[Eventos] Día del Encuentro de Dos Mundos Artistas escénicos de pueblos originarios levantan su primer catastro y encuentro nacional

Quiénes son, dónde están y cómo sostienen su trabajo los artistas escénicos pertenecientes a pueblos originarios en Chile; esas son las preguntas que busca responder un inédito catastro nacional impulsado por Fundación Colectivo Epew y el Centro Chile del Instituto Internacional del Teatro (ITI), en el contexto de una nueva conmemoración de la llegada de Colón a América, promoviendo la reflexión sobre su impacto cultural.

El formulario que estará abierto hasta el 8 de noviembre y sus resultados serán uno de los ejes de TRAWÜN: 1er Encuentro de Artes Escénicas y Comunidades de los Pueblos Originarios en Chile que, entre el 24 y el 31 de octubre, reunirá actividades presenciales y online, talleres, performance y reconocimiento a trayectorias.

A qué pueblos pertenecen, en qué territorios desarrollan su trabajo, qué disciplinas practican, cómo aprendieron sus oficios y cuáles son las principales dificultades para sostener sus trayectorias son algunas de las preguntas que abordará el primer Catastro Nacional de Artistas Escénicos de Pueblos Originarios, iniciativa que busca construir una radiografía de un sector sobre el cual, hasta ahora, no existe un diagnóstico de estas características.

“La importancia de este catastro está, primero, en su carácter inédito. No sabemos cuántos artistas indígenas trabajan contemporáneamente en las artes escénicas ni existe un levantamiento anterior de este tipo. Permitirá tener un estado del arte sobre sus creaciones y la representación de las primeras naciones en distintos territorios”, explica Roberto Cayuqueo, director de Colectivo Epew y miembro del Consejo Ejecutivo del Centro Chile del Instituto Internacional del Teatro (ITI).

El levantamiento será uno de los componentes centrales de TRAWÜN (Reunión) 1° Encuentro de Artes Escénicas y Comunidades de los Pueblos Originarios en Chile, organizado por ambas instituciones entre el 24 y el 31 de octubre, con jornadas en Santiago y El Bosque, además de actividades online. La propuesta busca generar un espacio de encuentro, visibilización y reconocimiento, junto con producir información que permita proyectar futuras acciones.

Un mapa que todavía no existe
Mediante una convocatoria abierta, el catastro busca identificar a artistas, compañías y cultores escénicos de diferentes pueblos y territorios, considerando antecedentes sobre pertenencia, ubicación geográfica, disciplinas y recorridos profesionales. También indagará en las formas de aprendizaje —desde estudios formales hasta transmisión oral, familiar o comunitaria— y en las dificultades de acceso a financiamiento, formación, espacios de creación, circulación y difusión.

“Esta primera fotografía permitirá saber cuántos somos y dónde estamos, pero también reconocer las principales necesidades de los artistas indígenas, no solo económicas, sino relacionadas con visibilidad, espacios de creación e intercambio”, señala Cayuqueo.

La convocatoria considera un espectro amplio de expresiones, desde el teatro y la danza hasta la performance, la narración oral, el epew y otras prácticas escénicas. La información recogida permitirá avanzar hacia una caracterización por pueblo, territorio y disciplina, que se proyecta además como punto de partida para un registro permanente del Centro Chile ITI.

Para Rallen Montenegro, reconocida actriz de origen mapuche y vicepresidenta de Fundación de Colectivo Epew, el valor de la iniciativa radica también en generar vínculos entre creadoras y creadores que no necesariamente comparten los mismos circuitos o territorios. “Este catastro abarca distintas disciplinas, desde la performance hasta la danza y el teatro, pero sobre todo es un espacio de encuentro. Nace desde un colectivo mapuche, pero está pensado transversalmente: la idea es que podamos encontrarnos y conversar”, explica la intérprete.

