[Eventos] Día del Encuentro de Dos Mundos Artistas escénicos de pueblos originarios levantan su primer catastro y encuentro nacional

Quiénes son, dónde están y cómo sostienen su trabajo los artistas escénicos pertenecientes a pueblos originarios en Chile; esas son las preguntas que busca responder un inédito catastro nacional impulsado por Fundación Colectivo Epew y el Centro Chile del Instituto Internacional del Teatro (ITI), en el contexto de una nueva conmemoración de la llegada de Colón a América, promoviendo la reflexión sobre su impacto cultural.

El formulario que estará abierto hasta el 8 de noviembre y sus resultados serán uno de los ejes de TRAWÜN: 1er Encuentro de Artes Escénicas y Comunidades de los Pueblos Originarios en Chile que, entre el 24 y el 31 de octubre, reunirá actividades presenciales y online, talleres, performance y reconocimiento a trayectorias.

A qué pueblos pertenecen, en qué territorios desarrollan su trabajo, qué disciplinas practican, cómo aprendieron sus oficios y cuáles son las principales dificultades para sostener sus trayectorias son algunas de las preguntas que abordará el primer Catastro Nacional de Artistas Escénicos de Pueblos Originarios, iniciativa que busca construir una radiografía de un sector sobre el cual, hasta ahora, no existe un diagnóstico de estas características.

“La importancia de este catastro está, primero, en su carácter inédito. No sabemos cuántos artistas indígenas trabajan contemporáneamente en las artes escénicas ni existe un levantamiento anterior de este tipo. Permitirá tener un estado del arte sobre sus creaciones y la representación de las primeras naciones en distintos territorios”, explica Roberto Cayuqueo, director de Colectivo Epew y miembro del Consejo Ejecutivo del Centro Chile del Instituto Internacional del Teatro (ITI).

El levantamiento será uno de los componentes centrales de TRAWÜN (Reunión) 1° Encuentro de Artes Escénicas y Comunidades de los Pueblos Originarios en Chile, organizado por ambas instituciones entre el 24 y el 31 de octubre, con jornadas en Santiago y El Bosque, además de actividades online. La propuesta busca generar un espacio de encuentro, visibilización y reconocimiento, junto con producir información que permita proyectar futuras acciones.

Un mapa que todavía no existe
Mediante una convocatoria abierta, el catastro busca identificar a artistas, compañías y cultores escénicos de diferentes pueblos y territorios, considerando antecedentes sobre pertenencia, ubicación geográfica, disciplinas y recorridos profesionales. También indagará en las formas de aprendizaje —desde estudios formales hasta transmisión oral, familiar o comunitaria— y en las dificultades de acceso a financiamiento, formación, espacios de creación, circulación y difusión.

“Esta primera fotografía permitirá saber cuántos somos y dónde estamos, pero también reconocer las principales necesidades de los artistas indígenas, no solo económicas, sino relacionadas con visibilidad, espacios de creación e intercambio”, señala Cayuqueo.

La convocatoria considera un espectro amplio de expresiones, desde el teatro y la danza hasta la performance, la narración oral, el epew y otras prácticas escénicas. La información recogida permitirá avanzar hacia una caracterización por pueblo, territorio y disciplina, que se proyecta además como punto de partida para un registro permanente del Centro Chile ITI.

Para Rallen Montenegro, reconocida actriz de origen mapuche y vicepresidenta de Fundación de Colectivo Epew, el valor de la iniciativa radica también en generar vínculos entre creadoras y creadores que no necesariamente comparten los mismos circuitos o territorios. “Este catastro abarca distintas disciplinas, desde la performance hasta la danza y el teatro, pero sobre todo es un espacio de encuentro. Nace desde un colectivo mapuche, pero está pensado transversalmente: la idea es que podamos encontrarnos y conversar”, explica la intérprete.

Uno de los desafíos será precisamente alcanzar a quienes desarrollan su trabajo fuera de Santiago y de los circuitos institucionalizados. Para facilitar esa participación, el encuentro combinará instancias presenciales y remotas. “Para quienes no pueden asistir físicamente, pero están interesados en participar, es muy importante completar el formulario. También tendremos talleres e instancias online, de manera que la distancia no impida ser parte de este proceso”, agrega.

