[Cine] Hechizo de amor 2: La esperada secuela reúne nuevamente a Sandra Bullock y Nicole Kidman

Después de conquistar a toda una generación con su mezcla de romance, humor, misterio y brujería, Practical Magic regresa con una esperada secuela. Sandra Bullock y Nicole Kidman vuelven a interpretar a Sally y Gillian Owens en PRACTICAL MAGIC 2, reencontrándose con el universo mágico que convirtió a las hermanas en personajes inolvidables.

La nueva película vuelve a sumergirse en un mundo de travesuras bajo la luz de la luna, rituales familiares y poderosas tradiciones transmitidas entre generaciones. Esta vez, las hermanas Owens deberán unir sus fuerzas para enfrentarse a una oscura maldición que amenaza con destruir definitivamente a su familia.

Con una historia que combina nostalgia, diversión, magia y caos, PRACTICAL MAGIC 2 amplía el legado de los Owens e incorpora a una nueva generación de personajes. Junto a Bullock y Kidman, el elenco está integrado por Joey King (El stand de los Besos), Lee Pace (El Hobbit), Maisie Williams (Game of Thrones), Xolo Maridueña (Cobra Kai), Solly McLeod (Tom Jones), además del regreso de Dianne Wiest (El joven manos de tijera) y Stockard Channing (Grease).

La película es dirigida por Susanne Bier, reconocida por producciones como Bird Box y The Undoing. El guión fue escrito por Akiva Goldsman, Georgia Pritchett y Kelly Marcel, y está basado en The Book of Magic, novela de Alice Hoffman que continúa la historia de la familia Owens.

PRACTICAL MAGIC 2 es producida por Denise Di Novi, Sandra Bullock y Nicole Kidman, mientras que Donald Sabourin, Andrew A. Kosove y Broderick Johnson se desempeñan como productores ejecutivos.

La magia de las hermanas Owens volverá a las salas chilenas a partir del 10 de septiembre de 2026. Para más información visita https://www.instagram.com/wbpictureschile/ 

[Cine] ¡Preventa disponible! Duna: Parte Tres se prepara para regresar a Arrakis

La espera por el regreso a Arrakis comienza a llegar a su fin. Desde hoy ya se encuentran disponibles las entradas para el preestreno de Duna: Parte Tres, que abrirá funciones desde el 15 de diciembre en IMAX y distintos formatos en cines del país, antes de su estreno oficial en Chile el próximo 17 de diciembre.

La nueva película de Denis Villeneuve marcará la esperada conclusión de la trilogía cinematográfica iniciada con Duna y continuada con Duna: Parte Dos, llevando nuevamente a la gran pantalla el universo creado por Frank Herbert.

Ambientada casi dos décadas después de que Paul Atreides tomara el control del Imperio, la historia lo encuentra ahora convertido en emperador y enfrentando las consecuencias de su reinado. Mientras antiguos aliados regresan y nuevas amenazas emergen, Paul se verá envuelto en una conspiración que lo obligará a enfrentar el verdadero costo del poder y el destino de quienes más ama.

Timothée Chalamet y Zendaya regresan encabezando el reparto como Paul Atreides y Chani, acompañados por Jason Momoa, Florence Pugh, Rebecca Ferguson, Isaach de Bankolé, Charlotte Rampling, Anya Taylor-Joy, Robert Pattinson y Javier Bardem.

Detrás de cámara vuelve Denis Villeneuve, quien dirige a partir de un guión escrito junto a Brian K. Vaughan, basado en las novelas de Frank Herbert. El equipo creativo vuelve a reunir además a reconocidos nombres como el diseñador de producción Patrice Vermette, el editor Joe Walker, la diseñadora de vestuario Jacqueline West, el supervisor de efectos visuales Paul Lambert y el compositor Hans Zimmer. 