Uno de los desafíos será precisamente alcanzar a quienes desarrollan su trabajo fuera de Santiago y de los circuitos institucionalizados. Para facilitar esa participación, el encuentro combinará instancias presenciales y remotas. “Para quienes no pueden asistir físicamente, pero están interesados en participar, es muy importante completar el formulario. También tendremos talleres e instancias online, de manera que la distancia no impida ser parte de este proceso”, agrega.

De Wallmapu a una red nacional
La iniciativa recoge la experiencia de Fundación Colectivo Epew, organización nacida en 2015 en Wallmapu y que durante una década ha desarrollado proyectos que vinculan creación artística, educación intercultural, investigación y culturas de pueblos originarios.

Su trabajo se ha desplegado desde escuelas rurales de La Araucanía hasta espacios internacionales. La Escuela de Tayül, realizada junto a la Fundación Elisa Avendaño Curaqueo, vinculó creación sonora, memoria, lengua y transmisión intergeneracional; mientras Epew: El Zorro junto al Cóndor / Ngürü engu Mañke recorrió cinco establecimientos rurales de La Araucanía con funciones y mediación artística.

En paralelo, Roberto Cayuqueo desarrolló actividades académicas sobre teatro site specific, cartografía y teatro mapuche en la Academia de Teatro de Shanghái, mientras FILLKE PEWMA circuló por el Wereldmuseum Leiden de Países Bajos y el Festival BCN Off de Barcelona.

Desde esa experiencia territorial e internacional, el proyecto busca instalar las artes escénicas de pueblos originarios como una línea permanente de trabajo del Centro Chile ITI, integrante de una red latinoamericana que conecta al país con centros de Brasil, Colombia, Cuba, Venezuela y México, entre otros.

Cuatro jornadas de creación, formación y reconocimiento
El encuentro comenzará el 24 de octubre en el Centro Ceremonial Mahuidache con Teatro Mapuche para infancias, continuará al día siguiente 25 de octubre con una ceremonia en la Ruka del Parque O’Higgins durante la mañana, para volver a Mahuidache a una jornada sobre danza mapuche y artes escénicas liderada por Elisa Avendaño Curaqueo, Cristian Waman y Natalia García Huidobro, el 28, Roberto Cayuqueo realizará un taller online de escritura y dramaturgia; y el 30, Rallen Montenegro encabezará un taller de actuación en el Teatro Comunitario Novedades de Santiago. El cierre será el mismo 30 de octubre en la Ruka del Parque O’Higgins, con un reconocimiento público a artistas escénicos de pueblos originarios con trayectoria.

El proceso quedará documentado mediante un informe, registro audiovisual y memoria, como punto de partida para ampliar en futuras versiones la participación regional y generar nuevas acciones a partir de la información obtenida. Así, el catastro funciona como una convocatoria a hacerse visible y, al mismo tiempo, a encontrarse: una primera fotografía colectiva para reconocer quiénes desarrollan hoy las artes escénicas de los pueblos originarios en Chile, dónde están y qué condiciones requieren para sostener y proyectar su trabajo.

www.colectivoepew.cl

COORDENADAS ENCUENTRO DE ARTES ESCÉNICAS Y COMUNIDADES DE LOS PUEBLOS ORIGINARIOS EN CHILE
24, 25, 28, 30 y 31 de octubre de 2026
Parque Quinta Normal | Teatro Comunitario Novedades | Centro Ceremonial Mapuche de El Bosque | actividades online. 

CATASTRO NACIONAL DE ARTISTAS ESCÉNICOS DE PUEBLOS ORIGINARIOS
Convocatoria de alcance nacional.
Formulario de inscripción al catastro
Organizan: Fundación Colectivo Epew / Centro Chile ITI.

VIDEO REFERENCIA
https://youtu.be/yKw4CIrwiTw?si=AxKSBJMG4BqKPFf9

[Eventos] Cuando el cuerpo vuelve al centro: STGO SOMA despliega su primera edición en Santiago

Prácticas somáticas, creación escénica y nuevas formas de comprender el movimiento se encuentran en STGO SOMA, iniciativa que durante octubre y noviembre reúne talleres, workshops, masterclass, obras, ponencias y conversatorios en distintos espacios de la Región Metropolitana.

