La novela que Tom Cruise llevó al éxito mundial en 2014 regresa a sus verdaderas raíces. “SOLO NECESITAS MATAR” (All You Need Is Kill), la obra maestra de Hiroshi Sakurazaka, recibe finalmente su adaptación animada definitiva: una producción de alta factura visual a cargo del prestigioso Studio 4°C que promete conquistar tanto a los puristas del género como a nuevas audiencias. Dirigida por Kenichiro Akimoto, la película llega a las salas chilenas el próximo 05 de febrero.
Vive, muere, repite: El origen del bucle
En un futuro cercano, la humanidad enfrenta su extinción. Una gigantesca flor alienígena conocida como "Darol" estalla sobre Japón, liberando hordas de criaturas monstruosas ("Mimics") que arrasan todo a su paso. En medio del caos, Rita, una joven voluntaria, muere brutalmente en combate. Pero la muerte no es el final.
Al despertar, Rita se encuentra de nuevo al inicio del mismo día fatídico. Una y otra vez. Prisionera de un bucle temporal despiadado, deberá transformar su desesperación en experiencia bélica. En su ciclo infinito conoce a Keiji, otro soldado atrapado en la misma paradoja. Juntos lucharán, aprenderán de cada error y buscarán la única estrategia posible para romper el ciclo y salvar el futuro.
Del papel a la pantalla: Un fenómeno de culto
La novela original (2004) trascendió fronteras y definió el tropo del bucle temporal en la ciencia ficción moderna. Su adaptación hollywoodense, "Edge of Tomorrow" (Al Filo del Mañana), recaudó más de 370 millones de dólares y demostró la potencia de la historia.
Ahora, Studio 4°C —la casa de animación detrás de joyas visuales como "Tekkonkinkreet" y "Mind Game"— entrega una reinterpretación visceral y fiel al espíritu japonés del material base. La crítica internacional ya ha destacado su propuesta tras su paso por festivales:
"Las secuencias de acción son increíbles y la razón principal para no perdérsela. Es un espectáculo visual que justifica la pantalla grande". — ScreenAnarchy
Nominada a Mejor Largometraje de Animación en el Festival de Sitges, la película combina la adrenalina de la acción con una profunda reflexión sobre el destino.
Este verano, descubre el verdadero origen del fenómeno. "All You Need Is Kill" llega a los cines el 05 de febrero.
El director de "Oldboy" regresa con una película que desafía géneros y cuestiona el
sistema. Con 98% en Rotten Tomatoes y triple nominación a los Globos de Oro.
Estreno 15 de enero en cines.
Park Chan-wook presenta un artefacto cinematográfico diseñado para incomodar. "La Única Opción" funciona en múltiples niveles, y entenderla requiere prestar atención a sus capas.
Estas son las cinco claves para descifrarla.
Sátira del capitalismo extremo: La premisa es simple: un hombre pierde su trabajo y decide asesinar a sus competidores para crear una vacante. Pero Park Chan-wook no está interesado en el crimen per se. Lo que le importa es la pregunta que subyace: ¿qué tipo de sistema convierte a un padre de familia en asesino? La película no juzga a Yoo Man-su (Lee Byung-hun). Lo presenta como producto lógico de un mercado que descarta personas como si fueran inventario obsoleto.
Hibridez de géneros: ¿Es comedia? ¿Es thriller? ¿Es drama social? La respuesta es sí a todo. Park Chan-wook mezcla géneros con una precisión que desorienta. Una escena puede comenzar como suspenso y terminar en carcajada nerviosa. El Wall Street Journal lo describió así: "La película es un crowd-pleaser desenfrenado de Park, quien exhibe un genio raro con la cámara a lo largo de toda la obra, ideando tomas, zooms y transiciones impresionantes." Esta hibridez no es capricho estilístico. Refleja la experiencia de Man-su: su vida es absurda y aterradora al mismo tiempo.
Estética y puesta en escena: Cada plano en "La Única Opción" está compuesto con obsesión. Park Chan-wook utiliza la simetría, los colores desaturados y los espacios cerrados para transmitir la claustrofobia mental de su protagonista. Las oficinas son laberintos. Los hogares son escenarios de teatro. Nada es casual. Rotten Tomatoes resume: la película está "dirigida con precisión prístina por Park Chan-wook."
Simbolismo y entorno: Man-su trabajó 25 años en la industria del papel. El papel se arruga, se descarta, se recicla. Como él. Park Chan-wook llena la película de estos ecos visuales: documentos que se acumulan, currículums que nadie lee, tarjetas de presentación que ya no significan nada. El entorno cuenta la historia tanto como los diálogos.
La deshumanización: El arco de Man-su es el de un hombre que pierde su humanidad mientras intenta recuperar su lugar en un sistema que nunca lo vio como humano. La ironía es brutal: para volver a ser "alguien", debe convertirse en nadie. Lee Byung-hun interpreta esta transformación con una actuación que le valió nominación al Globo de Oro. A su lado, Son Ye-jin ("The Negotiation", "Be With You") como Mi-ri representa lo que Man-su está perdiendo: conexión, afecto, normalidad.
Reconocimiento internacional: La película fue la apertura del Busan International Film Festival 2025, fue Nominada al León de Oro en Venecia (82ª edición), ganadora del Premio del Público en Toronto International Film Festival 2025, es la Selección oficial de Corea del Sur para el Oscar a Mejor Película Internacional y cuenta con una triple nominación a los Globos de Oro: Mejor película – comedia o musical; Mejor película en lengua no inglesa; Mejor actor en comedia o musical por Lee Byung-hun.