Con una historia atravesada por el poder, las lealtades, la traición y las consecuencias de las decisiones de Paul Atreides, Duna: Parte Tres se prepara para llevar nuevamente a los espectadores a la inmensidad de Arrakis y cerrar el viaje cinematográfico de Denis Villeneuve.

Las entradas para las funciones de preestreno de “Duna: Parte Tres” desde el 15 de diciembre ya se encuentran disponibles. La película tendrá su estreno oficial en Chile el 17 de diciembre. Más información en https://www.instagram.com/wbpictureschile 

[Cine] “Código: Venganza”: Vuelve Jason Statham y el arte de convertir el cine de acción en un estilo propio

Hay actores que interpretan personajes de acción y otros que terminan convirtiéndose en una suerte de género en sí mismos. Jason Statham pertenece claramente a la segunda categoría. Y este jueves regresa a salas chilenas en “Código: Venganza”, película en la que interpreta a Cole Reed, un operador altamente capacitado que queda atrapado en una conspiración después del asesinato de su jefe. Perseguido y convertido en sospechoso, deberá utilizar sus habilidades para sobrevivir mientras intenta descubrir quién está detrás de la operación.

La película, dirigida por Jean-François Richet, refuerza además uno de los rasgos que Statham valora especialmente en el género: la acción física. El actor destaca que el realizador busca filmar “lo más posible en cámara, a través de la realidad” y depender menos del CGI.

La eficacia por sobre la espectacularidad gratuita

Desde sus primeros papeles en películas como “Lock, Stock and Two Smoking Barrels” y “Snatch”, ambas dirigidas por Guy Ritchie, hasta títulos como “El transportador”, “Crank”, “Los indestructibles”, “Rápidos y Furiosos” y “Meg”, el actor británico ha construido una presencia cinematográfica basada en el físico, la velocidad y un particular sentido del humor.

Statham suele interpretar hombres que hablan poco y actúan rápido. Pueden ser exmilitares, especialistas, criminales retirados o profesionales acostumbrados a desenvolverse en situaciones extremas. Lo que los une es una combinación de experiencia, disciplina y una regla personal que rara vez están dispuestos a quebrar.

Ese “héroe Statham” tiene algunas características reconocibles. La primera es un pasado misterioso: muchas veces sabemos poco de dónde viene, pero queda claro que posee habilidades que no aprendió precisamente en una oficina. La segunda es un estricto código de honor. Aunque pueda moverse en terrenos moralmente ambiguos, suele existir una línea que el personaje no está dispuesto a cruzar, especialmente cuando hay inocentes en peligro.

También está su relación con los vehículos. Desde “El transportador” hasta sus apariciones en la saga “Rápidos y Furiosos”, los automóviles, camiones, motocicletas y cualquier medio de transporte disponible pueden convertirse en herramientas de escape o incluso en armas. El movimiento es parte fundamental de su cine.

A eso se suma su particular estilo de combate. Las peleas de Statham privilegian la eficacia por sobre la espectacularidad gratuita: movimientos rápidos, golpes directos y utilización del espacio y de los objetos que rodean al personaje. El kickboxing, el judo y el jiu-jitsu forman parte de la tradición física asociada a sus personajes.

Pero quizá una de sus características más reconocibles sea su manera de hablar. Statham ha desarrollado un tipo de humor seco que suele aparecer justo antes o después de una situación violenta. Son frases cortantes, respuestas lacónicas y una actitud de absoluta confianza incluso cuando todo parece estar a punto de salir mal.

De esta manera, “Código: Venganza” se suma a una filmografía en la que Statham ha convertido ciertos elementos —el cuerpo, la velocidad, la precisión, el peligro y el humor— en una marca reconocible. Más que cambiar radicalmente de personaje en cada película, el actor ha perfeccionado una figura que el público identifica inmediatamente y que continúa funcionando como uno de los rostros más característicos del cine de acción contemporáneo.

