrido el primer acto y la mezcla en tu sensación de extrañeza es capaz de generar una suerte de atracción. Es un cuento que sabes como va a terminar, pero llama tanto la atención la forma en que va construyendo su atmósfera casi gótica que no sabes si amarla o odiarla por completo. Personalmente decidí amarla, al menos en un comienzo, total el primer vistazo a las criaturas está magníficamente filmado y con un CGI que le viene estupendo a la experiencia. Sumar eso a las cosquillas constantes al referenciar la película original sólo aumenta tus expectativas por entender el origen de todo, y ahí está la trampa, porque desde que percibes el débil rol de la protagonista en la historia se pierde cualquier opción de que la película termine en algo bueno, y es justamente lo que ocurre.

Una expedición forzada por la idiotez se ayuda de unos personajes menos insoportables que los de Prometheus, no se puede negar. Pero ya sabemos que Scott puede hacer lo necesario para que perdamos cualquier empatía por ellos, total hay cosas más importantes que contar. Así, el desarrollo de la película se va por terreno demasiado conocido, y el único desconocido no es más que Michael Fassbender con su doble personaje de androide. El regreso de David era esperado, de antemano sabemos lo bien interpretado que llegará a ser, pero esas virtudes vistas en la entrega anterior se ensucian por los requerimientos de un guion situado 10 años después. Sabremos en el transcurso que la importancia de las interrogantes que plantea Prometheus difícilmente serán respondidas satisfactoriamente en ésta entrega, y tampoco tiene sentido que pasara, porque el énfasis que busca Scott está disfrazado en los hermosos diseños de H.R. Giger, pero contienen un cuerpo diametralmente distinto, y las ideas detrás de “la creación” llegan a ser tan interesantes como absurdas. Podríamos entrar a discutir acerca del daño que le hace Scott a los conceptos originales de esta saga impulsada por él y maravillosamente explotada por James Cameron, pero ateniéndonos solamente a las aspiraciones de una producción de esta envergadura hay que decir que la película cumple los estándares comunes. Ritmo lento al comienzo pero intensificándose cuando se requiere, las dosis de gore son bastante brutales, y el rumbo del conflicto se repleta de giros, algunos sorpresivos, y otros llegando a ser obviedades absolutas.

No podría negar que Alien: Covenant me entretuvo. Tampoco podría ocultar que cada revelación conectada a los sucesos ocurridos cronológicamente después me dejó paralizado por unos segundos, para bien y para mal. La película te mantiene inserto en su estética y buscará hacerte reflexionar por cada cuestionamiento a lo que creías saber. Es una necesidad imponente por parte de Ridley Scott por meternos en su juego camino a la grandeza, a que el eterno círculo que encierra los alcances del poder te vuelen la mente. No hay humanos que sean dignos de esta epopeya, pero lo más importante, no hay peor recurso que el que olvidaste usar, porque la esperanza de que lo recuerdes te genera expectativas que fácilmente te destrozarán, y el xenoformo es uno de ellos. ¿Qué nos queda? Rezar por que Neill Blomkamp saque adelante su Alien 5 suena a una gran pérdida de tiempo, pensando en las dos secuelas adicionales de Scott que cerrarían cualquier espacio a la especulación en torno a la película original del 1979. Pero hey, estamos hablando de Ridley Scott dando a vida al xenoformo que luce como probablemente lo soñó desde un principio, una premisa que por sí misma podría merecer nuestra atención, debería.

Por Andrés Leiva

Concurso Todos al Cine con Hojas Mágicas "El Cristo Ciego" / Terminado

El próximo jueves 13 de abril llega a nuestros cines favoritos la película El Cristo Ciego. La cinta está dirigida por Christopher Murray y protagonizado por: Michael Silva, Pedro Godoy, Ana María Henríquez, Bastián Inostroza, Mauricio Pinto.... Para celebrarlo les traemos un espectacular concurso para ganar invitaciones para verla. Participar es muy fácil, solamente deben completar el formulario adjunto y ser seguidores de nuestras redes sociales.

Los requisitos para participar son: 
1) Pinchar "me gusta" en las fan page Hojas Mágicas y Bf Distribution
2) Completar el formulario.
3) Vivir en la Región Metropolitana.

El concurso comienza hoy y finaliza el próximo miércoles 12 de abril. Los ganadores serán informados en nuestra página de Facebook. A continuación les presentamos la sinopsis oficial, el afiche de la película y el trailer.

Sinopsis

Michael (30) es un mecánico que dice haber vivido una revelación divina en el desierto. Pero lejos de creerle, sus vecinos lo tratan como el loco del pueblo. Una tardar se entera que un amigo de la infancia ha sufrido un accidente en un pueblo lejano. Michael decide abandonar todo para hacer un peregrinaje a pie descalzo y narlo con un milagro. Su andar comienza a llamar la atención en la gente empobrecida por el abuso de las mineras y la pasta base, quienes lo ven como un Cristo capaz de aliviar la cruda realidad del desierto Chileno.

Afiche

Trailer de la película

ESTRENO EN CHILE JUEVES 13 DE ABRIL
Mucha suerte para todos y muchas gracias a BF Distribution por las invitaciones.

[Pitufireseña cine] Los Pitufos en la aldea perdida (Smurfs: The Lost Village): Una gran y pirufidivertida aventura azul

Para los que esperaban una película para divertirse, vivir una gran aventura y además dirigida a toda la familia, déjenme decirles que les tengo una muy buena noticia… ¡Los Pitufos están de regreso! Y han llegado para hacernos reír con sus Pitufiaventuras. Este jueves 06 de abril llega a los principales cines de nuestro país: Los Pitufos en la aldea perdida (The smurfs the lost village). De Sony Picture Animations, producida por Jordan Kerner (Los Pitufos 1 y 2) y Mary Ellen Bauder (Hotel Transilvania), además dirigida por Kelly Asburry, quien ya nos ha sorprendido con películas como Spirit: El corcel indomable, Shrek 2 y Gnomeo y Julieta, historias cargadas de aventuras y muchas emociones. Esta vez nos vuelve a sorprender con estos pequeños y adorables personajes azules en una película completamente animada.