De Wallmapu a una red nacional
La iniciativa recoge la experiencia de Fundación Colectivo Epew, organización nacida en 2015 en Wallmapu y que durante una década ha desarrollado proyectos que vinculan creación artística, educación intercultural, investigación y culturas de pueblos originarios.

Su trabajo se ha desplegado desde escuelas rurales de La Araucanía hasta espacios internacionales. La Escuela de Tayül, realizada junto a la Fundación Elisa Avendaño Curaqueo, vinculó creación sonora, memoria, lengua y transmisión intergeneracional; mientras Epew: El Zorro junto al Cóndor / Ngürü engu Mañke recorrió cinco establecimientos rurales de La Araucanía con funciones y mediación artística.

En paralelo, Roberto Cayuqueo desarrolló actividades académicas sobre teatro site specific, cartografía y teatro mapuche en la Academia de Teatro de Shanghái, mientras FILLKE PEWMA circuló por el Wereldmuseum Leiden de Países Bajos y el Festival BCN Off de Barcelona.

Desde esa experiencia territorial e internacional, el proyecto busca instalar las artes escénicas de pueblos originarios como una línea permanente de trabajo del Centro Chile ITI, integrante de una red latinoamericana que conecta al país con centros de Brasil, Colombia, Cuba, Venezuela y México, entre otros.

Cuatro jornadas de creación, formación y reconocimiento
El encuentro comenzará el 24 de octubre en el Centro Ceremonial Mahuidache con Teatro Mapuche para infancias, continuará al día siguiente 25 de octubre con una ceremonia en la Ruka del Parque O’Higgins durante la mañana, para volver a Mahuidache a una jornada sobre danza mapuche y artes escénicas liderada por Elisa Avendaño Curaqueo, Cristian Waman y Natalia García Huidobro, el 28, Roberto Cayuqueo realizará un taller online de escritura y dramaturgia; y el 30, Rallen Montenegro encabezará un taller de actuación en el Teatro Comunitario Novedades de Santiago. El cierre será el mismo 30 de octubre en la Ruka del Parque O’Higgins, con un reconocimiento público a artistas escénicos de pueblos originarios con trayectoria.

El proceso quedará documentado mediante un informe, registro audiovisual y memoria, como punto de partida para ampliar en futuras versiones la participación regional y generar nuevas acciones a partir de la información obtenida. Así, el catastro funciona como una convocatoria a hacerse visible y, al mismo tiempo, a encontrarse: una primera fotografía colectiva para reconocer quiénes desarrollan hoy las artes escénicas de los pueblos originarios en Chile, dónde están y qué condiciones requieren para sostener y proyectar su trabajo.

www.colectivoepew.cl

COORDENADAS ENCUENTRO DE ARTES ESCÉNICAS Y COMUNIDADES DE LOS PUEBLOS ORIGINARIOS EN CHILE
24, 25, 28, 30 y 31 de octubre de 2026
Parque Quinta Normal | Teatro Comunitario Novedades | Centro Ceremonial Mapuche de El Bosque | actividades online. 

CATASTRO NACIONAL DE ARTISTAS ESCÉNICOS DE PUEBLOS ORIGINARIOS
Convocatoria de alcance nacional.
Formulario de inscripción al catastro
Organizan: Fundación Colectivo Epew / Centro Chile ITI.

VIDEO REFERENCIA
https://youtu.be/yKw4CIrwiTw?si=AxKSBJMG4BqKPFf9

[Eventos] Cuando el cuerpo vuelve al centro: STGO SOMA despliega su primera edición en Santiago

Prácticas somáticas, creación escénica y nuevas formas de comprender el movimiento se encuentran en STGO SOMA, iniciativa que durante octubre y noviembre reúne talleres, workshops, masterclass, obras, ponencias y conversatorios en distintos espacios de la Región Metropolitana.

STGO SOMA – Encuentro de Prácticas Somáticas para Creadores Escénicos ya se encuentra desarrollando su primera edición, abriendo un espacio de encuentro entre artistas, docentes, investigadores, creadores y públicos interesados en explorar el cuerpo no solo como herramienta de expresión, sino también como territorio de conocimiento, memoria y experiencia.

A través de una programación que cruza creación, formación, investigación y exhibición, el encuentro propone acercarse a las prácticas somáticas y a su relación con las artes escénicas desde diferentes perspectivas. Cuerpo, mente, movimiento, memoria, territorio e identidad aparecen como algunos de los conceptos que atraviesan una propuesta que incorpora metodologías como Body-Mind Movement, Body-Mind Centering y Método Feldenkrais.