STGO SOMA – Encuentro de Prácticas Somáticas para Creadores Escénicos ya se encuentra desarrollando su primera edición, abriendo un espacio de encuentro entre artistas, docentes, investigadores, creadores y públicos interesados en explorar el cuerpo no solo como herramienta de expresión, sino también como territorio de conocimiento, memoria y experiencia.

A través de una programación que cruza creación, formación, investigación y exhibición, el encuentro propone acercarse a las prácticas somáticas y a su relación con las artes escénicas desde diferentes perspectivas. Cuerpo, mente, movimiento, memoria, territorio e identidad aparecen como algunos de los conceptos que atraviesan una propuesta que incorpora metodologías como Body-Mind Movement, Body-Mind Centering y Método Feldenkrais.

Durante octubre y noviembre de 2026, STGO SOMA contempla 5 workshops, 6 masterclass, 5 talleres, 3 ponencias, 3 conversatorios y cuatro obras escénicas, de las cuales dos están dirigidas a público infantil y familiar y dos a público general. A ello se suman el lanzamiento de un catálogo y un catastro de artistas vinculados a las prácticas somáticas.

El cuerpo como punto de partida

¿Qué cambia cuando dejamos de observar el cuerpo únicamente desde afuera y comenzamos a atender aquello que ocurre desde su propia experiencia?

Desde esa pregunta, STGO SOMA aborda la somática como un campo centrado en la percepción interna y la experiencia vivida, poniendo atención en cómo cada persona siente, percibe y construye el movimiento. Esta perspectiva permite establecer cruces entre las prácticas corporales, la creación contemporánea, la pedagogía y la investigación artística.

Bajo la idea de “Un Manifiesto del Cuerpo en el Territorio”, el encuentro sitúa al cuerpo como espacio de memoria, conocimiento y experiencia. Danza, teatro, investigación transdisciplinar y prácticas somáticas convergen para proponer otras formas de relacionarnos con nosotros mismos, con los demás y con los territorios que habitamos.

Esta primera edición reúne, entre otros participantes, a Verónica Pérez, Bárbara Gillmore, Natalia Sabat, Geo del Campo, Camila Canobbio, Marcela Olate, Mark Taylor, Rodrigo Chaverini, Heny Roig Monge, Poly Rodríguez, Paula Sacur, Ana Carvajal, Camila Soto, Teresa Salas y Loreto Caviedes, articulando diferentes aproximaciones a la corporalidad, la pedagogía, la investigación y la escena.

Entre las experiencias que forman parte del encuentro está “Estratos Coreográficos: Una Metodología somática - arqueológica para prácticas coreográficas que rastrean memorias y paisajes”, de Geo del Campo. La programación incorpora además herramientas provenientes del Método Feldenkrais, Técnica Alexander, Laban/Bartenieff y Body-Mind Movement.

Tres territorios para un mismo encuentro

La programación de STGO SOMA se articula a partir de tres grandes ejes, permitiendo que las prácticas somáticas dialoguen con diferentes comunidades y espacios.

El primero corresponde a la Programación Territorial y Mediación con la Comunidad Artística y Docente, vinculada a la Escuela Superior de Artes de Maipú y el Teatro Municipal de Maipú. Allí se desarrollan talleres dirigidos a infancias y adolescencias, familias, facilitadores y trabajadores, además de personas mayores y presentaciones escénicas destinadas al público familiar e infantil.

Un segundo eje corresponde a la Programación Universitaria y Académica, desarrollada junto a la Facultad de Artes de la Universidad Academia de Humanismo Cristiano. Talleres, clases magistrales, workshops, ponencias y conversatorios permiten profundizar en la creación, el entrenamiento y la investigación escénica desde perspectivas somáticas.

El tercer ámbito es la Programación Escénica Somática, que contempla actividades en Espacio Vitrina, CityLab y Espacio Aiquia, integrando obras para público general, masterclass, workshops y conversatorios, además del lanzamiento del catálogo de artistas y del catastro de creadores escénicos vinculados a estas prácticas.