En esta nueva y emocionante aventura, un misterioso mapa impulsa a Pitufina y a sus mejores amigos: Filósofo, Tontín y Fortachón a formar el “Equipo Pitufo”, para embarcarse en una emocionante travesía en donde tendrán que entrar al tan misterioso Bosque prohibido, un lugar lleno de mágicas y curiosas criaturas, con el objetivo de encontrar la aldea perdida, para advertir a sus habitantes del peligro que corren por culpa del malvado Gárgamel. Así, embarcados en este viaje lleno de acción, peligro y misterio, los Pitufos están en camino a descubrir el mayor secreto en la historia pitufa.

Cuando me enteré de que los Pitufos en la aldea perdida, iba a ser una película totalmente animada (A diferencia de Los Pitufos 1 y 2) me emocioné mucho, pero a la vez no sabía que esperar, la gran sorpresa fue que me encontré con una animación maravillosa. Desde el momento en que comenzó la aventura de estos seres tan adorables me sentí enganchada a la historia, en varias ocasiones me sorprendí riéndome y en otras emocionada.

La gran protagonista esta vez es Pitufina, quien al ser la única chica en la aldea se siente diferente y fuera de lugar, a pesar de que sus compañeros Pitufos siempre la han tratado con cariño y amor. Al comenzar este viaje se irá dando cuenta de lo amada e importante que es para todos sus amigos.

Cabe destacar que el gran mérito de esta película son los mensajes y valores positivos que transmite, acerca de la amistad incondicional, la cual es capaz de superar todos los problemas y de cómo debemos ser capaces de aceptarnos tal como somos y el hecho de ser diferente al resto es algo que te hace por completo auténtico y especial.

Quiero destacar los efectos visuales de la película, lograron maravillarme con paisajes hermosos e hipnotizantes, fue un verdadero espectáculo visual lleno de pequeños seres azules. Además, la música sumamente dinámica hizo aún más entretenida esta aventura.

Me llamó la atención que, a pesar de ser una película dirigida mayormente hacia un público infantil, el público adulto no dejaba en ningún momento de reírse, emocionarse y disfrutar. Es una historia que disfrutarán grandes y chicos de principio a fin, con momentos divertidos, de acción, pero también tan conmovedores que llegan al corazón.

Les recomiendo ir a ver Los Pitufos en la aldea perdida, estoy segura que  les hará aflorar miles de sentimientos y jugará agradablemente con sus emociones. La historia no decae en ningún momento, por el contrario, los mantendrá entretenidos, sacándoles más de alguna vez una que otra carcajada y los hará reflexionar acerca de lo importante que es la amistad y el amor que recibimos de otros en nuestras vidas. No se la pueden perder, les prometo que se ¡Pitufidivertiran!

Por Camila Toro F.

[Reseña cine] La cabaña (The shack): Una reflexión sobre como enfrentar los golpes de la vida (Estreno 6 de abril)

Cada uno de nosotros en algún momento de nuestras vidas hemos tenido que pasar por momentos difíciles, que muchas veces pueden verse casi insuperables y deseamos que ocurra algo o que exista alguien que nos ayude a no perder las esperanzas y a salir victoriosos de aquellas situaciones. La reseña de hoy es de la película: La cabaña (The Shack), drama religiosos basado en la exitosa novela y Best Seller cristiano del mismo nombre y escrito por el canadiense William P. Young, que se encarga de abordar en este la crisis de los conflictos internos, especialmente de la fe. La película llega a nuestras salas nacionales este jueves 06 de Abril.

Dirigida por Stuart Hazeldine (Exam, Paradise Lost) y del productor de Una aventura extraordinaria y Un sueño posible, Gil Netter. Protagonizada por Sam Worthington (Avatar, Furia de titanes), Radha Mitchell (Silent Hill, Londres bajo fuego), Tim McGraw (Tomorrowland: El mundo del mañana, Un sueño posible) y la ganadora al Óscar Octavia Spencer (Talentos ocultos, Historias cruzadas, entre muchas otras). 

¿Se imaginan estar pasando por una difícil situación, sin encontrar salida alguna y de pronto Dios te envía una carta para brindarte ayuda? Un hecho extraordinario, como el que se encontrarán en esta película.

La cabaña nos muestra la historia de Mack (Sam Worthington), padre de familia, casado con Nan (Radha Mitchell) hace ya dieciocho años y en donde se respira a diario una atmósfera de amor. Una familia sumamente religiosa en donde Nan cuenta con una fe absoluta y Mack con una bastante frágil. Durante una excursión familiar, su hija pequeña de seis años desaparece, al finalizar la búsqueda descubren que la niña fue asesinada en una cabaña. Es aquí cuando el padre decide revelarse a Dios, hundiéndose en una miseria sin fin.

Nan es la que se mantiene como un pilar para mantener estable a su familia y sin nunca perder la fe, mientras que Mack solo siente culpa y se aleja cada vez más de sus seres queridos, hasta que después de un largo tiempo encuentra en su buzón una carta firmada por Dios invitándolo a volver a la cabaña y de paso haciéndolo sentir frustrado, confundido, curioso, pero especialmente desesperado, emociones que finalmente terminarán llevándolo de vuelta a la cabaña, en la cual se encontrará con tres curiosos personajes que representaran la “Divina trinidad” y se encargarán de cambiar por completo la actitud de Mack frente a la vida y la forma que tenia de abordar la fe hasta ese entonces.

Personalmente no sabía que esperar de esta adaptación literaria y debo decir que me sorprendí gratamente. Su gran mérito es lograr hacer que el espectador se ponga en los zapatos del protagonista y mantener con él un debate constante acerca de las decisiones que son correctas y las que no. Una película cargada de emotividad, emociones fuertes y que a medida que transcurre nos lanza mensajes a través de frases reflexivas sumamente potentes. Quizás pueda llegar a ser algo cruda en cuanto a la experiencia vivida por el protagonista, pero finalmente el desarrollo de una historia terrible, logra en el transcurso complementarse perfectamente con lo emotivo, creando una película que es capaz de calarnos en lo más hondo.