Durante octubre y noviembre de 2026, STGO SOMA contempla 5 workshops, 6 masterclass, 5 talleres, 3 ponencias, 3 conversatorios y cuatro obras escénicas, de las cuales dos están dirigidas a público infantil y familiar y dos a público general. A ello se suman el lanzamiento de un catálogo y un catastro de artistas vinculados a las prácticas somáticas.

El cuerpo como punto de partida

¿Qué cambia cuando dejamos de observar el cuerpo únicamente desde afuera y comenzamos a atender aquello que ocurre desde su propia experiencia?

Desde esa pregunta, STGO SOMA aborda la somática como un campo centrado en la percepción interna y la experiencia vivida, poniendo atención en cómo cada persona siente, percibe y construye el movimiento. Esta perspectiva permite establecer cruces entre las prácticas corporales, la creación contemporánea, la pedagogía y la investigación artística.

Bajo la idea de “Un Manifiesto del Cuerpo en el Territorio”, el encuentro sitúa al cuerpo como espacio de memoria, conocimiento y experiencia. Danza, teatro, investigación transdisciplinar y prácticas somáticas convergen para proponer otras formas de relacionarnos con nosotros mismos, con los demás y con los territorios que habitamos.

Esta primera edición reúne, entre otros participantes, a Verónica Pérez, Bárbara Gillmore, Natalia Sabat, Geo del Campo, Camila Canobbio, Marcela Olate, Mark Taylor, Rodrigo Chaverini, Heny Roig Monge, Poly Rodríguez, Paula Sacur, Ana Carvajal, Camila Soto, Teresa Salas y Loreto Caviedes, articulando diferentes aproximaciones a la corporalidad, la pedagogía, la investigación y la escena.

Entre las experiencias que forman parte del encuentro está “Estratos Coreográficos: Una Metodología somática - arqueológica para prácticas coreográficas que rastrean memorias y paisajes”, de Geo del Campo. La programación incorpora además herramientas provenientes del Método Feldenkrais, Técnica Alexander, Laban/Bartenieff y Body-Mind Movement.

Tres territorios para un mismo encuentro

La programación de STGO SOMA se articula a partir de tres grandes ejes, permitiendo que las prácticas somáticas dialoguen con diferentes comunidades y espacios.

El primero corresponde a la Programación Territorial y Mediación con la Comunidad Artística y Docente, vinculada a la Escuela Superior de Artes de Maipú y el Teatro Municipal de Maipú. Allí se desarrollan talleres dirigidos a infancias y adolescencias, familias, facilitadores y trabajadores, además de personas mayores y presentaciones escénicas destinadas al público familiar e infantil.

Un segundo eje corresponde a la Programación Universitaria y Académica, desarrollada junto a la Facultad de Artes de la Universidad Academia de Humanismo Cristiano. Talleres, clases magistrales, workshops, ponencias y conversatorios permiten profundizar en la creación, el entrenamiento y la investigación escénica desde perspectivas somáticas.

El tercer ámbito es la Programación Escénica Somática, que contempla actividades en Espacio Vitrina, CityLab y Espacio Aiquia, integrando obras para público general, masterclass, workshops y conversatorios, además del lanzamiento del catálogo de artistas y del catastro de creadores escénicos vinculados a estas prácticas.

Más que una programación: un espacio para encontrarse desde el cuerpo

STGO SOMA no busca limitarse a la exhibición de obras o a la realización de actividades formativas. Uno de sus propósitos centrales es generar un espacio de intercambio entre la comunidad artística, el ámbito académico y los públicos.

Sus distintas instancias invitan a reflexionar sobre las prácticas somáticas como herramientas para la creación y la investigación escénica, pero también sobre el entrenamiento y las maneras contemporáneas de comprender y experimentar el cuerpo.

Así, durante octubre y noviembre, STGO SOMA despliega su primera edición en distintos puntos de la Región Metropolitana, conectando formación, escena, investigación y territorio a partir de una interrogante que atraviesa toda su propuesta:

¿Qué ocurre cuando volvemos a situar al cuerpo en el centro de la experiencia artística?