Más que una programación: un espacio para encontrarse desde el cuerpo

STGO SOMA no busca limitarse a la exhibición de obras o a la realización de actividades formativas. Uno de sus propósitos centrales es generar un espacio de intercambio entre la comunidad artística, el ámbito académico y los públicos.

Sus distintas instancias invitan a reflexionar sobre las prácticas somáticas como herramientas para la creación y la investigación escénica, pero también sobre el entrenamiento y las maneras contemporáneas de comprender y experimentar el cuerpo.

Así, durante octubre y noviembre, STGO SOMA despliega su primera edición en distintos puntos de la Región Metropolitana, conectando formación, escena, investigación y territorio a partir de una interrogante que atraviesa toda su propuesta:

¿Qué ocurre cuando volvemos a situar al cuerpo en el centro de la experiencia artística?

Toda la Programación puede ser revisada en bio de @stgosoma

STGO SOMA – Encuentro de Prácticas Somáticas para Creadores Escénicos

Octubre y noviembre de 2026 | Región Metropolitana

Talleres · Workshops · Masterclass · Obras · Ponencias · Conversatorios · Investigación · Mediación

RR.SS.: @stgosoma

Comunicaciones: ProEscénica

[Eventos] ENAI 2026 presenta en Matucana 100 “La sonata de Odiseo”, documental peruano sobre teatro, accesibilidad y comunidad sorda

En el marco de las actividades que ENAI: Festival y Encuentro de Artes Escénicas para la Comunidad Sorda impulsa durante 2026, el próximo martes 13 de octubre, a las 19:00 horas, se realizará en la Sala de Cine de Matucana 100 la exhibición del documental “La sonata de Odiseo”, que registra el proceso de creación de una experiencia teatral accesible desarrollada por el Gran Teatro Nacional del Perú junto a personas sordas.

La actividad se integra a las iniciativas que ENAI desarrolla durante 2026 para fortalecer espacios de creación, participación, profesionalización e intercambio en torno a las artes escénicas y la comunidad Sorda. En esta oportunidad, el encuentro pondrá el foco en una experiencia desarrollada en Perú para abrir una conversación entre ambos países sobre accesibilidad, participación de la comunidad Sorda y creación escénica.

Luego de la exhibición se realizará un conversatorio con Melissa Giorgio, coordinadora del Área de Públicos del Gran Teatro Nacional; Mateo Chiarella, dramaturgo; y Jorge Herrán, actor sordo, quienes fueron parte del proyecto y compartirán los desafíos, decisiones y aprendizajes que atravesaron su proceso de creación.

Una experiencia internacional para abrir el diálogo

La incorporación de “La sonata de Odiseo” a las actividades de ENAI 2026 permitirá conocer de primera fuente una experiencia internacional en la que la accesibilidad y la participación de personas sordas se vincularon directamente con el proceso creativo.

Más que presentar un resultado terminado, el documental permitirá acercarse al recorrido que hizo posible la experiencia: las preguntas que surgieron durante su desarrollo, las decisiones artísticas adoptadas y los desafíos que implicó construir un proyecto escénico accesible junto a personas sordas.

El posterior conversatorio trasladará esas reflexiones desde la pantalla hacia un diálogo presencial con la comunidad en Chile, generando una instancia de intercambio entre artistas, profesionales de las artes escénicas, gestores culturales, instituciones, públicos y comunidad Sorda.

La actividad se vincula con uno de los ejes que ENAI ha buscado fortalecer: comprender la accesibilidad no únicamente como una herramienta para acceder a contenidos culturales, sino también como una dimensión que puede integrarse a los procesos de creación, participación y encuentro.

Un puente entre Perú y Chile

La presencia de parte del equipo que desarrolló “La sonata de Odiseo” permitirá establecer un diálogo entre la experiencia realizada en el Gran Teatro Nacional del Perú y los procesos que actualmente se desarrollan en Chile en torno a accesibilidad cultural y artes escénicas.

