La novela que Tom Cruise llevó al éxito mundial en 2014 regresa a sus verdaderas raíces. “SOLO NECESITAS MATAR” (All You Need Is Kill), la obra maestra de Hiroshi Sakurazaka, recibe finalmente su adaptación animada definitiva: una producción de alta factura visual a cargo del prestigioso Studio 4°C que promete conquistar tanto a los puristas del género como a nuevas audiencias. Dirigida por Kenichiro Akimoto, la película llega a las salas chilenas el próximo 05 de febrero.
Vive, muere, repite: El origen del bucle
En un futuro cercano, la humanidad enfrenta su extinción. Una gigantesca flor alienígena conocida como "Darol" estalla sobre Japón, liberando hordas de criaturas monstruosas ("Mimics") que arrasan todo a su paso. En medio del caos, Rita, una joven voluntaria, muere brutalmente en combate. Pero la muerte no es el final.
Al despertar, Rita se encuentra de nuevo al inicio del mismo día fatídico. Una y otra vez. Prisionera de un bucle temporal despiadado, deberá transformar su desesperación en experiencia bélica. En su ciclo infinito conoce a Keiji, otro soldado atrapado en la misma paradoja. Juntos lucharán, aprenderán de cada error y buscarán la única estrategia posible para romper el ciclo y salvar el futuro.
Del papel a la pantalla: Un fenómeno de culto
La novela original (2004) trascendió fronteras y definió el tropo del bucle temporal en la ciencia ficción moderna. Su adaptación hollywoodense, "Edge of Tomorrow" (Al Filo del Mañana), recaudó más de 370 millones de dólares y demostró la potencia de la historia.
Ahora, Studio 4°C —la casa de animación detrás de joyas visuales como "Tekkonkinkreet" y "Mind Game"— entrega una reinterpretación visceral y fiel al espíritu japonés del material base. La crítica internacional ya ha destacado su propuesta tras su paso por festivales:
"Las secuencias de acción son increíbles y la razón principal para no perdérsela. Es un espectáculo visual que justifica la pantalla grande". — ScreenAnarchy
Nominada a Mejor Largometraje de Animación en el Festival de Sitges, la película combina la adrenalina de la acción con una profunda reflexión sobre el destino.
Este verano, descubre el verdadero origen del fenómeno. "All You Need Is Kill" llega a los cines el 05 de febrero.
El director de "Oldboy" regresa con una película que desafía géneros y cuestiona el
sistema. Con 98% en Rotten Tomatoes y triple nominación a los Globos de Oro.
Estreno 15 de enero en cines.
Park Chan-wook presenta un artefacto cinematográfico diseñado para incomodar. "La Única Opción" funciona en múltiples niveles, y entenderla requiere prestar atención a sus capas.
Estas son las cinco claves para descifrarla.
Sátira del capitalismo extremo: La premisa es simple: un hombre pierde su trabajo y decide asesinar a sus competidores para crear una vacante. Pero Park Chan-wook no está interesado en el crimen per se. Lo que le importa es la pregunta que subyace: ¿qué tipo de sistema convierte a un padre de familia en asesino? La película no juzga a Yoo Man-su (Lee Byung-hun). Lo presenta como producto lógico de un mercado que descarta personas como si fueran inventario obsoleto.
Hibridez de géneros: ¿Es comedia? ¿Es thriller? ¿Es drama social? La respuesta es sí a todo. Park Chan-wook mezcla géneros con una precisión que desorienta. Una escena puede comenzar como suspenso y terminar en carcajada nerviosa. El Wall Street Journal lo describió así: "La película es un crowd-pleaser desenfrenado de Park, quien exhibe un genio raro con la cámara a lo largo de toda la obra, ideando tomas, zooms y transiciones impresionantes." Esta hibridez no es capricho estilístico. Refleja la experiencia de Man-su: su vida es absurda y aterradora al mismo tiempo.
Estética y puesta en escena: Cada plano en "La Única Opción" está compuesto con obsesión. Park Chan-wook utiliza la simetría, los colores desaturados y los espacios cerrados para transmitir la claustrofobia mental de su protagonista. Las oficinas son laberintos. Los hogares son escenarios de teatro. Nada es casual. Rotten Tomatoes resume: la película está "dirigida con precisión prístina por Park Chan-wook."
Simbolismo y entorno: Man-su trabajó 25 años en la industria del papel. El papel se arruga, se descarta, se recicla. Como él. Park Chan-wook llena la película de estos ecos visuales: documentos que se acumulan, currículums que nadie lee, tarjetas de presentación que ya no significan nada. El entorno cuenta la historia tanto como los diálogos.
La deshumanización: El arco de Man-su es el de un hombre que pierde su humanidad mientras intenta recuperar su lugar en un sistema que nunca lo vio como humano. La ironía es brutal: para volver a ser "alguien", debe convertirse en nadie. Lee Byung-hun interpreta esta transformación con una actuación que le valió nominación al Globo de Oro. A su lado, Son Ye-jin ("The Negotiation", "Be With You") como Mi-ri representa lo que Man-su está perdiendo: conexión, afecto, normalidad.