Un elenco que me pareció extraordinario en donde sus protagonistas, Sam Worthington y Octavia Spencer, gracias a una magnífica interpretación, crean una atmósfera emotiva increíble. Pero un punto que me gustaría destacar es la increíble interpretación de Octavia Spencer, esa vibra que es capaz de aportar a cada una de las escenas de la que es parte y por lo que nos recuerda el por qué es una gran merecedora de ser la ganadora a un Óscar.

Una historia que es como un balde de agua fría, pero que logró conmoverme, hacerme sentir un mar de emociones y finalmente cautivarme por completo, dejándome con el corazón en la mano y haciéndome reflexionar hasta después de finalizada. Me entretuvo desde el comienzo y me mantuvo expectante hasta el final.

La cabaña es una película potente que les recomiendo ir a ver, ya que de principio a fin los hará sentir un sinfín de emociones y constantemente los mantendrá en una disputa interna acerca de cuál es la forma correcta de enfrentar la vida. Les mostrará como el dolor puede llegar a ser capaz de cambiarnos y hacernos hacer cosas inimaginables, de cómo muchas veces a nuestras vidas llegan tristezas sin ser invitadas y las cuales debemos ser capaces de superar, pero que a pesar de todo, el amor siempre estará presente y de parte de quienes menos lo esperamos.

Por  Camila Toro F.

COCO de Disney•Pixar presenta EL ALMUERZO DE DANTE

Esta semana Disney•Pixar compartió un entretenido cuento corto basado en su nuevo estreno animado COCO, película ambientada en México que se estrena en enero próximo a los cines de nuestro país. ¡No se lo pierdan!

Dante, de COCO de Disney•Pixar, es un perro Xolo – diminutivo de Xoloitzcuintle- el perro nacional de México. Casi sin pelo y con pocos dientes, Dante tiene problemas para mantener su lengua dentro de su boca. Es el fiel compañero de Miguel, el aspirante a músico que quiere seguir los pasos de su ídolo Ernesto de la Cruz.

Mira el entretenido video acá

ESTRENO EN CHILE ENERO 2018

[Reseña cine] Ghost in the shell - Vigilante del futuro: Una vistosa pero fallida adaptación a una obra de culto

¿Qué tan difícil es adaptar una obra tan fundamental como Ghost in the Shell?. En un momento crítico por lo que está haciendo la industria con los live-action (Disney, obviamente) acá nos llega un clásico de la animación japonesa moldeado por la siempre cuestionable mano hollywoodense. Digo cuestionable porque más allá de las buenas intenciones en toda su propuesta visual, la película falla donde no debía fallar, y no se trata de faltarle el respeto a la original por cambiar ciertos aspectos del guión, por el contrario, una suerte de aterrizaje de conceptos de otra época y cultura al cine estadounidense tenía buenas opciones de relucir aún más lo alucinante de esta franquicia, y quedarse a medio camino para satisfacer a una audiencia más simplista le quita gran parte de los méritos a su propia propuesta. Eso no significa que esta nueva versión carezca de total trasfondo, la intención de hablar de algo trascendente se remarca y añade nuevas aristas que buscan satisfacer al público desde una mirada cercana al sentir de la protagonista, pero entrar a compararlo con las sutilezas de una obra tan maestra como la de Mamoru Oshii puede ser el gran balde de agua fría a la hora de evaluar esta nueva Ghost in The Shell, un decente pero insuficiente intento por sellar una de las influencias más grandes que tiene la ciencia ficción de hoy en día.

Un texto introductorio a la película nos contextualiza la trama, nos habla de un mundo futurista en donde se ha comenzado a implantar la mente de humanos en cuerpos de metal, y el uso que le darán los gobiernos a esta tecnología quedará de manifiesto al conocer a Mayor (Scarlett Johansson), la protagonista y primera de su especie. Bastó ese énfasis en explicar de manera textual estos detalles para empezar a percatarme de que las grandes diferencias que están por venir, y no precisamente en un buen sentido. Para explicarlo, debo entrar a la base de que se hace muy difícil separar la comparativa de las expectativas con la adaptación a la película en sí misma, pero en este caso es necesario, ya que Ghost in The Shell pese a tener un objetivo claro y medido en audiencia, se aferra a fuertes conceptos que no es capaz de desarrollar. Una historia que involucra temáticas como la identidad, la soledad, el género, la creación del alma y un reflejo potente a la unión humana es algo grande, muy grande para ser vendido. Por eso no sorprende lo mal que se resuelve a unos protagonistas que necesitaban de algo más que peras y manzanas para ser quienes debían ser, una esclarecedora forma de demostrar el crecimiento de un guión complejo en sus bases y tremendamente básico en su ejecución.

Scarlett Johansson es el principal punto de atención al hablar de estas dificultades, y es que pese a sus indiscutibles atributos físicos que dan correctamente con el personaje, hay una actitud que le quita profundidad y credibilidad a sus motivaciones. Su paso por la narrativa busca ser una historia de orígenes y autoconocimiento, pero se vuelve predecible, alejándose mucho de demostrar el verdadero peso de su “ghost”. La relación con Batou (Pilou Asbæk), su eterno compañero de labores es igual de desaprovechada al darle una lectura muy funcional e intrascendente. Pero lo más desmotivante por lejos es su contraparte, ya que el supuesto villano invisible que le da el verdadero sentido a la película original acá se desdibuja totalmente. La relación entre estos personajes debía ser la excusa para la existencia de esta adaptación, y un complemento planteado desde lo que ambos necesitan no tiene un final satisfactorio, al contrario. El tema de estereotipar buenos y malos siempre permite que hayan giros notables, el problema aparece con esa manía por exagerar en lo literal, donde el rol del espectador se reduce a aplaudir los efectos especiales y a simpatizar con una actriz híper cotizada por los medios. Ahora, estos defectos vienen más como un problema de timidez al expresar las ideas, porque Ghost in the Shell se mantiene como una película consecuente a sus necesidades. No hay un exceso de vicios, la adaptación de ciertos detalles narrativos ligados a la cultura japonesa son correctos, más aún lo fiel que se representa desde la vista a personajes como Batou, y buscar un equilibrio entre un ritmo muy contemplativo de la belleza visual a escenas rápidas y cargadas de acción funciona bastante bien.