La conversación permitirá abordar interrogantes relevantes para el sector: ¿cómo incorporar efectivamente a la comunidad Sorda en los procesos artísticos?, ¿qué aprendizajes surgen cuando la accesibilidad se considera desde la creación?, ¿qué desafíos enfrentan artistas e instituciones? y ¿cómo avanzar hacia prácticas culturales que reconozcan distintas formas de experimentar, crear y relacionarse con las artes?

Esta dimensión de intercambio dialoga directamente con el trabajo que ENAI impulsa durante 2026, conectando experiencias locales e internacionales y poniendo en valor el cuerpo, el gesto y las lenguas de señas como territorios de creación artística.

Una actividad accesible en LSCh y LSP

En concordancia con este propósito, la actividad contará con interpretación en Lengua de Señas Chilena (LSCh) y Lengua de Señas Peruana (LSP), favoreciendo el encuentro y la comunicación entre participantes de ambos países.

La exhibición y conversatorio se realizarán el martes 13 de octubre, a las 19:00 horas, en la Sala de Cine M100 de Matucana 100. La participación requiere inscripción previa.

Inscripción aquí: https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSekJE4t6mjaRfO3ZdiIk2tCR5p9z4MUn4jka2MEiO5huiojZA/viewform

COORDENADAS

Actividad: Exhibición de “La sonata de Odiseo” + conversatorio

En el marco de: actividades ENAI 2026

Fecha: martes 13 de octubre de 2026

Hora: 19:00 horas

Lugar: Sala de Cine M100, Matucana 100

Participan: Melissa Giorgio, Mateo Chiarella y Jorge Herrán

Accesibilidad: interpretación en LSCh y LSP

Inscripción: previa y gratuita mediante formulario

Formulario de inscripción: https://forms.gle/TxKJYs19nu4pdHzN8

[Teatro] CoArtRe abre Aula Virtual para formar en práctica teatral en contextos de encierro

“Introducción a la Práctica Teatral en Contextos de Encierro” es un curso asincrónico online que entregará herramientas para iniciar y desarrollar talleres de teatro al interior de recintos penales.   CoArtRe es parte del plan de gestión financiado por el Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio.

El teatro como herramienta de creación, reflexión y transformación social es el eje del nuevo Aula Virtual CoArtRe, iniciativa que busca compartir la metodología de teatro testimonial desarrollada por Jacqueline Roumeau a lo largo de más de dos décadas de trabajo, acercándola a nuevas generaciones de artistas y profesionales interesados en explorar el potencial de las artes escénicas en contextos de encierro.   En este marco se desarrollará el curso “Introducción a la Práctica Teatral en Contextos de Encierro”, una instancia de formación en modalidad asincrónica online, que abordará los aspectos fundamentales para iniciar y desarrollar un taller de teatro al interior de un recinto penal.   La propuesta busca entregar herramientas y conocimientos que permitan a sus participantes aproximarse al trabajo teatral con personas privadas de libertad, incorporando una perspectiva social y humana a los procesos de creación. La iniciativa nace de la experiencia desarrollada por Jacqueline Roumeau y CoArtRe en torno a prácticas teatrales vinculadas con personas y comunidades que han vivido situaciones de exclusión y vulnerabilidad.   El curso está especialmente dirigido a actores y cultores de las artes escénicas, profesionales del área social, psicólogos y psicólogas, artistas y agentes culturalesinteresados en conocer o profundizar en el trabajo escénico en contextos de encierro.   De esta manera, el Aula Virtual busca poner a disposición de nuevas generaciones una metodología construida desde la experiencia directa, permitiendo que estas herramientas puedan ser conocidas, cuestionadas y eventualmente aplicadas en nuevos contextos y comunidades.   “Esta metodología nace de la experiencia y de un trabajo sostenido durante años. Abrirla a estudiantes y nuevos creadores es también una manera de que estas herramientas sigan circulando, se cuestionen y puedan encontrar nuevas formas de aplicación”, señala Jacqueline Roumeau.   El curso tiene un valor de $30.000 e incluye el libro de Jacqueline Roumeau, material que permitirá a las y los participantes profundizar en los contenidos abordados y continuar la exploración de la metodología más allá del espacio de formación.   La iniciativa forma parte del plan de gestión de CoArtRe financiado por el Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras (PAOCC) del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, fortaleciendo el trabajo de la organización en materia de formación y desarrollo de nuevas herramientas para las artes escénicas.   Las personas interesadas en participar pueden solicitar información e inscribirse escribiendo a tallercoartre@gmail.com.