Reconocimiento internacional: La película fue la apertura del Busan International Film Festival 2025, fue Nominada al León de Oro en Venecia (82ª edición), ganadora del Premio del Público en Toronto International Film Festival 2025, es la Selección oficial de Corea del Sur para el Oscar a Mejor Película Internacional y cuenta con una triple nominación a los Globos de Oro: Mejor película – comedia o musical; Mejor película en lengua no inglesa; Mejor actor en comedia o musical por Lee Byung-hun.
"La Única Opción" llega a las salas de Chile el 15 de enero. Una obra imprescindible del cine coreano actual.
El 1 de enero debutará en cines “La Empleada”, la esperada adaptación del bestseller global “La Asistenta” [The Housemaid], la novela de Freida McFadden que arrasó en listas de ventas y que ahora encuentra en la dirección de Paul Feig y en las actuaciones de Sydney Sweeney (“Euphoria”) y Amanda Seyfried (“Mamma Mia!”) una nueva vida: más incisiva, más electrizante y tan adictiva como el libro.
La película sigue el ingreso de Millie Calloway al lujoso ecosistema de los Winchester, un hogar donde cada gesto está regido por las apariencias y donde el chisme funciona como arma. Entre modales impecables y reglas inamovibles, Millie descubre que nada es tan perfecto como parece y que la pregunta no es qué esconden los Winchester, sino cuánto demorará ella en darse cuenta de que ya está atrapada.
“Es una de esas historias que toca directamente miedos humanos que todos compartimos”
Paul Feig, quien ha dirigido éxitos como “Damas en guerra” y el remake de “Los cazafantasmas”, recuerda su impresión inicial: “Fue magistral cómo Freida McFadden creó este mundo seductor y luego te pregunta: ‘¿Creías que querías todo esto? Adivina qué: no es lo que piensas’”.
Así surge Millie Calloway: un personaje obligado a sostener un trabajo que la consume emocionalmente, dominado por la exigente Nina Winchester. A partir de ahí la historia acelera como un tren desbocado, hecha de giros, engaños, secretos y un duelo constante por el control. McFadden lo resume con claridad: “La película es, en última instancia, la historia de escapar de una trampa, algo que siempre me ha intrigado”.
El fenómeno literario ha vendido más de 3,5 millones de copias, lleva más de 130 semanas en la lista del New York Times y fue traducido a 45 idiomas. Su impacto fue tal que incluso antes del estallido internacional, los productores compraron los derechos: una intuición certera para un material que pedía llegar al cine.
Sydney Sweeney, fan del libro antes de sumarse como protagonista y productora ejecutiva, explica su fascinación: “Es una de esas historias que toca directamente miedos humanos que todos compartimos. Nunca podía soltarla”.
Amanda Seyfried, también protagonista y productora, coincide: “Tiene todo lo que deseas en un buen thriller y es exactamente el tipo de historia que cobra vida magníficamente en la pantalla”.
Para traducir la arquitectura psicológica del libro al cine, el equipo convocó a la guionista Rebecca Sonnenshine, quien inyectó humor negro y dinamismo al thriller sin traicionar su oscuridad. Feig la recuerda como el ingrediente que faltaba: “No es una comedia, pero el público va a reír. Ese espíritu que Rebecca aportó me fascinó”.
Sonnenshine, conocida por subvertir estereotipos en “The Boys”, encontró en Millie un dilema universal: “¿Quién no ha lidiado con un jefe tóxico o se ha quedado en un trabajo por desesperación? Todos podemos identificarnos con Millie”.
Su adaptación retoma los temas del libro —clase social, autoimagen, poder— y los recrea con la casa Winchester como eje vertical: un espacio donde cada piso oculta una verdad y cada persona dice menos de lo que sabe. Incluso el círculo social que rodea a la familia funciona como amplificador de sospechas: elegante, mordaz y tan propenso a la traición como cualquier rincón del hogar.
McFadden celebra la audacia de la adaptación: “Al leer el guion de Rebecca, me dieron escalofríos. Todos los cambios funcionaban… Algunos eran tan buenos, que ojalá estuvieran en el libro”. Y sobre Feig, agrega: “Lo importante es que Paul sabía exactamente cómo crear un accidente ferroviario del que no puedes apartar la vista”.
“No podía imaginar a nadie más tan perfecta para Millie que Sydney Sweeney”
Millie llega a la casa Winchester buscando una segunda oportunidad. Duerme en su auto, está recomponiendo su vida y acepta un trabajo que parece extraído de un cuento moderno: una casa perfecta, una familia ideal, comodidades y una tarjeta de crédito abierta. Muy pronto descubre la grieta: su jefa, Nina Winchester, es un volcán emocional, impredecible y capaz de cambiar de tono en un parpadeo.
Sonnenshine la describe así: “Millie es divertida, inteligente, fuerte, está golpeada pero no rota”.
Feig tenía claro quién debía interpretarla: “No podía imaginar a nadie más tan perfecta para Millie. Sabía que Sydney podía hacerlo”. Sweeney sumó entusiasmo desde el inicio: “Es tan cruda, tan vulnerable, y su viaje es salvaje.”