"La Única Opción" llega a las salas de Chile el 15 de enero. Una obra imprescindible del cine coreano actual.
El 1 de enero debutará en cines “La Empleada”, la esperada adaptación del bestseller global “La Asistenta” [The Housemaid], la novela de Freida McFadden que arrasó en listas de ventas y que ahora encuentra en la dirección de Paul Feig y en las actuaciones de Sydney Sweeney (“Euphoria”) y Amanda Seyfried (“Mamma Mia!”) una nueva vida: más incisiva, más electrizante y tan adictiva como el libro.
La película sigue el ingreso de Millie Calloway al lujoso ecosistema de los Winchester, un hogar donde cada gesto está regido por las apariencias y donde el chisme funciona como arma. Entre modales impecables y reglas inamovibles, Millie descubre que nada es tan perfecto como parece y que la pregunta no es qué esconden los Winchester, sino cuánto demorará ella en darse cuenta de que ya está atrapada.
“Es una de esas historias que toca directamente miedos humanos que todos compartimos”
Paul Feig, quien ha dirigido éxitos como “Damas en guerra” y el remake de “Los cazafantasmas”, recuerda su impresión inicial: “Fue magistral cómo Freida McFadden creó este mundo seductor y luego te pregunta: ‘¿Creías que querías todo esto? Adivina qué: no es lo que piensas’”.
Así surge Millie Calloway: un personaje obligado a sostener un trabajo que la consume emocionalmente, dominado por la exigente Nina Winchester. A partir de ahí la historia acelera como un tren desbocado, hecha de giros, engaños, secretos y un duelo constante por el control. McFadden lo resume con claridad: “La película es, en última instancia, la historia de escapar de una trampa, algo que siempre me ha intrigado”.
El fenómeno literario ha vendido más de 3,5 millones de copias, lleva más de 130 semanas en la lista del New York Times y fue traducido a 45 idiomas. Su impacto fue tal que incluso antes del estallido internacional, los productores compraron los derechos: una intuición certera para un material que pedía llegar al cine.
Sydney Sweeney, fan del libro antes de sumarse como protagonista y productora ejecutiva, explica su fascinación: “Es una de esas historias que toca directamente miedos humanos que todos compartimos. Nunca podía soltarla”.
Amanda Seyfried, también protagonista y productora, coincide: “Tiene todo lo que deseas en un buen thriller y es exactamente el tipo de historia que cobra vida magníficamente en la pantalla”.
Para traducir la arquitectura psicológica del libro al cine, el equipo convocó a la guionista Rebecca Sonnenshine, quien inyectó humor negro y dinamismo al thriller sin traicionar su oscuridad. Feig la recuerda como el ingrediente que faltaba: “No es una comedia, pero el público va a reír. Ese espíritu que Rebecca aportó me fascinó”.
Sonnenshine, conocida por subvertir estereotipos en “The Boys”, encontró en Millie un dilema universal: “¿Quién no ha lidiado con un jefe tóxico o se ha quedado en un trabajo por desesperación? Todos podemos identificarnos con Millie”.
Su adaptación retoma los temas del libro —clase social, autoimagen, poder— y los recrea con la casa Winchester como eje vertical: un espacio donde cada piso oculta una verdad y cada persona dice menos de lo que sabe. Incluso el círculo social que rodea a la familia funciona como amplificador de sospechas: elegante, mordaz y tan propenso a la traición como cualquier rincón del hogar.
McFadden celebra la audacia de la adaptación: “Al leer el guion de Rebecca, me dieron escalofríos. Todos los cambios funcionaban… Algunos eran tan buenos, que ojalá estuvieran en el libro”. Y sobre Feig, agrega: “Lo importante es que Paul sabía exactamente cómo crear un accidente ferroviario del que no puedes apartar la vista”.
“No podía imaginar a nadie más tan perfecta para Millie que Sydney Sweeney”
Millie llega a la casa Winchester buscando una segunda oportunidad. Duerme en su auto, está recomponiendo su vida y acepta un trabajo que parece extraído de un cuento moderno: una casa perfecta, una familia ideal, comodidades y una tarjeta de crédito abierta. Muy pronto descubre la grieta: su jefa, Nina Winchester, es un volcán emocional, impredecible y capaz de cambiar de tono en un parpadeo.
Sonnenshine la describe así: “Millie es divertida, inteligente, fuerte, está golpeada pero no rota”.
Feig tenía claro quién debía interpretarla: “No podía imaginar a nadie más tan perfecta para Millie. Sabía que Sydney podía hacerlo”. Sweeney sumó entusiasmo desde el inicio: “Es tan cruda, tan vulnerable, y su viaje es salvaje.”
Por su parte, Amanda Seyfried interpreta a Nina, la encarnación del orden y la elegancia. Pero detrás de esa fachada se esconden inseguridad, manipulación y una volatilidad emocional que convierte a la casa Winchester en un territorio impredecible. McFadden la define como “frágil pero feroz, manipuladora y desesperada”.
Seyfried encontró en Nina un papel lleno de matices: “Es tan multifacética. Nunca había visto un personaje como este en ninguna película”. Feig destaca su trabajo milimétrico: “Un minuto te quiere; al otro, te destruye psicológicamente”
Así, entre apariencias que se derrumban, secretos enterrados y giros que no dan respiro, “La Empleada” inaugura el 2026 cinematográfico con una historia que combina crítica social, tensión psicológica y humor oscuro. El 1 de enero, la pregunta será inevitable: ¿Quién está realmente atrapado en la casa Winchester?