[Teatro] Polémico prócer regresa a Teatro Finis Terrae: José Miguel Carrera se baja del pedestal y vuelve con versión juglaresca

Premiada por el Círculo de Críticos de Arte de Chile como Mejor Dirección 2025 para Francisco Sánchez, Sebastián Vila y Javier Bolívar, la puesta de Tryo Teatro Banda coproducción Teatro Finis Terrae, retorna a la sala universitaria entre el 27 de agosto y el 13 de septiembre, tras una primera temporada ampliamente celebrada por el público y la prensa especializada. Humor, música en vivo y un vertiginoso juego actoral permiten revisar la vida de José Miguel Carrera desde una perspectiva humana, contradictoria y alejada de la imagen solemne del prócer.

Hay algo particularmente teatral en intentar contar la vida de José Miguel Carrera: un personaje que parece pedir a gritos ser despojado de la estatua. El héroe, el militar, el revolucionario, el prócer polémico de la independencia chilena aparece en Carrera lejos de la solemnidad de los retratos oficiales, atravesado por sus contradicciones, sus pasiones, sus errores y también por su dimensión familiar. Ese es uno de los principales aciertos de Tryo Teatro Banda en esta puesta, coproducción Teatro Finis Terrae que vuelve entre el 27 de agosto y el 13 de septiembre a la sala universitaria, luego de una primera temporada llena de elogios del público y la prensa especializada, que adquiere especial relevancia después de que Francisco Sánchez y Sebastián Vila fueran distinguidos con el Premio del Círculo de Críticos de Arte de Chile 2025 a Mejor Dirección.

Lejos de presentar una figura monumental, Carrera construye un protagonista humano y contradictorio. En escena, Sebastián Vila interpreta a José Miguel Carrera, mientras Francisco Sánchez se multiplica en distintos personajes históricos, entre ellos Bernardo O’Higgins, José de San Martín, James Madison y Mercedes Fontecilla. El procedimiento da origen a uno de los principales motores de la puesta: un vertiginoso juego de transformaciones, voces, cuerpos y situaciones que permite recorrer la vida del prócer desde su autoproclamación como Director Supremo a los 26 años hasta su fusilamiento en Mendoza. 

La propuesta nace de una pregunta que sus creadores se formularon a partir del trabajo anterior de la compañía sobre Bernardo O’Higgins. Francisco Sánchez lo explicaba así durante el estreno: “pese a que el personaje de Carrera es muy importante para la historia de Chile, es muy desconocido para los chilenos, que ignoramos qué hizo, qué vivió, cómo lo hizo. El destino lo dejó fuera de la historia y nos parece que su biografía es impresionante”.

La investigación comenzó en 2020 y se extendió durante varios años, revisando textos históricos y biográficos. En ese proceso, Sánchez y Vila se encontraron también con las tensiones y sesgos que atraviesan la historiografía chilena. Como señalaba Sánchez: “La historiografía de Chile está atravesada por conveniencias políticas, en este caso de terratenientes”. Pero la obra tampoco pretende construir un héroe intachable. “Carrera es un tipo que, para nosotros, ama la guerra, le gusta el miedo, la incertidumbre, la sangre, pero también es un buen papá, por ejemplo; y un buen marido”, agrega.