Toda la Programación puede ser revisada en bio de @stgosoma

STGO SOMA – Encuentro de Prácticas Somáticas para Creadores Escénicos

Octubre y noviembre de 2026 | Región Metropolitana

Talleres · Workshops · Masterclass · Obras · Ponencias · Conversatorios · Investigación · Mediación

RR.SS.: @stgosoma

Comunicaciones: ProEscénica

[Eventos] “ESTACIONES”: el aplaudido espectáculo familiar con hologramas y música en vivo llega al Teatro CA660

Una ambiciosa propuesta inmersiva que fusiona música original inspirada en las 4 estaciones de Vivaldi, con tecnología mapping, audio envolvente y un cuarteto de cuerdas en vivo.

Los próximos 29 y 30 de octubre, el Teatro CA660 de Fundación CorpArtes se transformará en el escenario de una experiencia artística sin precedentes en el país. Se trata de “ESTACIONES”, un espectáculo familiar de vanguardia que fusiona la inmortal música de Antonio Vivaldi con tecnología de punta, hologramas y visuales inmersivas, ofreciendo un viaje sensorial único a través de las etapas de la existencia humana.

Compra tus entradas en www.corpartes.cl o ticketplus.cl

El espectáculo, diseñado para cautivar de manera transversal a públicos de todas las edades, destaca por un despliegue técnico de nivel internacional. Durante una hora de función se combinará música neoclásica contemporánea, con cuarteto de cuerdas en vivo, tecnología de punta, sorprendentes efectos visuales, hologramas, mapping y un sistema de audio inmersivo de última generación, en un espacio de primer nivel como es el Teatro CA660.

Una metáfora de la vida a través de la música. “Estaciones” presenta un emotivo relato que acompaña a una niña a recorrer las cuatro grandes etapas de su vida, utilizando el ciclo de la naturaleza como una poderosa metáfora de la experiencia humana.  La historia comienza con la primavera, simbolizando el nacimiento, los primeros años de exploración y belleza, y la maravilla de estar vivos y descubrir el mundo. Avanza luego hacia el verano, representado por la efervescencia de la adolescencia con toda su fuerza, cambios y fuego interior, propios de esa etapa. Posteriormente, el otoño se instala como el símbolo de la madurez, la templanza y la consolidación de los proyectos de vida. Finalmente, el viaje termina en el invierno, donde la historia culmina de una manera profundamente potente, emotiva e inspiradora.

Un imperdible para toda la familia. El espectáculo está concebido minuciosamente para conectar con distintas audiencias. Es una alternativa de alta calidad cultural para padres que buscan entretenimiento educativo; una propuesta estimulante llena de sorpresas lumínicas y estímulos audiovisuales para niños (desde los 6 años) y jóvenes; y una delicada obra de arte para adultos mayores que valoran la música clásica y la belleza estética combinada con la ilusión tecnológica.

Tras una exitosa pretemporada con funciones agotadas en el Teatro Centro Cultural Las Condes, “Estaciones” da el puntapié inicial a su temporada oficial 2026-2027, la cual comienza con dos únicas funciones, el 29 y 30 de octubre, a las 20:00 horas, en Teatro CA660 de Fundación CorpArtes, ubicado en Rosario Norte #660, piso -2, Las Condes.

“En Fundación CorpArtes creemos que el arte debe conmover y evolucionar. Por eso, nos emociona que el Teatro CA660 presente ‘ESTACIONES’, un espectáculo vanguardista que redefine la forma de vivir la música clásica a través de hologramas y visuales inmersivas desarrolladas por Grupo Toso, con quienes ya hemos colaborado anteriormente. Esta nueva propuesta artística utiliza la tecnología para conectar al público con un relato envolvente”, señala José Tomás Palma, director ejecutivo de Fundación CorpArtes.

Entradas disponibles en: https://ticketplus.cl/events/estaciones-teatro-ca660 

[Teatro] Estreno en GAM “Informe para nadie”: Montaje de Radrigán cuestiona la supervivencia de la humanidad

Dos hombres y una mujer son los últimos sobrevivientes de la humanidad después de la hecatombe. Bajo un manzano -que emula el árbol del Edén-, cuyo fruto de la discordia es su única fuente de alimentación, discutirán si continuar o no con la especie.