Prime Video ha dado a conocer el reparto completo de su nueva película original italiana en idioma inglés, Love Me Love Me. A los protagonistas Mia Jenkins, Pepe Barroso Silva y Luca Melucci, se unen ahora Andrea Guo, Michelangelo Vizzini, Madior Fall y Vanessa Donghi. Este drama romántico juvenil promete cautivar a la audiencia con un elenco fresco y talentoso encargado de dar vida a esta intensa historia de amor y secretos.
La producción está basada en el primer libro de la saga Love Me Love Me de Stefania S., un auténtico fenómeno literario que acumula más de 23 millones de lecturas en la plataforma Wattpad y es publicado por Sperling & Kupfer. La película está dirigida por Roger Kumble, con guion de Veronica Galli y Serena Tateo.
La trama sigue a June, quien se muda a Italia buscando un nuevo comienzo tras la muerte de su hermano. En su exclusiva nueva escuela, se siente atraída por James, un joven carismático y problemático involucrado en peleas clandestinas de MMA, pero comienza a salir con Will, el mejor amigo de James y estudiante modelo. Sin embargo, las apariencias engañan; June pronto descubrirá que todos esconden algo y, a medida que la tensión aumenta y las verdades salen a la luz, deberá decidir a quién pertenece realmente su corazón.
Love Me Love Me estará disponible exclusivamente en Prime Video a nivel mundial en 2026. Esta adaptación se suma al catálogo de beneficios para los clientes de Amazon Prime, buscando replicar el éxito viral de la novela original y ofreciendo una nueva obsesión para los fanáticos del género Young Adult en todo el mundo.
Este jueves 4 de diciembre se estrena en cines la esperada "Five Nights at Freddy's 2", una experiencia que vale la pena totalmente disfrutarla en pantalla grande. Si son seguidores de los videojuegos o los libros, se van a encontrar con una cinta hecha a su medida. Los animatrónicos lucen impresionantes y terroríficamente reales.
La película retoma la historia con fuerza y gran parte de eso se debe al elenco. Josh Hutcherson vuelve a darle ese toque humano y de tensión constante que necesita la trama, y ver a Matthew Lillard nuevamente en este universo siempre es un plus que los fans agradecen. Las actuaciones logran sostener el suspenso incluso cuando el caos mecánico se desata.
La atmósfera te atrapa de inmediato y expande el lore con nuevos secretos que salen a la luz. Es de esas producciones que, más allá de los sustos, se disfrutan por los detalles visuales y las referencias escondidas. Personalmente, me pareció muy entretenida y respetuosa con el material original.
La trama nos sitúa un año después de la pesadilla original. Lo ocurrido en la pizzería ya es una leyenda local que incluso inspira el primer "Fazfest". Vemos a Mike (Josh Hutcherson) y Vanessa (Elizabeth Lail) tratando de proteger a Abby (Piper Rubio) ocultando la verdad, pero cuando ella decide reencontrarse con sus viejos amigos, se desata una cadena de eventos que revelará oscuros secretos y un horror que llevaba décadas oculto.
El elenco es otro punto fuerte. Además del regreso del legendario Matthew Lillard como William Afton, se suman rostros nuevos como Mckenna Grace y el ícono del terror Skeet Ulrich, quienes se integran perfectamente a este universo. La dirección de Emma Tammi logra mantener la tensión y expandir el lore de una forma que dejará satisfechos tanto a los fans de los libros como a los gamers.
No se pierdan el estreno este jueves 4 de diciembre en cines. Si son parte de la comunidad de FNAF, es un panorama obligado para ver cómo cobran vida estos nuevos personajes. ¡Nos vemos en el cine!
La película reúne a un elenco excepcional encabezado por Joseph Zada como Haymitch Abernathy, el tributo destinado a cambiar para siempre la historia de Panem. Lo acompañan Kieran Culkin como un joven y carismático Caesar Flickerman, Elle Fanning en la piel de una precoz Effie Trinket, y Ralph Fiennes como el implacable Presidente Coriolanus Snow.
A ellos se suma Jesse Plemons como el enigmático estratega Plutarch Heavensbee, Maya Hawke interpretando a la brillante e inestable Wiress, Ben Wang como el tributo Wyatt Callow y Glenn Close en el rol de la influyente Drusilla Sickle. El elenco se completa con Mckenna Grace como Maysilee Donner, la valiente tributo cuya historia marcará profundamente el destino de Haymitch. Juntos, conforman un reparto que promete expandir el universo de Los Juegos del Hambre con nuevas capas de emoción, drama y poder.
Ambientada décadas antes de los eventos liderados por Katniss y Peeta, la historia sigue a Haymitch Abernathy, el enigmático ganador del 50° Torneo de Los Juegos del Hambre, en una versión más brutal y decisiva de la competencia. La película también mostrará la primera aparición televisiva de Caesar Flickerman, cuya cobertura transformará para siempre la forma en que Panem vive los Juegos.
Basada en la más reciente novela de Suzanne Collins, “Amanecer en la cosecha” expande el universo con nuevas revelaciones, personajes poderosos y un tono más oscuro que promete cautivar a los fans de la saga.
El estreno mundial está programado para noviembre de 2026.
Prime Video ha anunciado que Dímelo bajito, su próxima película Original española, se estrenará en exclusiva el 12 de diciembre. Basada en la primera novela de la saga Dímelo (Dímelo bajito, Dímelo en secreto, Dímelo con besos) de Mercedes Ron, la película está protagonizada por Alicia Falcó (Las buenas compañías), Fernando Lindez (Élite) y Diego Vidales (Nudes) que interpretan los papeles de Kami, Thiago y Taylor, respectivamente.