Uno de los grandes atractivos destacados de la puesta está en la capacidad de sus intérpretes para multiplicarse frente al público. Vila asume al prócer y Sánchez interpreta a los distintos personajes que orbitan alrededor de él, generando un juego teatral dinámico que potencia el humor y mantiene la narración en permanente movimiento. Sebastián Vila explicaba durante el proceso de creación: “Asumo a este personaje histórico tratando de evitar lo más posible los convencionalismos y los clichés, y tratando de ser respetuoso con el personaje”. Y agregaba: “Su estilo es muy clownesco, muy juguetón, juglaresco. Desde esa mirada, el personaje está construido desde el juego. Es muy energético, no es el Carrera solemne”.

La música constituye otro de los elementos esenciales de la puesta. En esta nueva temporada, la cellista Anais Prieto aporta en vivo una dimensión sonora que dialoga con la actuación y contribuye a crear la atmósfera de época. Este cruce de disciplinas, parte de la identidad de Tryo Teatro Banda, no opera simplemente como acompañamiento: forma parte del lenguaje narrativo y del juego teatral. Actuación, sonido y humor se articulan para producir una experiencia vibrante y accesible, especialmente apropiada para públicos jóvenes y estudiantes.

Otro de sus grandes aciertos es el humor.  No se trata solamente de hacer más entretenido un relato histórico, sino de utilizar la comicidad como una herramienta para desarmar la solemnidad y permitir una mirada crítica sobre el pasado. En ese sentido, Carrera no busca entregar una lección cerrada sobre la independencia. Su apuesta es transformar la historia en una experiencia escénica que permita descubrir, cuestionar y volver a conversar sobre personajes que parecían instalados definitivamente en el imaginario nacional.

COORDENADAS

27 agosto al 13 septiembre 

jueves y viernes 20.30 h; sábados y domingos, 19 h

Duración: 75 min/ + 12 años

$15.000 Gral. $7.500 Estudiantes y Súper Jueves; $9.000 personas mayores; $ 11.500 Domingo Dúo

Teatro Finis Terrae (Av. Pocuro 1935, Providencia).

https://ticketplus.cl/events/carrera-2026

RESEÑA

Protagonizado por Sebastián Vila y Francisco Sánchez, quienes han trabajado juntos en obras de Tryo Teatro Banda. En esta ocasión interpretarán a múltiples personajes, como José Miguel Carrera, Bernardo O’Higgins, José de San Martín, James Madison y Mercedes Fontecilla. Esto permite un juego teatral dinámico, potenciando el humor en escena. Por su parte, la chelista Anais Prieto aporta una dimensión sonora que enriquece la narración y transporta a la época. La combinación de actuación, música y humor convierte a CARRERA en un espectáculo vibrante y accesible, pensado especialmente para toda la familia.

[Teatro] Reestrenan clásico que ambienta la biblia en el campo chileno: El evangelio según San Jaime (según La Dramática)

Adaptando la célebre obra de Jaime Silva, con dirección artística de Nelda Muray, Carola Rebolledo y Carolina Araya, y financiamiento de Fondo Artes Escénicas 2026 del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio; La Dramática Nacional presenta, entre el 6 y 16 de agosto en Teatro Sidarte, su versión multidisciplinar de la ficción que ambienta la Biblia en el campo chileno, entre décimas y cueca chora. 

© Sumiko Muray Prado

Mezclando música en vivo, cantos, danza, teatro, proyecciones audiovisuales y un amplio dispositivo escénico donde 22 intérpretes – encabezados Braulio Martínez y el reconocido actor Hernán Vallejo, que con este montaje se integra a la compañía– dan vida a 68 personajes; la puesta combina tradición y contemporaneidad en un gran espectáculo que invita a reflexionar con humor sobre el poder, el país y la fe. 

Uno de los textos más singulares del teatro chileno vuelve a los escenarios con una puesta en escena de gran formato. La Dramática Nacional estrena El evangelio según San Jaime (según La Dramática), el próximo jueves 6 de agosto en Teatro Sidarte. La nueva versión del clásico de Jaime Silva, cuenta con adaptación de Nelda Muray, codirección suya junto a Carolina Araya y Carola Rebolledo, además del financiamiento de Fondo de Artes Escénicas 2026 del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. "Más que una reposición, la propuesta constituye una relectura contemporánea de un autor fundamental cuya dramaturgia rara vez vuelve a escena debido a la complejidad de su montaje", explica Nelda Muray. 