Es cierto, la falta de profundización en cada temática que pone por delante se vuelve bastante decepcionante, pero siguen allí. La película debía estar en muy malas manos como para que esta adaptación fuera totalmente vacía, y Rupert Sanders es capaz de hollywoodisarla en un lenguaje superficial pero conocido, sin una cohesión con el guion pero llevando las capacidades visuales hasta el nivel que todos soñamos al imaginar un live-action. Los detalles artísticos, los efectos del traje, o planos en cámara lenta y calcados de la película original, hay mucho deleite para los más aficionados a este tipo de cosas, y si hay un aspecto por el que recomendaría esta película es ese (y sólo ese). Es triste una nueva oportunidad fallida al adaptar una obra sobresaliente, aunque si vemos nuestra cartelera no debe sorprender a nadie. Aún así, viene siendo momento para hacer una pausa y percatarnos que siempre existe una nueva oportunidad para exigir algo mejor, porque ya lo han escuchado, probablemente Akira sea la siguiente.

Por Andrés Leiva

[Reseña cine] El Cordero: Suspenso a la chilena

El cine de suspenso, o thriller, ha sido uno de los géneros más explotados en la industria nacional en los últimos años —considerando aquellas obras que llegan a estrenarse comercialmente, claro— y quizá una de las razones que expliquen este fenómeno sea que dicho género llame más la atención del público chileno. “El Cordero” no es la excepción, y este jueves 30 de marzo llega a nuestras salas con la esperanza de no continuar la maldición de sus predecesoras, y conseguir estar más de dos semanas en cartelera.

El Cordero, dirigida por Juan Francisco Olea, nos cuenta la historia de Domingo (Daniel Muñoz) un padre de familia y devoto cristiano, que, al matar accidentalmente a una persona, da cuenta de su incapacidad para sentir culpa, lo que poco a poco lo llevará a tocar los límites de la psicopatía y lo hará enfrentarse a las repercusiones que tendrán sus acciones, tanto en su vida personal, como con aquellos que lo rodean. 

Dentro de lo que es el cine de suspenso, El Cordero logra plasmar lo más puro de este género en las escenas en que debía hacerlo. Un excelente manejo de la tensión en las escenas importantes, especialmente en las primeras, donde cuesta encontrar un respiro gracias al buen manejo de recursos por parte del director. En este sentido, la película no falla en usar los elementos clásicos del suspenso cinematográfico, como el uso de poca luz, los ritmos de escena más lentos previos al desenlace y la entrega de poca información al espectador. Otro punto a favor es el gran trabajo de su elenco principal. Por supuesto, Daniel Muñoz, como ya nos tiene acostumbrados, entregando una muy buena actuación que a su vez se apoya del muy buen trabajo de los demás miembros del reparto como Roberto Farías, Trinidad González, Julio Jung e Isidora Urrejola.

En lo que respecta a la historia, podría decir que El Cordero posee un guion muy funcional, al menos en los tres primeros cuartos de la película. La historia logra retratar una arista del Chile de clase media/baja más conservador y religioso de manera muy acertada y sin caer en prejuicios ni estereotipos. Además, es coherente en su desarrollo aún sin ahondar más allá de lo superficial en relación a las motivaciones que llevan al protagonista a tomar parte en sus acciones. Sin embargo, en los momentos cercanos al final de la película, se pierde esta coherencia que se venía manteniendo, dejándonos con escenas que parecen forzadas y carentes de la profundidad necesaria para justificarlas. Esto nos deja con una sensación final un poco amarga, por cuanto la película no logra transmitir ese impacto al que realmente apuntaba.

A pesar de todo esto, los dejo con este pensamiento final: El Cordero me pareció una apuesta muy arriesgada —y en el buen sentido—, pues gran parte de los riesgos que tomó dieron frutos, particularmente en el suspenso que logra generar y como además retrata el perfil de una persona que comienza a experimentar los primeros indicios de la psicopatía. Ya de por sí estos dos elementos son suficientes como para captar la atención del espectador. Es por eso que, en definitiva, El Cordero es una película que vale la pena ver en la pantalla grande.

 Por José A. Pino

[Reseña cine] Chips: Patrulla motorizada recargada: Decepción sobre dos ruedas

Esta semana se estrenó en los principales cines de nuestro país Chips: Patrulla motorizada recargada, película que corresponde a un remake de una popular serie de televisión norteamericana creada por Rick Rosner y emitida entre los años 1977 y 1983. 

La película está dirigida, escrita y protagonizada por Dax Shepard, quien junto a Michael Peña interpretan a los compañeros policías motorizados John Baker (Shepard) y Frank "Ponch" Poncharello (Peña) quienes trabajan patrullando las autopistas de California en busca de delincuentes. Ambos policías tienen razones muy diferentes para pertenecer a la Patrulla motorizada. Baker es un desgastado motociclista profesional que está tratando de reconstruir su vida y su matrimonio, en cambio Poncherello es un creído agente del FBI que está infiltrado en la Patrulla Motorizada, para investigar un robo de millones de dólares.

Fui a ver la película sin expectativas, tampoco conocía la serie en la que está basada. Pensé, por un momento, que me iba a reír viendo las tonterías que harían estos policías motorizados en la pantalla grande. Lamentablemente no fue así. Chips es una comedia muy básica, con un humor que intenta ser entretenido a la fuerza, con una trama con poca consistencia y unos personajes caricaturizados con los que es difícil empatizar. Las escenas de acción y persecuciones están bien hechas, pero no es suficiente para enganchar al espectador y decir que la película es entretenida. 