“Informe para nadie” llega a GAM a diez años de la muerte de Juan Radrigán, Premio Nacional y voz fundamental de la dramaturgia chilena. Se trata de una de sus últimas obras, considerada entre las más radicales y reveladoras. “No van a ver lo que creen que van a ver”, comentó el mismo Radrigán en el estreno del montaje.

Fotos: Fran Razeto

Bajo la mirada autoral y la dirección de Ismael Castellón, la puesta en escena pone un especial acento en el teatro físico e incorpora recursos rítmicos, visuales y sensoriales. 

En este universo postapocalíptico, los actores Lorena Capetillo, Giordano Rossi y Eduardo Herrera intentarán sobrevivir entre las ruinas de una civilización desaparecida. Ellos comen manzanas todo el día mientras discuten si vale la pena repoblar la humanidad.

A partir de esta situación, Radrigán construye un universo donde sus personajes representan los restos morales, afectivos e ideológicos de una humanidad que ha sido incapaz de transformar su historia en algo distinto a la destrucción.

“Se trata de una nueva lectura escénica contemporánea de un texto que dialoga profundamente con nuestro presente, Tenemos la convicción artística de volver a poner en escena una dramaturgia que, desde la ironía y el absurdo, continúa interpelando las crisis sociales, políticas y humanas de nuestro tiempo”, comenta Castellón.

Fotos: Fran Razeto

Atravesada por la ironía, la sátira y una aguda crítica social, la obra habla de sexo y religión, pero que se remite a un génesis y al mismo tiempo a un juicio final, con un conflicto de género que se resiste a cualquier discurso moralizante.

En “Informe para nadie”, pasado, presente y futuro conviven en un mismo territorio, donde los personajes parecen estar atrapados sin saber con certeza qué ocurrió ni qué está por venir.

Fotos: Fran Razeto

La propuesta estética se construye como un dispositivo minimalista, con escombros y objetos que evocan la memoria, atmósferas envolventes, en medio de un universo subterráneo y desolado.

“Radrigán plantea preguntas sobre la incapacidad de la humanidad para transformar su historia y romper con sus ciclos de destrucción. La propuesta busca activar esa reflexión mediante un dispositivo poético que invite al espectador a cuestionar críticamente aquello que presencia en escena”, concluye el director.

9 al 25 Oct

Ju a Sá — 20 h. Do — 19 h

Entradas en gam.cl

[Eventos] Experiencia artística interdisciplinaria: Luz y sonido transformarán al público dentro de un capullo gigante en GAM

“Cocún, repliegue-capullo-metamorfosis”, es una experiencia artística que ocurre dentro de una instalación de gran formato que se activa con funciones en su interior, música en vivo, activación de aromas y un despliegue lumínico inmersivo.

Creado por el colectivo Delight Lab, junto a la artista y arquitecta Victoria Santos, un gran capullo de 11 metros de largo acogerá al público en una estructura que parece estar viva: un organismo que respira, suspendido entre estados, un refugio, un lugar de transformación.

El viaje colectivo reunirá a 35 personas al interior del gran Cocún, recostadas en colchonetas y suspendidas en pequeños capullos, compartiendo un tiempo y una experiencia común de luz, sonido y escucha. 

Cada función será una activación única junto a distintos artistas invitados que han trabajado con las posibilidades del sonido, la voz y la vibración: Silvia Vivanco, José Tomás Molina, Eduardo Balazs, Mariana Olivares, Pablo Araneda y Francisco Sánchez, quienes incorporarán música en vivo e instrumentos originales.

“Cocún es una experiencia multisensorial y propone un movimiento entre cuatro estados: recogerse, permanecer, transformarse y desplegarse. Un viaje colectivo hacia el interior de un capullo para experimentar la metamorfosis no como una imagen, sino como un estado interior del cuerpo. No se trata simplemente de observar una obra, sino de habitarla”, señalan los hermanos Andrea y Octavio Gana del colectivo de arte Delight Lab.

También habrá una actividad especial a cargo de Carolina Fuentealba, quien realizará una sesión de respiración consciente llamada NEUMA, una invitación a detenerse, escuchar el cuerpo y conectar con el propio ritmo respiratorio.

En el primer piso, con curatoría de Tiago de Abreu y museografía de Javiera Angulo, se contempla una exposición que propone un cruce entre arte, naturaleza y conocimiento científico. Habrán 9 textiles intervenidos con técnicas mixtas en textil y acuarelas y 4 vitrinas que presentan 4 estados de la crisálida, presentando una faceta plástica del colectivo integrado por los hermanos Andrea y Octavio Gana.