Completan el reparto Celia Freijeiro (Reina Roja) como Chiara, Patricia Vico (Operación Marea Negra) como Anne, Andrés Velencoso (Regreso a Las Sabinas) como Tino, Eve Ryan (Culpa mía) como Cata, Jan Buxaderas (Todos los lados de la cama) como Dani y Fernando Nagore como Jules.
Kamila Hamilton lo tenía todo bajo control... o eso pensaba: no estaba en sus planes que los hermanos Di Bianco volvieran de nuevo a darle la vuelta a su mundo. Hace 7 años Thiago fue el que le dio su primer beso. Y Taylor, el que siempre la protegió. El inesperado regreso de los hermanos sume la aparentemente perfecta vida de Kami en el caos. Ya no es la niña inocente que ellos conocían: desde que se fueron, parece que nadie puede realmente acceder a ella. Nadie excepto ellos. ¿Podrá Kami resistirse a la simple presencia de Thiago? ¿Qué pasará cuando Taylor empiece a mirarla de manera diferente? ¿Explotará todo en mil pedazos una vez más?
Dímelo bajito está producida por Vaca Films (Fatum, Hasta el cielo) con Borja Pena (El Correo, El Circo de los Muchachos) y Emma Lustres (Código Emperador, Clanes) como productores, Denis Rovira (Punto Nemo) como director y Jaime Vaca (Élite) como guionista.
Dímelo bajito representa la continuación de la colaboración entre Prime Video y Mercedes Ron, ahora conocida como The House of Ron, tras el éxito de la trilogía Culpables. Dímelo bajito se estrenará el 12 de diciembre, y Dímelo en secreto (la segunda película de la saga Dímelo) se encuentra actualmente en producción. Adicionalmente, las adaptaciones de Marfil y Ébano (la duología Enfrentados) han finalizado su rodaje y llegarán próximamente a Prime Video en más de 240 países y territorios.
El drama más conmovedor y urgente del cine argentino ya está disponible para el público global. La aclamada película "Belén", dirigida y protagonizada por la talentosa Dolores Fonzi, se ha estrenado en la plataforma Prime Video, poniendo al alcance de millones la historia real que redefinió el debate sobre los derechos reproductivos y la justicia en el país. Reconocida por su impacto social y su calidad cinematográfica, la cinta ha sido seleccionada para representar a Argentina en la carrera por el Oscar, consolidándose como una pieza fundamental del cine contemporáneo.
"Belén" nos sumerge en el caso real de una joven que, tras sufrir un aborto espontáneo, es acusada y encarcelada injustamente, convirtiéndose en un símbolo de la persecución judicial y la inequidad. La película no solo narra el calvario personal de la protagonista, sino que también expone la crueldad de un sistema legal que criminaliza a las víctimas. Es una crónica detallada y sensible que retrata la soledad, la desesperación y, finalmente, la esperanza que surge a través de la solidaridad y la movilización social, mostrando cómo un caso individual puede encender una chispa de cambio colectivo.
El trabajo de Dolores Fonzi es notable, no solo al frente de la cámara, sino también en la dirección, logrando una narrativa poderosa que evita el melodrama para enfocarse en la verdad cruda y la dignidad de su personaje. La crítica ha elogiado la valentía del filme para abordar un tema tan delicado con rigor y humanidad. Más allá de su valor artístico, "Belén" es una herramienta de diálogo que obliga al espectador a confrontar prejuicios y a reflexionar sobre la intersección entre la ley, la medicina y la moral. El filme se inscribe así en la tradición del cine social que busca generar debate y promover transformaciones.
Con su llegada a Prime Video, "Belén" se posiciona como una pieza esencial en la biblioteca de cualquier espectador interesado en el cine con conciencia social y las historias de lucha por la justicia. Es una oportunidad única para ver la película que conmovió a un país y que hoy compite en el escenario mundial. No se trata solo de un drama judicial, sino de un testimonio de resistencia. "Belén" ya está disponible en Prime Video: mira la película que encendió la lucha por los derechos reproductivos.
La aclamada obra maestra de Satoshi Kon, PERFECT BLUE (パーフェクトブル), regresa a las salas de cine en Latinoamérica con una impresionante versión remasterizada en 4K, prometiendo una experiencia visual única para los espectadores. Este intenso thriller psicológico animado sigue la historia de Mima Kirigoe, una joven idoru (cantante pop) que toma la difícil decisión de dejar su exitosa carrera musical para incursionar en la actuación. Sin embargo, su transición hacia una vida adulta más compleja se convierte rápidamente en una pesadilla al ser acosada por un fan obsesivo, sumergiéndola en un peligroso descenso donde los límites entre la realidad, la identidad pública y la fantasía personal comienzan a desdibujarse de forma alarmante.
La película marcó el debut como director del visionario Satoshi Kon, un artista canónico de la animación japonesa que sentó las bases de un estilo narrativo único y metaficcional, característico también de sus posteriores obras como Millennium Actress y Paprika. El talento de Kon fue rápidamente reconocido, con PERFECT BLUE recibiendo galardones en festivales de prestigio como Sitges y Fantasia International Film Festival. Su innovadora forma de entrelazar sueños y realidad, creando una atmósfera de incertidumbre constante, ha inspirado a cineastas de la talla de Darren Aronofsky y Christopher Nolan, con Aronofsky reconociendo públicamente la influencia directa de esta película en múltiples escenas de su El Cisne Negro.