No puedo dejar de mencionar que un pequeño punto positivo que tiene la película es la complicidad que se genera entre la dupla de protagonistas, Michael Peña y Dax Shepard. Es entretenido, en un par de momentos, verlos juntos en escena, consiguieron que sonriera un par de veces, carcajadas nunca. Pero este pequeño punto no consigue sacar a flote a la Patrulla Motorizada. De todas maneras son ustedes,queridos lectores, quienes tienen la última palabra, puede ser que este tipo de humor les guste. 

Por Gustavo Hernández

[Reseña cine] Power Rangers: Nostalgia con poca sustancia

Ser un Power Ranger fue la ilusión de muchos en una época inolvidable. La primera serie estrenada el año 1993 se mantuvo por bastante tiempo entre lo más visto por los pequeños, y haber ganado un renombre así de fuerte no es menor. Pero algo faltaba, una adaptación hollywoodense que aprovechara un concepto olvidado por las nuevas generaciones híper estimuladas desde lo nostálgico, y que Transformers esté generando tantos ingresos es un buen expediente. Pero hay una gran diferencia entre ellas; la escala de Michael Bay es muchísimo mayor, y siendo ambos productos meramente de entretenimiento, llegan a lugares diametralmente distintos. No es sorpresa que Power Rangers tenga poco para aportar en ese sentido, pero aterrizar a estos súper héroes sin arruinar la experiencia de los fans permitía pocas cosas, y el camino fácil da los resultados esperados.

Dean Israelite dirige una película que cumple las “reglas Ranger”, pero con un aire nuevo. Que hayan caras desconocidas se hace consecuente a la idea de presentar este equipo a las nuevas generaciones, pero debemos saber que una gran parte del espectador promedio se afilia a un amor del pasado. Esa búsqueda de equilibrar ambos mundos induce a la película a deambular como un ligero drama adolescente, pero sin llegar a serlo a cabalidad. Cada temática que plantea un conflicto íntimo de nuestros protagonistas, tal como la homosexualidad, va más en la función de generar empatía que de otra cosa. Y llama la atención, ya que la idea de desarrollar al equipo antes que toda la parafernalia pirotécnica permitía un aprovechamiento mayor, porque todo el arsenal se guarda para el tercer acto y había tiempo para hacer algo realmente entretenido. El problema es que los personajes no terminan de conectarse entre ellos con credibilidad, algo que se nota desde su primera reunión en pantalla, y curiosamente son las mismas dificultades que moviliza la trama.

El eterno ranger rojo (Dacre Montgomery) es un protagonista que da con el perfil clásico, pero no le alcanza para más. Sus compañeros corren una suerte similar, ya que pese a abarcar sus roles de manera correcta, no es suficiente para hacernos olvidar a una villana tan infantil que llega a incomodar. Incluso el carismático ranger azul (RJ Cyler) deja de ser chistoso en el momento en que notas lo poco natural que surgen los diálogos. Son trabas del guion que no permite que los personajes salgan de lo predecible, pero al final de cuentas son evidentes concesiones. La película es capaz de mantener un ritmo aceptable y replicando fielmente ciertos aspectos de la serie original, incluyendo lo inverosímil de ciertas situaciones. Lo que más se ansía es ver al equipo en acción, y sin llegar a lo épico, es bello poder rememorar nuestra infancia tan solo con dinosaurios de metal. Es una cultura popular que genera sentimientos muy particulares, y sí, que haya un momento GO GO con la música clásica es inevitablemente placentero. Si eso es suficiente o no, dependerá de cada uno, pero en lo personal anhelaría más una condenada secuela de Las Cazafantasmas antes que la probable continuación de Power Rangers. ¿Porqué lo menciono? porque ambas comparten una escena post créditos; fan-service nuevamente a nuestro servicio.

Por Andrés Leiva

[Reseña cine] Un jefe en pañales (The Boss Baby): Los tiernos bebés se toman la pantalla grande

Un imaginativo niño de siete años que está feliz de ser hijo único y un particular bebé que viste terno y corbata, son los protagonistas de la película animada Un jefe en pañales (The Boss Baby), que se estrena este jueves 23 de marzo en los principales cines de nuestro país. La película es del estudio Dreamworks, el mismo que nos ha sorprendido con éxitos tales como: Trolls, Kung Fu Panda y Shrek.

Un jefe en pañales (The Boss Baby) nos cuenta una historia acerca de lo difícil que es para un hermano (a) mayor la llegada de un nuevo bebé a la familia, y sobre lo complicado que es, a veces, para los padres enfrentarlo. Para quienes somos hermanos mayores es fácil sentirse identificado con esta compleja situación. Obviamente, todo esto lo vemos adornado con una increíble y divertida historia. No estamos frente a la mejor película de Dreamworks, pero es un panorama seguro para toda la familia.

Según la compañía BabyCorp, los bebés están perdiendo el cariño y atención de sus padres. Es por esto que envían a uno de sus más destacados empleados a averiguar que está ocurriendo. La misión es conseguir desbaratar los planes del malvado director de la empresa Puppy Corporation y recuperar así el amor de los padres hacia sus bebés. Una tarea muy difícil.

Un jefe en pañales está dirigida por Tom McGrath (Madagascar, Megamente, entre otras.) y quienes prestan sus voces a los personajes (en inglés) son: Miles Christpher Bakshi (Tim), Alec Baldwin (Babé), Jimmy Kimmel (Papá) y Lisa Kudrow (Mamá). Cabe destacar que esta película está basada en el libro ilustrado The Boss Baby de Marla Frazee. ¡Qué ganas de tenerlo!

La película me pareció muy entretenida y original, tiene momentos muy graciosos que de seguro les sacarán carcajadas. La historia no decae en ningún momento y el mensaje que nos entrega sobre lo importante que es la familia y el amor fraternal están bien utilizados. También tiene un par de momentos conmovedores que les llegarán al corazón.