[Cine] Ya está disponible la preventa para el regreso a cines de Terminator 2: El juicio final

Treinta y cinco años después de cambiar para siempre la historia del cine de acción y ciencia ficción, TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL (Terminator 2: Judgement Day) vuelve a las salas de cine para que el público redescubra una de las películas más influyentes de todos los tiempos. La obra maestra de James Cameron finalmente regresa a la pantalla grande este 3 de septiembre, remasterizada en un espectacular 4K y, por primera vez para muchos espectadores, en formato 3D, además de formatos premium como 4DX y D-BOX, ofreciendo una experiencia cinematográfica a la altura de su legado. La preventa ya se encuentra disponible en todas las multisalas del país.

Estrenada originalmente en 1991, TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL redefinió el concepto de blockbuster gracias a una combinación sin precedentes de innovación tecnológica, narrativa y espectáculo. Ganadora de cuatro Premios de la Academia® (Sonido, Efectos de Sonido, Efectos Visuales y Maquillaje), la película revolucionó la industria con su desarrollo audiovisual de vanguardia, estableciendo un nuevo estándar para el cine de acción y presentando a uno de los villanos más memorables de la historia: el implacable y camaleónico androide T-1000. Más de tres décadas después, continúa siendo una referencia obligada para cineastas y espectadores de todo el mundo.

Este reestreno no solo celebra un aniversario, sino también la posibilidad de experimentar la película como fue concebida por James Cameron: en una sala de cine. La remasterización en 4K de TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL realza cada detalle de su fotografía y sonido, mientras que los formatos premium potencian secuencias inolvidables como la persecución en motocicleta, la huida por el canal de Los Ángeles o el enfrentamiento final en la fábrica de fundición, permitiendo vivir su intensidad con un nivel de inmersión nunca antes visto.

Protagonizada por Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton, Edward Furlong y Robert Patrick, la película trascendió su condición de éxito comercial - número 1 en la taquilla mundial en 1991 - para convertirse en un fenómeno cultural. Sus personajes, su inolvidable banda sonora, frases como "Hasta la vista, baby" y su reflexión sobre el destino, la inteligencia artificial y el futuro de la humanidad siguen siendo sorprendentemente vigentes, consolidando a TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL como uno de los mayores hitos de la cultura popular y del cine moderno.

El próximo 3 de septiembre una nueva generación tendrá la oportunidad de descubrir por qué TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL ocupa un lugar privilegiado entre las mejores películas de todos los tiempos, mientras que quienes la vivieron en su estreno podrán revisitarla viajando desde el pasado para proteger y perpetuar su legado para siempre.

[Cine] Arte Seventh lleva el cine independiente chileno a una carrera contra el reloj: 48 horas para crear “Hora Violeta”

La productora audiovisual independiente chilena acaba de completar su participación en el 48 Hour Film Project Santiago con “Hora Violeta”, un cortometraje dirigido por Cristal Eyes que fue escrito, rodado y montado en un solo fin de semana.

Una noche completa de rodaje, otra jornada de edición y menos de 48 horas para convertir una idea en un cortometraje. Ese fue el desafío que asumió Arte Seventh al participar en el 48 Hour Film Project Santiago, competencia internacional que reúne a equipos audiovisuales para crear una obra desde cero bajo estrictas condiciones de tiempo.

La experiencia comenzó el viernes por la noche, cuando durante el Kickoff el equipo conoció el género que debía desarrollar y los elementos obligatorios que tendría que incorporar en su historia. A las 21:00 horas comenzó el rodaje, que se extendió durante toda la noche hasta aproximadamente el mediodía del sábado. Sin pausa, el equipo pasó a edición, montaje, sonido y música, trabajando durante el resto del sábado y la madrugada del domingo para entregar Hora Violeta antes de las 19:30 horas del domingo.