Desde su estreno original en 1997, PERFECT BLUE ha cosechado una aclamación constante tanto de la crítica especializada como del público. Su enfoque audaz sobre temas universales como la identidad, la fama y la obsesión tóxica ha generado debates apasionados, consolidándola como una pieza fundamental del thriller psicológico y la animación. Prueba de su estatus de culto es su sobresaliente valoración en plataformas como Rotten Tomatoes y su pertenencia al exclusivo "1 Million Club" de Letterboxd, siendo considerada un visionado imprescindible que mantiene al espectador en constante tensión gracias a la complejidad de su montaje y narrativa.
Esta nueva presentación en remasterización 4K no solo brinda imágenes más nítidas, colores más vibrantes y una mayor profundidad de detalle, sino que ofrece una oportunidad para redescubrir la contemporaneidad de su historia. La combinación de suspense, estética noir y su innegable profundidad temática garantiza que tanto los fanáticos de la primera hora como las nuevas audiencias puedan disfrutar de una experiencia intensa e inolvidable. Un imprescindible del cine que vuelve a la gran pantalla: PERFECT BLUE, desde el 13 de Noviembre en cines locales.
Los fans de los Jonas Brothers tienen un regalo anticipado esta temporada festiva: el 14 de noviembre se estrena en exclusiva en Disney+ la esperada película UNA NAVIDAD MUY JONAS BROTHERS. El tráiler oficial de la cinta ya ha generado gran expectativa, mostrando a Kevin, Joe y Nick Jonas enfrentando una divertida y creciente serie de obstáculos mientras intentan llegar de Londres a Nueva York a tiempo para celebrar la Navidad con sus familias. Esta comedia festiva promete risas y el espíritu navideño, convirtiendo el viaje a casa en una aventura épica.
El espíritu musical de la película se adelanta con el primer sencillo, “Coming Home This Christmas”, que cuenta con la participación del legendario Kenny G. Este tema, que se escucha en el tráiler, ya está disponible en las principales plataformas de streaming como Spotify, Amazon Music, Apple Music y YouTube Music, permitiendo a los seguidores entrar en el ambiente navideño antes del estreno. Además, la banda sonora original, producida ejecutivamente por Justin Tranter, ya se puede pre-guardar en Apple y Amazon Music, prometiendo una colección de canciones ideales para la época.
La banda sonora, un lanzamiento de Hollywood Records/Republic Records, es un componente clave de la experiencia festiva. El álbum incluye siete canciones nuevas como “Home Alone” y “Feel Something”, además de tres temas adicionales que los fans reconocerán, incluyendo las versiones en vivo de “Like It’s Christmas” y “Sucker”. Con un total de diez temas, la música está diseñada para acompañar la trama y añadir ese toque especial a la aventura navideña de los hermanos.
UNA NAVIDAD MUY JONAS BROTHERS cuenta con un elenco estelar que complementa al trío protagonista, quienes se interpretan a sí mismos. Junto a Kevin, Joe y Nick, veremos caras conocidas como Chloe Bennet (Lucy), Billie Lourd (Cassidy), Laverne Cox (Stacy) y KJ Apa (Gene), entre otros. La película se convierte en un asunto familiar para la banda con cameos especiales, y cuenta con la participación de figuras como Kenny G y Justin Tranter interpretándose a sí mismos, además de Randall Park y Jesse Tyler Ferguson como Brad y Santa Claus, respectivamente.
Esta semana se estrenó en cines DEPREDADOR: TIERRAS SALVAJES, la nueva expansión de la popular saga que presenta una carismática y sin precedentes dupla protagónica: Elle Fanning como Thia/Tessa y Dimitrius Schuster-Koloamatangi como Dek. Bajo la dirección de Dan Trachtenberg, quien regresa tras el éxito de DEPREDADOR: LA PRESA, el film se centra en la inesperada alianza entre estos dos personajes que se embarcan en un peligroso viaje a través de un planeta hostil con un objetivo común: encontrar un oponente digno para el combate.
El entusiasmo por el proyecto fue palpable en el set, contagiado principalmente por el director Dan Trachtenberg. Los protagonistas, ambos fans de la franquicia y admiradores del trabajo previo del realizador, sintieron una conexión inmediata con la visión de la película. Fanning relata que, tras leer el guion, una videollamada con Trachtenberg, llena de ilustraciones e ideas apasionadas, la convenció por completo. Schuster-Koloamatangi complementa que la pasión del director por el universo Depredador fue "el ingrediente secreto", logrando que la experiencia de rodaje fuera auténtica y estimulante para todo el equipo.
La producción enfrentó desafíos actorales sin precedentes, especialmente en la representación de los personajes. Elle Fanning, interpretando a un robot avanzado y sin piernas, pasó gran parte del rodaje sujeta a cables, sentada en arneses o en zanjas cavadas, requiriendo considerable fuerza física y el aprendizaje de un movimiento robótico fluido. Por su parte, Schuster-Koloamatangi, como Dek el Depredador, se sometió a una transformación radical: un traje con prótesis que añadían 15 kilos de peso y lentes de contacto. Además, debió dominar el yautja, un idioma creado para la película, lo cual le obligó a modificar su postura corporal y usar nuevos músculos de la garganta para producir los sonidos.
A pesar de las intensas jornadas y las exigencias físicas en locaciones difíciles, la conexión entre Fanning y Schuster-Koloamatangi fue crucial para el éxito del film. La cercanía forjada al trabajar literalmente "espalda con espalda" se tradujo en la brillante química de sus personajes en pantalla. Ambos actores destacaron el apoyo mutuo y la energía positiva en el set, haciendo que el rodaje fuera un esfuerzo colaborativo y especial. DEPREDADOR: TIERRAS SALVAJES se estrenó este jueves 6 de noviembre, en diversos formatos premium en cines.