Por Gustavo Hernández

Concurso Todos al Cine con Hojas Mágicas "Power Rangers" (Entradas + Premios especiales) / Terminado

¡Go Go Power Rangers! El próximo jueves 23 de marzo llega a nuestros cines favoritos la esperada película de los Power Rangers, dirigida por Dean Israelite y protagonizado por: Dacre Montgomery (Red Ranger), Naomi Scott (Pink Ranger), RJ Cyler (Blue Ranger), Ludi Lin (Black Ranger) y Becky G.(Yellow Ranger)... Para celebrarlo les traemos un espectacular concurso para ganar invitaciones para verla y premios exclusivos de la película. Participar es muy fácil, solamente deben completar el formulario adjunto y ser seguidores de nuestras redes sociales.

Los requisitos para participar son: 
1) Pinchar "me gusta" en las fan page Hojas Mágicas y Bf Distribution
2) Completar el formulario.
3) Los premios se deben retirar en Santiago.

El concurso comienza hoy y finaliza el próximo miércoles 22 de marzo. Los ganadores serán informados en nuestra página de Facebook. A continuación les presentamos la sinopsis oficial, el afiche de la película y el entretenido trailer.

Sinopsis

Billy, Zack, Kimberley, Trini y Jason son un grupo de adolescentes cuyas preocupaciones son las típicas de la edad. Todo cambia cuando descubren que tienen superpoderes y deciden aprovechar sus increíbles cualidades para salvar el mundo. Angel Grove, la pequeña ciudad en la que viven, y todo el planeta están en peligro por culpa de una amenaza alienígena. Los cinco jóvenes se convertirán entonces en los Power Rangers: Billy será el ranger azul, Zack se convertirá en el ranger negro, Kimberley se transformará la ranger rosa, Trini será la ranger amarillo y Jason el ranger rojo. Pero además tendrán que luchar contra la malvada villana Rita Repulsa.

Afiche

Trailer de la película

Los premios (A repartir entre los ganadores)

ESTRENO EN CHILE JUEVES 23 DE MARZO
Mucha suerte para todos y muchas gracias a BF Distribution por las invitaciones.

Concurso Avant Premiere - La Bella y la Bestia (Subtitulada) / Terminado

El próximo 30 de marzo llega a nuestros cines favoritos la nueva película de disney La Bella y la Bestia, protagonizada por Emma Watson y Dan Stevens. Gracias a nuestros amigos de Cinecolor films tenemos invitaciones dobles para asistir a la Avant Premiere (Película Subtitulada). Participar es muy fácil, solamente deben ser seguidores de nuestras redes sociales y completar el formulario adjunto.

LA BELLA Y LA BESTIA, de Disney, es una adaptación de acción real de la película animada, que revive a los queridos personajes del clásico cuento de Disney para una audiencia contemporánea, manteniendo la música original e incorporando varias nuevas canciones.

Los requisitos para participar son: 
1) Pinchar "me gusta" en  facebook de Hojas Mágicas y Cinecolor Films Chile 
2) Completar el formulario adjunto.
3) Vivir en la Región Metropolitana.

El concurso comienza hoy y finaliza el próximo domingo 19 de marzo. Los ganadores serán informados en nuestra página de Facebook. 

 La Avant Premiere se realizará el martes 21 de marzo a las 20:00 hrs en Cine Hoyts Parque Arauco (Tenida semiformal).

Trailer La Bella y la Bestia (Subtitulado)

Para conocer más información de futuros estrenos que tendremos en nuestro país, les recomendamos seguir la páginas de facebook de Cinecolor Films Chile.

[Reseña cine] El espacio entre nosotros (The Space Between Us): Una aventura interplanetaria que te llegará al corazón (Estreno 16 de marzo)

Este jueves 16 de marzo se estrena en los principales cines de nuestro país: El espacio entre nosotros (The Space Between Us). Película de ciencia ficción y romance dirigida por Peter Chelsom, conocido por dirigir películas como: Señales de amor, ¿Bailamos?, Serendipity, entre otras. Protagonizada por Asa Butterfield (El niño con el pijama de rayas, el juego de Ender) y Britt Robertson (El viaje más largo, Tomorrowland: El mundo del mañana), además de contar en su elenco con Gary Oldman (El quinto elemento, Harry Potter, entre muchas otras.) y Carla Gugino (Mini espías, Watchmen)

En un futuro no muy lejano, un grupo de astronautas de una organización dirigida por Nathaniel Shepard (Gary Oldman), viaja en una histórica expedición a Marte con el propósito de colonizar el planeta y hacer de este un lugar habitable debido a la saturación y daños que el ser humano ha causado al planeta tierra. Todo funciona perfectamente hasta que la astronauta líder del equipo descubre que está embarazada, dejando sin muchas opciones a toda una organización y falleciendo dando a luz a Gardner Elliot (Asa Butterfield) el primer ser humano nacido en Marte.

Después de dieciséis años, Gardner ya es un adolescente que ha sido criado por la científica Kendra Wyndham (Carla Gugino) dentro de una especie de cúpula especialmente diseñada para ser habitable y en donde también habitan otros científicos.

Rodeado de científicos Gardner desarrolla una gran inteligencia, lo cual junto a su astucia y curiosidad innata lo llevarán a querer saber más de su madre, de su padre, del cual no sabe absolutamente nada, y como no, del planeta tierra. 

Debido a sus ansias de encontrar respuestas, comienza una amistad virtual a distancia con Tulsa (Britt Robertson) una adolescente energética, de carácter fuerte que habita en la tierra y que se convierte en su única y más grande amiga. Ella y su curiosidad de conocer sus orígenes, lo impulsarán a querer viajar al planeta tierra, pero los científicos descubren un inconveniente que podrían poner en peligro sus sueños...

Me pareció muy buena la interpretación de los protagonistas y también la del resto del reparto, especialmente destaco a Gary Oldman, quien logra que su personaje tenga esa intensidad de la que siempre se ha caracterizado al momento de interpretar cualquier papel. Me gustó mucho también la química que se genera entre Asa Butterfield y Britt Robertson, estoy segura que a más de alguien se le escaparán un par de lágrimas en el cine, hay momentos realmente emotivos.