Para Yamir Ibarra Ramos, productor de Arte Seventh, participar en el 48HFP es también una oportunidad para que nuevos realizadores puedan mostrar su trabajo. Ibarra ya había participado en las ediciones de 2016 y 2017, experiencia que incluso marcó su camino profesional: “Gracias a ese evento yo pude estudiar y hacer mi carrera”.

Esta vez, su regreso estuvo motivado también por el trabajo de Cristal Eyes, quien asumió la dirección, guión y montaje del cortometraje “Arte Seventh tiene a grandes profesionales que aún siguen buscando su oportunidad en esto, y es una buena ventana para mostrarse”, expresa Ibarra.

Para Cristal Eyes, la experiencia fue inédita: “Fue una total locura. Sí había tenido el sueño de tener un rodaje de noche con mis amigos y eso lo pude lograr. Entonces cuenta como un sueño realizado”. Sobre el desafío creativo, agrega: “Me encantan los retos creativos. Y esto fue un reto total, partir desde cero y llevar un cortometraje a cabo en 48 horas”.

El resultado es Hora Violeta, una road movie que el equipo mantiene bajo reserva. Su directora solo adelanta una pista: “Es una road movie que también te lleva a un viaje fuera de este planeta”.

El cortometraje cuenta con Jay Alessandra, Octavio Planas y Nicholas Estay en el elenco, junto a Priscila Huerta en dirección de fotografía, Javiera Rocuant en dirección de arte, María Pizarro como asistente de arte, Adonys Quintero en sonido y música original, Vanessa Johnson en apoyo logístico y prensa, y Yamir Ibarra Ramos en producción.

Con Hora Violeta, Arte Seventh suma una nueva experiencia a su trayectoria como productora independiente y pone en pantalla el trabajo de un equipo que decidió aceptar el desafío más importante del 48HFP: hacer cine contra el reloj.

[Cine] “Harry Potter y la piedra filosofal” vuelve a la pantalla grande para celebrar sus 25 años

Warner Bros. celebra los 25 años de “Harry Potter y la piedra filosofal" con el esperado regreso de la película a la pantalla grande. Como parte de la celebración mundial de Back to Hogwarts 2026, los fanáticos tendrán la oportunidad de revivir el comienzo de la historia del joven mago en una experiencia única en cines.

Back to Hogwarts conmemora cada 1 de septiembre el regreso de los estudiantes al Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería, una de las fechas más emblemáticas para la comunidad de fanáticos de Harry Potter alrededor del mundo. En ese contexto, la película llegará nuevamente a las salas de cine en Chile entre el 27 de agosto y el 2 de septiembre, sumándose a esta celebración internacional.

Además del reestreno, “Harry Potter y la piedra filosofal” se exhibirá con 12 minutos de material inédito detrás de cámaras, que podrá verse por primera vez en cines, ofreciendo a los espectadores una mirada exclusiva a la realización de la película que dio inicio a una de las franquicias cinematográficas más exitosas de todos los tiempos.

Cabe destacar, que la  preventa de entradas comenzará justamente en el mismísimo cumpleaños del joven mago este viernes 31 de julio en las webs de diversos cines del país. 

[Cine] “El Deshielo”, la aclamada nueva película de Manuela Martelli, presenta su tráiler oficial y confirma su estreno en cines chilenos

Luego de su destacado paso por el Festival de Cannes, donde tuvo su estreno mundial como parte de la competencia Un Certain Regard, “El Deshielo”, la nueva película de la directora chilena Manuela Martelli, presenta su primer tráiler oficial, el póster y confirma su fecha de estreno en los cines nacionales. Será el 3 de septiembre en salas de todo el país.

Ambientada en Chile a comienzos de la década de los noventa, la película construye una historia de suspenso que mezcla misterio, drama y una aguda observación de un país que intenta avanzar mientras aún convive con las huellas de su pasado reciente. En un aislado centro de esquí de la cordillera, la desaparición de una adolescente desencadena una investigación marcada por las sospechas, los silencios y las tensiones que atraviesan a todos quienes habitan ese lugar.