Parte de la muestra es gracias al patrocinio del Museo Nacional de Historia Natural, que expondrá material expositivo de carácter educativo, relacionado con el universo de los insectos y sus procesos de transformación, tales como mariposas, coleópteros, crisálidas y capullos.

Cocún surge de una investigación del colectivo en los bosques del sur de Chile en torno al repliegue, tanto en la naturaleza como en las sociedades, tomando el símbolo de la crisálida como eje para abordar la metamorfosis.

"Queremos que el público experimente el estado de capullo, que es tan espectacular. Primero el cuerpo se contrae, se pliega y se recoge. Después el tiempo se suspende. Algo está ocurriendo, pero todavía no se revela. Luego la materia cambia y deja de ser reconocible. El cuerpo se vuelve otra cosa. Finalmente la forma se abre y vuelve al espacio. Pero ya no es la que entró", finalizan sus creadores.

14 al 25 Oct

Ma a Do — diversos horarios

Entradas y + info en gam.cl

* El público deberá ingresar descalzo al capullo.

[Eventos] Paris Parade celebra 15 años y se consolida como el desfile navideño más grande de Sudamérica

 En esta nueva versión, Paris, parte del grupo Cencosud, presentará 13 globos gigantes -11 de ellos inspirados en personajes de Disney, Pixar, Marvel y Star Wars-, junto a más de 700 artistas en escena; todo bajo el inspirador lema "Imagina un mundo mejor". El cierre del espectáculo será protagonizado por los personajes más queridos de Cencosud, Ralf y Jumbito, este último haciendo su primera aparición en el desfile. 

La cita es el domingo 29 de noviembre a las 11:00 horas y transformará 3 kilómetros de la principal avenida de Santiago en el escenario a cielo abierto más fotografiado del país.

Vuelve el desfile navideño más esperado del año. Paris Parade celebrará su 15ª edición el próximo domingo 29 de noviembre, desde las 11:00 horas, con un evento gratuito y abierto a toda la familia que recorrerá tres kilómetros de la Alameda, entre Avenida Salvador y el Palacio de La Moneda. Organizado por Paris, parte de Cencosud, este tradicional desfile que marca el inicio de la temporada navideña y transforma el centro de Santiago en una gran celebración ciudadana contará con Disney como invitado especial, con globos gigantes inspirados en algunas de las historias más emblemáticas de los universos Disney, Pixar, Marvel y Star Wars.

 

Bajo el lema “imagina un mundo mejor” el desfile contará con 36 elementos escénicos, cuatro bandas en vivo y el tradicional trineo del Viejito Pascuero. El despliegue reunirá a más de 700 artistas, quienes recorrerán la Alameda acompañados por 30 capitanes de comparsa. El cierre del espectáculo será protagonizado por los personajes más queridos de Cencosud, Ralf y Jumbito, este último haciendo su primera aparición en el desfile.

 

De la mano de Disney, esta nueva edición marcará el debut de globos inspirados en Winnie the Pooh, personaje que en 2026 conmemora 100 años desde la publicación de sus primeras historias y cuyo espíritu curioso y entrañable ha acompañado a varias generaciones. También debutará un globo inspirado en Mike Wazowski, uno de los protagonistas de Monsters, Inc., cuya determinación, sentido del humor y lealtad lo han convertido en uno de los personajes más reconocibles de Pixar. La propuesta se completa con un nuevo globo inspirado en Stitch y Trapos, personajes asociados al valor de la familia, la amistad y la aceptación de las diferencias. De esta manera, distintas generaciones podrán reencontrarse con personajes que han acompañado a las audiencias a través del cine, la televisión y el entretenimiento. 

Estos nuevos globos compartirán el recorrido con otros inspirados en personajes como Simba, de El Rey León; Olaf, de Frozen; Rayo McQueen, de Cars; Spider-Man de Marvel; Buzz Lightyear, de Toy Story; Sebastián, de La Sirenita; y R2-D2, de Star Wars. Y eso no es todo; aún queda una gran sorpresa por revelar. Muy pronto se dará a conocer un nuevo personaje que se sumará a esta celebración y que promete sorprender a grandes y chicos. 