La cartelera se renueva este jueves 6 de noviembre con el estreno de "Un Buen Ladrón" (título internacional: Roofman), una película que promete mantener a los espectadores al borde del asiento. El film, clasificado en el género de Acción, nos presenta a Jeffrey Manchester (interpretado por Channing Tatum), un exsoldado y talentoso ladrón profesional. La trama arranca justo después de que Manchester lograra una espectacular fuga de prisión, un acto que lo obliga a esconderse para planificar su próximo movimiento. La película está dirigida por Derek Cianfrance, conocido por su habilidad para construir dramas con intensidad emocional, aunque en este caso se adentra en el terreno del thriller de acción.
El escondite de Jeffrey es tan ingenioso como inusual: una tienda Toys "R" Us. Logra sobrevivir sin ser detectado durante meses, utilizando la tienda como su refugio secreto y base de operaciones. Sin embargo, su plan de bajo perfil se complica de forma inesperada. El equilibrio de su doble vida —el ladrón profesional y el habitante secreto de la tienda— se ve amenazado cuando conoce a Leigh Wainscott, una madre divorciada interpretada por Kirsten Dunst. Este encuentro marca el punto de inflexión en la historia, introduciendo un elemento romántico y dramático que chocará con su peligrosa situación.
La presencia de un elenco de alto calibre eleva las expectativas sobre la película. Además de las actuaciones de Channing Tatum y Kirsten Dunst, el reparto incluye a figuras como Peter Dinklage, quien interpreta a Mitch. La química entre los protagonistas y el talento de los actores para dar vida a personajes complejos son cruciales para sostener la tensión entre el thriller de escape y el drama personal.
"Un Buen Ladrón" no solo ofrece acción y suspenso, sino que también explora el dilema moral de su protagonista: ¿puede un criminal encontrar redención y una vida normal? El romance con Leigh obliga a Jeffrey a confrontar el costo de su vida criminal y a decidir si vale la pena arriesgarlo todo por una oportunidad de amor y estabilidad. No te pierdas esta intensa historia de escape, amor y dilemas, que llega a las salas de cine este jueves 6 de noviembre.
La cartelera de cine se prepara para recibir una dosis de romance, sueños y el inevitable desafío de crecer con el estreno de "Amor fuera de tiempo" (título original: The Bad Boy And Me). Dirigida por Justin Wu, esta película canadiense se sumerge en la clásica pero siempre atractiva dinámica de dos jóvenes con caminos aparentemente opuestos, cuyas vidas se cruzan en un momento crucial de sus carreras y aspiraciones. Protagonizada por talentos como Siena Agudong y el influencer convertido en actor Noah Beck, la cinta promete conectar con la audiencia que disfruta de las historias sobre los primeros amores y las grandes decisiones.
El corazón de la trama gira en torno a Dallas, una estudiante con la firme meta de entrar en la mejor escuela de danza del país, y Drayton, el mariscal de campo estrella, lleno de dudas sobre su futuro a pesar de su popularidad. La química entre ellos es innegable y magnética, encendiendo una pasión que parece destinada a florecer. Sin embargo, sus ambiciones personales y las presiones del entorno actúan como fuerzas centrífugas, poniendo a prueba la solidez de sus sentimientos. ¿Podrá su amor resistir las diferencias de sus sueños y el peso de lo que el futuro les exige?
La película, distribuida por Diamond Films, toca temas universales como la importancia de perseguir los sueños, el sacrificio que a menudo conllevan y la dificultad de equilibrar el amor con las aspiraciones individuales. Con una duración de 99 minutos, "Amor fuera de tiempo" se presenta como una comedia romántica contemporánea y emotiva, con un elenco que incluye también a Drew Ray Tanner y al veterano James Van Der Beek, que añade un toque de nostalgia a la producción.
Prepárate para vivir una historia que te recordará los desafíos y la intensidad del amor juvenil. "Amor fuera de tiempo" es la elección perfecta para aquellos que buscan un romance sincero y cautivador en la pantalla grande. ¡Marca tu calendario! La película estará disponible exclusivamente en cines a partir del próximo jueves 13 de noviembre.
Diamond Films trae a la gran pantalla grande una divertida y emocionante aventura animada: Zoopocalipsis (título original: Night of the Zoopocalypse), una película que mezcla humor, acción y el espíritu del terror familiar.
La Noche más Salvaje del Zoológico
Todo comienza cuando un meteorito cae en el zoológico, desatando un misterioso virus que convierte a los animales en criaturas zombis fluorescentes, viscosas y desquiciadas. ¡El caos se apodera del lugar!
La esperanza recae en un inesperado equipo de supervivientes:
Gracie, una joven loba intrépida.
Dan, un puma salvaje recién llegado.
Y otros compañeros animales que deberán dejar de lado sus diferencias.
Juntos, tendrán que idear un plan para rescatar el zoológico y evitar que el trastornado líder mutante propague el virus por todo el mundo.
Una Aventura para Toda la Familia
Dirigida por Ricardo Curtis y Rodrigo Pérez-Castro, esta cinta es una propuesta única que toma inspiración de géneros como el cine de monstruos y el body horror (de una manera cómica y apta para todo público), ofreciendo una estética colorida y llena de personalidad. Es una experiencia de terror y aventura diseñada para ser disfrutada por niños y adultos por igual.