Lejos de apoyarse únicamente en los mecanismos del thriller, “El Deshielo” desarrolla una atmósfera de permanente inquietud, donde los paisajes nevados, el diseño sonoro y una puesta en escena de gran precisión potencian una historia que mantiene el misterio hasta sus últimos momentos. La mirada de una niña, testigo involuntaria de los acontecimientos, entrega además una perspectiva tan sensible como inquietante sobre un mundo adulto atravesado por secretos y contradicciones.

Con una realización de gran rigor formal, Manuela Martelli vuelve a demostrar una notable capacidad para construir tensión a partir de los gestos, los espacios y lo que permanece oculto. El resultado es una película de fuerte personalidad cinematográfica, que dialoga con la memoria reciente del país sin perder nunca su vocación de cine de género. Además, marca la primera incursión en el cine de Maya O'Rourke a sus 10 años.

El elenco reúne también a Paulina Urrutia, Mauricio Pešutić, Paula Zúñiga, Marcela Salinas, Lautaro Cantillana, Saskia Rosendahl, Maia Rae Domagala y Jakub Gierszal en una producción internacional entre Chile, Estados Unidos, España y México.

La fotografía de Benjamín Echazarreta realza la inmensidad de los paisajes cordilleranos, mientras que el trabajo de montaje y sonido contribuye a una experiencia envolvente que sostiene el suspenso con gran elegancia.

Con su estreno en Cannes, “El Deshielo” consolida el reconocimiento internacional hacia la obra de Manuela Martelli, confirmando la proyección de una de las voces más interesantes del cine chileno contemporáneo.

El tráiler oficial y su póster ya se encuentran disponible y anticipa una de las películas nacionales más esperadas del año.

[Cine] “La naturaleza de las cosas invisibles”: aclamada película que conquistó la Berlinale llega a Chile con una conmovedora historia sobre la amistad y las pérdidas

El pasado 6 de agosto llegó a los cines chilenos “La naturaleza de las cosas invisibles”, el primer largometraje de la directora brasileña Rafaela Camelo, una delicada coproducción entre Chile y Brasil que ha llamado la atención del circuito internacional gracias a su mirada íntima sobre la infancia, los vínculos familiares y la experiencia de enfrentar la pérdida.

Distribuida en Chile por Market Chile, la película construye su relato a partir del encuentro, durante las vacaciones de verano, de dos niñas de diez años en un hospital que forman un vínculo inesperado. Ese lazo las lleva por un viaje agridulce de despedidas y de profundas revelaciones sobre la vida.

Con una puesta en escena sensible y observadora, Rafaela Camelo desarrolla una historia donde conviven cuatro generaciones de mujeres, explorando los lazos que se construyen alrededor del cuidado, la memoria y la transmisión de experiencias. La película propone una reflexión sobre aquello que permanece invisible en la vida cotidiana: los afectos, las ausencias y los pequeños gestos que sostienen a una familia en los momentos más difíciles.

Lejos de abordar estos temas desde el melodrama, la directora opta por el punto de vista de la infancia, otorgando a sus protagonistas un lugar desde donde la imaginación y la curiosidad permiten enfrentar preguntas para las que no siempre existen respuestas.

Destacado recorrido

Antes de su estreno comercial, “La naturaleza de las cosas invisibles” inició un destacado recorrido por festivales internacionales, siendo la película de apertura en la competencia Generation Kplus, de la 75 edición de la Berlinale, uno de los encuentros cinematográficos más importantes del mundo. Posteriormente, también participó en más de 50 festivales, y alcanzó más de 20 premios internacionales, consolidando la proyección internacional de esta coproducción latinoamericana.

Con una propuesta que mezcla sensibilidad y una lúcida observación de las relaciones humanas, “La naturaleza de las cosas invisibles” llegará para invitar al público a descubrir una historia donde la amistad se transforma en una forma de acompañar aquello que no siempre puede decirse con palabras.