El espacio entre nosotros nos da un mensaje honesto acerca de los peligros del daño que está provocando el ser humano al planeta tierra y los inconvenientes que esto podría tener en el futuro. En resumen, esta es una película entretenida, liviana y emotiva, que nos muestra la importancia de valores como: el esfuerzo, la perseverancia, pero por sobre todo la amistad y el amor. 

Por Camila Toro F.

[Reseña cine] Silencio (Silence): La nueva hazaña de Scorsese (Estreno 16 de marzo)

Martin Scorsese es uno de esos cineastas que siempre da que hablar. Cada vez que se escucha en el mundo del cine algún rumor de que podría estar preparando una nueva película, indudablemente se va a generar una expectativa. Y es que Scorsese es una leyenda viviente del cine. Entonces, ¿cómo no emocionarse al saber que viene material nuevo de su parte? Curiosamente, este no fue tanto el caso de su última obra, Silencio (Silence), pues a pesar de ser un proyecto en el que Martin trabajó por décadas antes de ver la luz, no generó tanto ruido como su trabajo anterior con El Lobo de Wall Street. Silencio es la reseña de hoy, película que llegará a salas nacionales este jueves 16 de marzo y que curiosamente ha generado opiniones extremadamente divididas en la crítica mundial.

Silencio está basada en el libro homónimo del autor japonés Shūsaku Endō, y cuenta la historia de dos padres Jesuitas del siglo XVII, Sebastião Rodrigues (Andrew Garfield) y Francisco Garupe (Adam Driver), quienes van a Japón en busca de su mentor, el padre Ferreira (Liam Neeson), al escuchar los rumores de que este había apostatado y difamado en público el nombre de Dios, en un período de la historia japonesa donde los cristianos eran perseguidos, torturados y asesinados.

Tal y como les decía un poco más arriba, la crítica ha estado muy dividida respecto a esta película, y se formó una suerte de dicotomía donde sólo están aquellos que odiaron la película, o bien aquellos a quienes les fascinó. Yo me considero dentro de este último grupo, y les voy a contar por qué. Silencio es una película espectacular en todo sentido, visualmente, emocionalmente e incluso, intelectualmente, hasta podría decir que es una de las obras fundamentales de Scorsese (junto con Taxi Driver y Goodfellas) y que por razones que aún no me explico fue casi completamente obviada en la última entrega de los premios de la Academia.

A mi parecer, el gran mérito de Silencio es cómo la historia de la película y el contexto en el que se ubica, logran crear el escenario perfecto para que esta sea una de esas obras que están constantemente provocando un debate en la mente del espectador, y donde aún después de terminada las más de dos horas y media de película, todavía sigues preguntándote qué es lo que harías si estuvieras en la piel de los personajes. Eso para mí es una fortaleza que no se ve regularmente en el cine. Además de todo esto, Silencio es una película crudamente emocional, donde Scorsese no falla en dosificar su propio estilo de violencia y las emociones más fuertes. Todo esto con un gran trabajo de los actores, tanto de Liam Neeson como de Adam Driver y el resto del reparto de actores japoneses que simplemente lo hacen fenomenal. Pero un punto aparte es el increíble trabajo de Andrew Garfield. No me termina de entrar en la cabeza como pudo haber sido nominado al Óscar por su actuación en Hacksaw Ridge y no por Silencio. En esta película vemos al mejor Andrew Garfield que hayamos visto. Simplemente espectacular. En cada escena puedes notar cuanto compromiso puso de su parte para este papel, no sólo por haber bajado considerablemente de peso, sino por lo genuina que es su labor interpretando al padre Rodrigues y cómo logra hacer creíble todo el sufrimiento que comparte con los campesinos japoneses que lo santifican y lo creen su salvador. Otro gran atributo de Silencio, es la belleza de su composición visual. La película fue grabada en Taiwán, pero a pesar de eso, la fotografía está tan cuidadosamente hecha, que no da ninguna razón para pensar que los hermosos paisajes que se ven en esta obra no son del Japón del siglo XVII. Es más, estuvo nominada por la Academia para el premio a mejor fotografía, pero no resultó ganadora.

En definitiva, Silencio es una obra fundamental en la filmografía de Scorsese y una película que firmemente les recomiendo ir a ver, ya que una vez que logran pasar los primeros 30 o 40 minutos donde la película avanza a un ritmo lento, te va a subir y a bajar como una real montaña rusa, y te hará discutir contigo mismo sobre la naturaleza propia del ser humano y sobre los límites a los cuales estamos dispuestos a llegar con tal de sobrevivir o mantenernos firmes a nuestras creencias. 

Por José A. Pino

[Reseña cine] T2 Trainspotting 2: La esperada secuela de una película de culto (Estreno 9 de marzo)

Siguiendo con los estrenos de marzo, esta semana llega a nuestra cartelera Trainspotting 2, la esperada secuela de la película británica estrenada en el año 1996 Trainspotting, dirigida por Danny Boyle (¿Quién quiere ser millonario?, Steve Jobs, entre otras) y basada en la novela homónima escrita por Irvine Welsh. Después de veinte años de haberse estrenado su antecesora, este jueves 9 de marzo llega a nuestros cines su secuela también dirigida por Danny Boyle y protagonizada por su reparto original: Ewan McGregor, Jonny Lee Miller, Ewen Bremmer y Robert Carlyle.

En Trainpotting, vimos a un grupo de jóvenes heroinómanos de los suburbios de Edimburgo, encabezados por Mark Renton (Ewan McGregor), empeñados en no seguir un patrón social establecido y sin otra aspiración en la vida que conseguir dinero sucio y mantenerse drogados permanentemente. La película es considerada de culto debido a su excelente guión y dirección, y consiguió dejar huellas y un legado en toda una generación debido a la cruda exposición de los efectos de las drogas duras y sus consecuencias. Hoy veinte años después, se estrena su secuela, la cual busca mostrarnos el presente de estos jóvenes y cuales fueron los caminos que siguieron.