 

Durante sus 15 años de historia, Paris Parade se ha consolidado como el desfile navideño más grande de Latinoamérica y una de las celebraciones familiares gratuitas más masivas de Chile. El evento ha reunido a más de nueve millones de asistentes desde su creación y se ha transformado en una tradición que marca el inicio de la Navidad para generaciones de familias.

 

"Nos llena de orgullo hacer este regalo a la ciudad. Durante 15 años, este desfile ha contribuido a reunir a las familias, fomentar el encuentro ciudadano y acercar la magia de la Navidad a personas de todas las edades. Cada año, más de un millón de personas viven una experiencia memorable en una celebración masiva, gratuita, segura e inclusiva, que buscamos consolidar como el desfile navideño más grande de Sudamérica", señaló Juan Luis Taverne, Gerente General de Paris.

 

Por su parte, Laura Bonnet, Gerente de Marketing para Disney Consumer Products en Sudamérica y el Caribe, destacó: "Las historias y personajes de Disney han acompañado a distintas generaciones a lo largo de más de 100 años y ocupan un lugar especial en los recuerdos y la vida cotidiana de las familias. Iniciativas como Paris Parade son una gran oportunidad para acercar esa magia a las personas, conectar con quienes crecieron con estas historias y despertar la emoción de quienes hoy comienzan a descubrirlas".

 

Esta será la tercera participación de Disney como invitado especial de Paris Parade, consolidando una propuesta que reúne historias y personajes capaces de conectar con públicos de todas las edades. Bajo el lema "Imagina un mundo mejor", la celebración volverá a transformar la principal avenida de Santiago en un gran escenario al aire libre, reafirmando su posición como el desfile navideño más grande de Latinoamérica.

[Música] La fiebre de los Bee Gees vuelve a Santiago: The Australian Bee Gees Show se presenta en noviembre

 

El show tributo que ha recorrido escenarios internacionales ofrecerá un viaje por las distintas etapas de la carrera de los hermanos Gibb el 21 de noviembre en Centro de Eventos San Carlos de Apoquindo.

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La música y la época dorada de los Bee Gees volverán a cobrar vida en Santiago con la llegada de The Australian Bee Gees Show, reconocido espectáculo tributo que se presentará el próximo sábado 21 de noviembre en el Centro de Eventos San Carlos de Apoquindo. La producción promete una noche dedicada a los grandes clásicos de una de las agrupaciones más exitosas y queridas de la historia de la música. Entradas a través de MercurioTickets.   Con una trayectoria internacional que se extiende por distintos escenarios del mundo, The Australian Bee Gees Show mantiene además una residencia permanente en el Excalibur Resort & Casino, en el Strip de Las Vegas, donde se presenta desde febrero de 2011. Durante su trayectoria en la ciudad estadounidense, el espectáculo ha sido elegido en dos ocasiones como el mejor show tributo de Las Vegas.   El montaje propone un recorrido cronológico por la música de los hermanos Gibb, repasando distintas etapas de su carrera a través de canciones que marcaron generaciones y que siguen vigentes hasta hoy. El repertorio incluye clásicos como “More Than A Woman”, “Night Fever”, “Stayin’ Alive” y “How Do You Mend A Broken Heart”, entre otros grandes éxitos. Más que una recreación musical, The Australian Bee Gees Show busca recuperar la esencia de la agrupación británico-australiana, reproduciendo elementos de su imagen, sonido y personalidad sobre el escenario. Una propuesta que combina música en vivo y puesta en escena para transportar al público a la época en que los Bee Gees se convirtieron en uno de los grandes referentes de la música disco y de la cultura popular.   Tras su paso por distintos países y escenarios internacionales, el espectáculo llegará a Chile para reencontrar al público con canciones que forman parte de la memoria musical de varias generaciones y celebrar el legado de Barry, Robin y Maurice Gibb.   The Australian Bee Gees Show se presentará el 21 de noviembre en El Centro de Eventos San Carlos de Apoquindo. Una oportunidad para revivir en vivo los grandes himnos de los Bee Gees y la atmósfera de una de las épocas más recordadas de la música.   Información del evento: Fecha: sábado 21 de noviembre a las 21:00 hrs. Lugar: Centro de Eventos San Carlos de Apoquindo (Las Flores 13000, sector de San Carlos de Apoquindo, Las Condes). Entradas: A través de MercurioTicket.