© Sumiko Muray Prado

Fiel al sello multidisciplinario que la compañía ha desarrollado durante más de una década, la producción reúne 22 actores en escena –Hernán Vallejo, Braulio Martínez, Roberto Vallejos Cox, Carola Rebolledo González, Leonardo De Luca, Nelda Muray Prado, Carolina Araya Lucero, César Ramírez, Alejandra Pérez, Francisco Cuevas, Nicolás Camus, Karen Wilson, Camilo Leiva, Laura Hernández, Bruno Chelsi, Alexandra Cavieres, Javier Carrasco, Pablo Garcés, Cristián Hidalgo, Pedro Orellana y Pablo San Martín –para interpretar 68 personajes, integrando música en vivo, coros, proyecciones audiovisuales, danza, composición folclórica y un amplio dispositivo escénico. 

"Es una ficción en la cual la Biblia –desde el Génesis hasta la Resurrección de Cristo–, ocurren en el campo chileno. Las figuras religiosas se transportan a los antiguos fundos en Chile. Dios es el patrón, los ángeles son campesinos y aparecen personajes propios de nuestra mitología, como la Muerte y el Diablo: la Pelá y el Cachulo… una sátira que, entre humor, décimas y música popular, cuestiona las relaciones de poder, la religión y el legado colonial desde una perspectiva profundamente chilena”, agrega Carolina Rebolledo. 

Carolina Araya, en tanto, añade que el proyecto representa también una exploración de un territorio poco habitual para la agrupación. "Es una obra muy diferente a lo que hemos hecho tradicionalmente. Juega más con la fantasía y esperamos que sea muy entretenida. Es una comedia y una sátira que, a pesar de haberse escrito hace muchos años, sigue teniendo mucha vigencia y continúa siendo un espacio para interpelarnos como país", señala. 

© Sumiko Muray Prado

Aunque el tono difiere de las grandes tragedias históricas que caracterizan su repertorio, el montaje mantiene intacta la identidad estética que ha consolidado la compañía. "La mayor diferencia es el género. Estamos en una comedia satírica, pero sostenemos nuestra multidisciplinariedad de lenguajes: hay música en vivo, canciones corales, cine y 22 actores en escena. Eso mantiene el sello de la compañía", confirma Muray. 

Con casi 40 artistas y creadores detrás de su realización, La Dramática Nacional continúa su trabajo de recuperación y reinterpretación del patrimonio dramatúrgico chileno. Tras montajes como Chañarcillo, La canción rota, Chiloé, cielos cubiertos y la reciente Fuerte Bulnes, la compañía vuelve a poner en valor un clásico nacional mediante un lenguaje escénico contemporáneo, visual y musical, pensado para acercarlas a las nuevas generaciones de espectadores. 

A través de la ficción, la obra dialoga con temas que siguen presentes en la sociedad chilena. reflexiona sobre la construcción de los relatos religiosos, la figura del poder y la identidad nacional, sin renunciar al humor. "Se trata de un clásico que puede representarse en cualquier momento porque habla de la Biblia, de la religión y de Chile. Al ser una comedia satírica invita a reflexionar sobre los tiempos que vivimos y, al mismo tiempo, nos recuerda que también hace falta reírnos un rato", concluyen. 

COORDENADAS El evangelio según San Jaime (según La Dramática)
6 al 15 de agosto
jueves a sábado, 19.30 h,
Duración: 1 h 45 min
Edad recomendada: + 12 años
*miércoles popular: 12 agosto, 19.30 h, $4.000 Gral.
Sistema Paga lo que puedas:  $4.000, $6.000 y $8.000 Gral.
Teatro Sidarte (Ernesto Pinto Lagarrigue 131, Barrio Bellavista, Recoleta).
Entradas por Ticketplus