En Trainspotting 2, nos encontramos con un Renton de 46 años volviendo a Edimburgo después de haber vivido varios años en Ámsterdam, con un fracaso matrimonial sobre la espalda y sin saber que hacer de su vida nuevamente. Vuelve con el fin de enmendarse con sus amigos luego de haberlos traicionado, es así como en el transcurso de la historia vamos siendo testigos de la actual vida de sus protagonistas. Vemos a un Sick Boy (Jonny Lee Miller) siguiendo su mismo patrón juvenil, a Begbie (Robert Carlyle) tratando de escapar de prisión, a Spud (Ewen Bremmer) intentando superar su adicción a la heroína y como olvidar a Diane (Kelly McDonald), la antigua novia de Renton, quien  hoy es una exitosa abogada.

Una secuela que nos muestra la evolución e involución de sus personajes, como se ven ellos en la actualidad en un mundo mucho más moderno, como enfrentan a la sociedad, los errores y aciertos de sus decisiones, las ansias de venganza. Y como no, la amistad ligada a la traición. Personalmente me sorprendí muchísimo con esta película, Danny Boyle logra que esta secuela sea entretenida, disfrutable y que a pesar de haber pasado veinte años logró mantener el espíritu de su antecesora. Se alimenta de la original a pesar de tener un legado diferente, la primera se centraba en los efectos y consecuencias de la adicción, esta se centra en las consecuencias de las acciones del pasado y en la desilusión de la vida. Un grupo ya no tan joven de heroinómanos aferrados al pasado se mantienen estancados sin poder surgir.

Nos volvemos a encontrar con un muy buen guion, una estética fascinante, incorporación de música acorde y efectos llamativos que acompañan a la perfección, logrando otra maravilla de despliegue audiovisual, siendo fiel a la primera parte. Un elenco extraordinario con una capacidad actoral magnifica para volver a personificar a sus antiguos personajes, haciéndonos volver en el tiempo y hacernos sentir nostalgia. Una película en la que se logra unir la emotividad, la nostalgia y el humor. 

Los invito a ver esta secuela en el cine, les aseguro que no se aburrirán en ningún momento, muy por el contrario, se divertirán y se emocionaran al reencontrase con los personajes que nos marcaron hace veinte años atrás.

Camila Toro F.

Reseña cine - Logan: Hasta Siempre, Hugh (2 de marzo en cines)

Desde que comenzaron las adaptaciones de los personajes de cómics a la pantalla grande y la televisión, nos hemos deleitado con incontables interpretaciones de nuestros personajes favoritos, algunas memorables, otras no tanto. Muchos superhéroes y villanos han sido interpretados por más de un actor; Batman, Spiderman, Hulk, Daredevil, Superman, Flash, entre muchos otros más. Sin embargo, desde su primera aparición en el cine, sólo ha habido un Wolverine, Hugh Jackman. La reseña de hoy es para Logan, la última película donde veremos a Hugh como el personaje que lo llevó a la fama mundial luego de su primer rol en la película X-Men del año 2000.

Me gustaría comenzar dando las gracias a un filme en particular: Deadpool. Gracias a Deadpool, Fox se dio cuenta de que puedes hacer una película basada en personajes de comics y darle clasificación +14 (o “R” como le llaman en Estados Unidos) y ganar tanto o más dinero que haciéndola apta para menores de edad. Si esto no hubiese sucedido, no tendríamos una de las mejores películas de la saga X-Men. Esto supuso el escenario perfecto para una película de Wolverine, donde se hace presente la violencia gráfica, el vocabulario fuerte y las tramas crudas y complejas, tal y como en su material de origen. Esto, de hecho, se nos deja clarísimo en los primeros 10 minutos de la película, y esta esencia se mantiene fiel hasta el final. En todas y cada una de las escenas donde vemos a Logan o a X-23 en acción vas a tener que recoger tu mandíbula del suelo, te lo garantizo. Además, cabe destacar el gran valor que representa la pequeña Laura, o X-23 (Dafne Keen) en esta película, deberíamos dar una ovación de pie al director de casting y a James Mangold por haber tomado la mejor decisión respecto a un personaje tan importante como ella. Su performance es tan memorable que hasta te olvidas por un segundo que cuando pasen los créditos, no verás más a Hugh Jackman como Wolverine.

Logan no es sólo una película más del universo X-Men, es la culminación de una era, y que mejor que terminarla con la obra más madura, más cruenta y visualmente imponente de todas. De hecho, es muy probable que si entras a la sala de cine esperando escenas de acción cada 10 minutos tipo John Wick, salgas decepcionado. La película se toma su tiempo, y con razón. Una historia como esta no puede escatimar en diálogos, buenos diálogos que nos ayudan a entender el porqué de todo lo que estamos viendo y de cómo las cosas llegaron a ese punto, de cómo estos personajes pasaron de vivir en una mansión en Westchester, a esconderse en una fábrica en Texas, de por qué la pequeña Laura es tan similar a Logan, de dónde viene y por qué la están persiguiendo. La mayoría de las preguntas no quedan sin respuesta, y esto se debe al gran trabajo que hicieron James Mangold, Scott Frank y Michael Green escribiendo la historia. Ningún elemento existe sin un propósito, y la forma en que logran crear una metáfora de situaciones que están sucediendo hoy en la realidad y la plasman en esta historia de ficción de mutantes, es simplemente fenomenal. Otro gran mérito que se puede agregar a Logan es que en ningún momento deja de sorprenderte. Cuando crees que ya viste todo lo que había por ver en la película, ¡BOOM! Otra sorpresa. Aun así, me parece que hay ciertos elementos del guion que no calzan muy bien, pero son cosas muy pequeñas que se dejan pasar por el bien de la historia y que de ninguna manera logran empañar la gran calidad que tiene la película. 

Para terminar, déjame decirte que Logan no sólo te va a impactar, te va a emocionar quizá hasta las lágrimas. Te va a sorprender y te hará reír. Todo esto crea un conjunto de emociones dignas de un adiós a una de las mejores interpretaciones de un personaje de comic en la historia del cine, lo único que nos faltó fue el traje amarillo y azul. 

Hasta siempre, Hugh.

Por José A. Pino