“La película explora cómo las niñas entienden verdades complejas que los adultos intentan esconder”

La directora Rafaela Camelo cuenta que para encontrar el equilibrio entre la inocencia de la infancia y un tema tan complejo como el duelo, se basó en sus propios recuerdos de la infancia, cuando sentía “una mezcla de curiosidad, temor y misterio frente a la muerte”.

“La película explora cómo las niñas entienden verdades complejas que los adultos muchas veces intentan esconder o suavizar. A través de Gloria y Sofía, vemos cómo ellas utilizan la imaginación y la fantasía como un interlocutor para llenar los espacios sin explicación, encontrando así su propio camino hacia esos descubrimientos en medio del duelo”, señala.

La directora agrega que “la idea del hospital surgió para explorar la fisicalidad de la vida y la muerte. Gloria tiene un corazón trasplantado, y el hospital subraya esa inquietante realidad de que somos de carne y dependemos de ella para vivir. Narrativamente, este espacio me ofreció la posibilidad de construir una metáfora estructural: la película se divide en dos partes. La primera ocurre en el hospital, y justo en la mitad, cuando parten al refugio en el campo, hay un cambio drástico. Es como si la película que vimos al principio tuviera que 'morir' en el hospital para que otra forma nueva pudiera nacer”.

La productora chilena Rebeca Gutiérrez Campos, quien ha estado detrás de otras películas premiadas como “Mala Junta” (2016) y “La piel en primavera” (Colombia-Chile, 2024), destaca quela coproducción entre Brasil y Chile permitió ampliar el proyecto desde una mirada latinoamericana compartida, tanto en términos creativos como productivos.

“Desde Chile, a través de Pinda, nos sumamos a una película profundamente sensible, dirigida por Rafaela Camelo, que aborda la infancia, el duelo, los vínculos familiares y aquello que muchas veces permanece fuera de lo visible. Esa colaboración permitió acompañar desde la dirección de fotografía, liderada por Francisca Sáez junto a Liss Fernández, la composición musical original de Alekos Vuskovic (ganador del premio mejor banda sonora en el Festival de Gramado) y la postproducción de imagen con Pamela Valenzuela junto al equipo de Filmoestudios. Además, sumar esfuerzos desde la producción no solo ayuda a expandir redes sino también sumar perspectivas de trabajo desde otro territorio de la región”, destaca Gutiérrez Campos. Y agrega: "Como en toda coproducción internacional, los desafíos tuvieron que ver con coordinar equipos, tiempos, financiamiento, procesos administrativos y decisiones creativas entre países distintos. Pero también ahí está el valor de este tipo de trabajo: sostener una película en el tiempo, con confianza entre las productoras, y permitir que una historia nacida en Brasil pueda dialogar con públicos de otros lugares, como ahora ocurrirá con su estreno en salas en Chile”.

Para Daniela Marinho, productora brasileña: “La coproducción entre Moveo Filmes y Apoteótica Cinematográfica, desde Brasil, y Pinda Producciones, en Chile, aportó una riqueza invaluable a la película, promoviendo el trabajo colaborativo en el cine independiente. En cuanto a los desafíos, además de la compleja articulación de los distintos fondos públicos y la logística del trabajo transnacional, también enfrentamos las naturales barreras idiomáticas y culturales. Sin embargo, encontrar socios tan afines como Pinda Producciones nos permitió superar estos obstáculos y alcanzar un producto mucho más internacional. El resultado es una película que, si bien habla de algo profundamente brasileño, logra conectarse de manera especial con nuestra identidad latina. Esperamos que el público chileno encuentre en esta historia una reflexión sobre la fragilidad humana y la complejidad de las identidades”, señala Marinho. “Ojalá salgan de la sala con una sensación saudosa, permitiéndote hacer una conexión con lo invisible y utilizando la imaginación como una lente para investigar nuestro mundo”.