Zoopocalipsis es una prueba de que incluso en el apocalipsis, la amistad y el trabajo en equipo son la clave para sobrevivir.
El catálogo de Netflix se enriquece con un drama social potente y necesario: "La mujer de la fila" ya está disponible en la plataforma. Este aclamado filme, dirigido por Benjamín Ávila, marca el regreso de la estrella argentina Natalia Oreiro a la pantalla streaming con una de las actuaciones más elogiadas de su carrera. La película, que previamente tuvo un exitoso recorrido en salas, aterriza en la plataforma para ofrecer una historia conmovedora y profundamente humana basada en hechos reales.
La historia se centra en Andrea (interpretada por Oreiro), una madre de clase media que ve su vida desmoronarse cuando su hijo es encarcelado. Lo que parecía imposible se convierte en una dura realidad: debe enfrentarse a la burocracia, la corrupción y el dolor del sistema penitenciario desde afuera. El título del filme hace referencia directa a las mujeres que, día tras día, esperan en las filas de las cárceles para visitar a sus familiares, lidiando con el estigma y la desesperación.
"La mujer de la fila" no solo es un vehículo para el talento de Oreiro, quien ha sido aplaudida por su crudeza y tenacidad en el papel, sino que también cuenta con un sólido elenco que incluye a Alberto Ammann y Amparo Noguera. La crítica especializada ha destacado la fuerza narrativa del film, señalándolo como un retrato incómodo pero esencial del cine argentino reciente. Más allá del drama familiar, la película funciona como una denuncia contundente y un homenaje a la resiliencia y la red de apoyo que se genera entre las mujeres que comparten esta dura experiencia.
Finalmente, este estreno en Netflix permite que una historia de lucha, amor y perseverancia llegue a millones de hogares. Si buscas un drama que se sienta real, que toque fibras sensibles y que invite a la reflexión sobre el sistema judicial y penitenciario, "La mujer de la fila" es la elección ideal. Ya puedes añadirla a tu lista y descubrir por qué la interpretación de Natalia Oreiro está siendo considerada una de las mejores del año.
La disparatada comedia "Cuando el cielo se equivoca", escrita, dirigida y protagonizada por Aziz Ansari, ya se estrenó en cines. La película promete conquistar al público con su mezcla de humor absurdo, caos existencial y giros inesperados, en una propuesta que recuerda a series como The Good Place o Rick y Morty.
Aziz Ansari interpreta a un tipo común con una racha interminable de mala suerte, cuya vida se ve alterada por un intercambio celestial. Este cambio de destino es provocado por la aparición de Gabriel, un ángel novato e inepto que comete un error garrafal, interpretado por el aclamado actor Keanu Reeves. El elenco lo completa Seth Rogen en el papel de un acaudalado inversor tecnológico que experimenta lo que es vivir sin privilegios y detesta cada segundo.
La película es una reflexión sobre el éxito, la identidad y el sinsentido de las segundas oportunidades, con toques de crítica social. Keanu Reeves destacó que el papel que le ofreció Ansari "no solo era gracioso, sino también sensible y respetuoso en cuanto a lo que es verdaderamente importante en la vida", mientras que Rogen comentó que la película plantea que "tu vida es tu vida, y la verdadera pregunta es cómo vas a enfrentarla".
Con este reparto estelar, que también incluye a Keke Palmer y Sandra Oh, "Cuando el cielo se equivoca" es una comedia pensada para el gran público que, a la vez, invita a una mirada más profunda sobre la aceptación y el aprendizaje de ser uno mismo. ¡Asegura tus entradas y ve a disfrutarla en la pantalla grande!
La productora chilenaArte Seventh, presenta oficialmenteMADRIGUERA, un nuevo cortometraje de terror que marca un paso decisivo dentro del cine independiente chileno. Concebida como un slasher contemporáneo, la obra combina una estética meticulosa con una tensión constante, explorando los miedos más profundos y la oscuridad que se oculta en una historia del pasado.
Ambientada en la noche de Halloween, la historia sigue a Tania, la niñera de Lúa, quien regresa con ella a casa después de pedir dulces. Pero algo no está bien: una presencia se oculta entre las sombras… y pronto descubrirán que alguien las acecha.
El proyecto cuenta con el apoyo y asociación de David and Joseph, Fiesta y Regalos, FISU Producciones, Kalopsia, Nadjar Studio, Ligero Cine y la coproducción de La Causa Film, conformando una alianza que impulsa el desarrollo de nuevas voces en el cine nacional.
Dirigido por Cristal Eyes (Javiera Johnson), MADRIGUERA reúne nuevamente a Karla Navia y Matías Faúndez M., actores que ya habían compartido pantalla en una producción anterior de la directora. La cinta también marca el debut de la joven actriz Aurora Leyton, quien entrega una interpretación tan sensible como perturbadora.
Sobre la creación de este slasher, Cristal Eyes nos cuenta que: “tengo un amor profundo por este corto, porque aborda uno de los géneros que más me gusta consumir, mi festividad favorita y con los actores con los que más me ha gustado trabajar, y todo desde el amor al arte y las ganas de crear una historia. Hasta el momento es mi producción favorita, porque está hecha desde la humildad y el trabajo colaborativo”.
La producción general estuvo a cargo de Yamir Ibarra Ramos, con un equipo técnico que apostó por un lenguaje visual y sonoro cuidadosamente diseñado, para potenciar la atmósfera de suspenso. Para los críticos, MADRIGUERA ha sido destacada por su pulso narrativo, su tratamiento visual y su aporte al resurgimiento del terror independiente chileno.
La coproducción chileno-colombiana “Lo que no se dijo” llegará a salas comerciales este 06 de noviembre. Con un tono cargado de humor negro y una mirada fresca sobre los cambios sociales de los años noventa, la película invita a descubrir una historia profundamente enraizada en la vida rural del sur de Chile, marcada por la llegada de una tecnología que transformaría para siempre las formas de comunicarse: la telefonía celular.
Con un elenco encabezado por Patricia Cuyul, Héctor Morales y Mariana Loyola, y ambientada en el año 1994 en Puerto Montt, la cinta sigue a Margarita, madre soltera, carismática y ambiciosa que se destaca como vendedora de celulares, nueva tecnología en el sur de Chile. Junto a su compañero Cucho, recorre zonas rurales buscando clientes y exponiéndose a situaciones peculiares.
“La comedia negra entrega la posibilidad de reírse y analizar”
“Mi madre vendía celulares en los alrededores rurales de Puerto Montt y yo, siendo un niño, solía acompañarla en sus viajes”, cuenta el director Ricardo Valenzuela. “Estos trayectos, encuentros y experiencias me hicieron conocer un sur de Chile distinto, ajeno al que estaba acostumbrado, pues la conexión se volvía asequible por primera vez, en lugares inhóspitos y muchas veces olvidados. Estas propuestas traían consigo una estrategia de negocio que, como tal, pretendía captar la mayor cantidad de clientes. Esa diversidad de situaciones, donde la comunicación se volvía esencial, fue la principal motivación para escribir la película”.
“Creo que la comedia negra entrega la posibilidad de reírse y, posteriormente, analizar”, agrega el director. “Ese equilibrio me pareció idóneo al querer contar esta historia que se desarrolla basándose en algo tan cotidiano como es la comunicación y sus matices”.
“El público se va a encontrar con muchas locaciones exteriores, que muestran el sur profundo, prístino y hermoso, la soledad de sus personajes y la clara desconexión en la que viven”, destaca, por su parte, Camila Bascuñán, productora del filme. “El trabajo de arte por su lado te trasladará a los 90, a través de los vestuarios, implementos y espacios interiores. La mezcla del universo de no actores, personas reales de esas zonas, en contraste con los actores principales les dará también una sensación de la mezcla de dos mundos como el que se quiere contar”.
“Lo que no se dijo” confirma la fuerza de las miradas independientes que, a través del humor, buscan dar visibilidad a historias sensibles y humanas.
Las leyendas sobre sucesos de horror con base histórica son – sin duda – las más espeluznantes. Saber que un mito tiene fundamentos de realidad hace que este cobre más fuerza y genere una atmósfera ideal para potenciar un relato que marca a quienes la conocen. Este es el caso de “KALKUTÚN, JUICIO A LOS BRUJOS”, la nueva película (la octava de su filmografía) del destacado director nacional, Jorge Olguín que aborda una terrorífica historia que ocurrió en Chiloé en el año 1879.
La cinta – que tiene un gran elenco encabezado por Juan Carlos Maldonado, Camila Oliva, Bastián Bodenhöfer, Nicolás Zárate, Luis Dubó, y Paulina Eguiluz entre otros – tendrá su estreno comercial en salas de cine chilenas en mayo de 2026 y hoy, da a conocer el primer teaser tráiler y afiche de la producción.
El largometraje se ambienta en el año 1879, cuando dos campesinos (Los Hermanos Rain, interpretados por Felipe Contreras y Gastón Salgado) asesinan brutalmente a un hombre acusado de brujería en Chiloé. En respuesta, el gobierno designa a un abogado de Santiago como fiscal del caso (Juan Carlos Maldonado). Su misión: investigar el crimen y llevar a los responsables ante la justicia. Sin embargo, al llegar a la isla, descubrirá que la realidad es mucho más oscura de lo que imaginaba. El intendente de la región, Luis Martiniano (Bastián Bodenhöfer), ha desatado una implacable caza de brujas, persiguiendo a cualquier poblador que practique la magia ancestral. Mientras tanto, Mailén (Camila Oliva), una joven campesina de la isla toma una decisión arriesgada: adentrarse en el mundo prohibido de la brujería para salvar a su abuelo, condenado por liderar una sociedad secreta de brujos conocida como “La Mayoría”. A medida que la investigación del fiscal se intensifica, va develando una fuerza oscura y ancestral que habita en Chiloé entrelazando un conflicto de fe, poder y supervivencia.
“Cuando niño descubrí que existía un lugar donde los mitos parecían ser reales. Descubrí la isla de Chiloé con sus leyendas, monstruos mitológicos e historias sobre brujería. Esas historias pasaron a ser una obsesión en mi vida, hasta que me transformaron con el tiempo en un cineasta pionero del género fantástico en Chile, logrando así llevar a los cines parte de su mitología con mi largometraje “Caleuche, el llamado del Mar” (2012) una de las producciones más grandes del género hecha en Chile. “KALKUTÚN, JUICIO A LOS BRUJOS” es la continuación de esa mirada a esas historias, pero ahora adentrándome en un relato judicial histórico, oscuro, asombroso y a la vez perturbador que reflejó una visión distorsionada de la modernización del estado chileno frente a una cultura ancestral” comentó el director Jorge Olguín.
Asimismo, Jorge Olguín también hace noticia por el reciente reestreno en salas – por motivo de Halloween – de su opera prima: Ángel Negro (2000), producción que podrá disfrutarse por tiempo limitado en salas chilenas.
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