Por su parte, Amanda Seyfried interpreta a Nina, la encarnación del orden y la elegancia. Pero detrás de esa fachada se esconden inseguridad, manipulación y una volatilidad emocional que convierte a la casa Winchester en un territorio impredecible. McFadden la define como “frágil pero feroz, manipuladora y desesperada”.
Seyfried encontró en Nina un papel lleno de matices: “Es tan multifacética. Nunca había visto un personaje como este en ninguna película”. Feig destaca su trabajo milimétrico: “Un minuto te quiere; al otro, te destruye psicológicamente”
Así, entre apariencias que se derrumban, secretos enterrados y giros que no dan respiro, “La Empleada” inaugura el 2026 cinematográfico con una historia que combina crítica social, tensión psicológica y humor oscuro. El 1 de enero, la pregunta será inevitable: ¿Quién está realmente atrapado en la casa Winchester?
La disparatada comedia "Cuando el cielo se equivoca", escrita, dirigida y protagonizada por Aziz Ansari, ya se estrenó en cines. La película promete conquistar al público con su mezcla de humor absurdo, caos existencial y giros inesperados, en una propuesta que recuerda a series como The Good Place o Rick y Morty.
Aziz Ansari interpreta a un tipo común con una racha interminable de mala suerte, cuya vida se ve alterada por un intercambio celestial. Este cambio de destino es provocado por la aparición de Gabriel, un ángel novato e inepto que comete un error garrafal, interpretado por el aclamado actor Keanu Reeves. El elenco lo completa Seth Rogen en el papel de un acaudalado inversor tecnológico que experimenta lo que es vivir sin privilegios y detesta cada segundo.
La película es una reflexión sobre el éxito, la identidad y el sinsentido de las segundas oportunidades, con toques de crítica social. Keanu Reeves destacó que el papel que le ofreció Ansari "no solo era gracioso, sino también sensible y respetuoso en cuanto a lo que es verdaderamente importante en la vida", mientras que Rogen comentó que la película plantea que "tu vida es tu vida, y la verdadera pregunta es cómo vas a enfrentarla".
Con este reparto estelar, que también incluye a Keke Palmer y Sandra Oh, "Cuando el cielo se equivoca" es una comedia pensada para el gran público que, a la vez, invita a una mirada más profunda sobre la aceptación y el aprendizaje de ser uno mismo. ¡Asegura tus entradas y ve a disfrutarla en la pantalla grande!
El 23 de octubre se estrena en Chile “Good Boy”, una de las películas de terror más originales del año. Dirigida por Ben Leonberg, la cinta ha sorprendido en festivales internacionales por su propuesta única: una historia sobrenatural contada desde la perspectiva de un perro. La experiencia concentra lo más visceral del género y lo une a un lazo emocional universal: la lealtad hacia quien se ama.
La historia sigue a Todd, quien tras la muerte de un familiar se muda con su perro Indy a la antigua granja de su abuelo, un lugar con oscuros rumores de estar embrujado. Mientras Todd ignora las advertencias, Indy comienza a percibir presencias invisibles para los humanos. Sin poder comunicarse con palabras, el perro deberá enfrentarse a fuerzas malignas para proteger a su dueño, convirtiendo la lealtad en su arma más poderosa frente al horror.
“Una de las mejores películas de terror del año”: Los elogios de la crítica
La crítica especializada ya la celebra como “una de las mejores películas de terror del año” (Rafael Motamayor, IndieWire). Para The Hollywood Reporter, el poder de la cinta está en la dimensión emocional de Indy, y en SXSW 2025 el perro fue premiado con el “Howl of Fame” a la mejor actuación canina. En Rotten Tomatoes, la película ostenta un 95% de reseñas positivas.
Con resonancias de títulos como “Presence”, “Cobweb”, “Antlers” o incluso el clásico vínculo humano-animal de “Hachiko”, “Good Boy” combina suspenso, emoción y un punto de vista nunca antes visto en el género.
“Es un thriller paranormal con los pies en la tierra”
“Stephen King, una de mis mayores inspiraciones en el terror, suele decir que sus ideas surgen de escenarios hipotéticos”, destaca el director Ben Leonberg. “¿Qué pasaría si un escritor alcohólico se quedara atrapado con su familia en un hotel embrujado? (“El Resplandor”). ¿Qué pasaría si una adolescente acosada descubriera que tiene poderes telequinéticos? (“Carrie”). En 2012, al releer el inicio de “Poltergeist”, me asaltó una idea ineludible: ¿Y si el perro de la familia fuera el único que supiera que la casa estaba embrujada? “Good Boy” es el resultado de esa pregunta. Es un thriller paranormal con los pies en la tierra, narrado desde la perspectiva de un perro, un compañero fiel y cotidiano que se ve envuelto en circunstancias extraordinarias. Esta es su película, una en la que sus instintos, sentidos y razonamiento simple impulsan la historia y la narrativa. Mi perro, Indy, es la estrella, aunque no tiene ni idea de que está en ella. No entiende las marcas ni las señales, y se pasó la mayor parte del rodaje durmiendo. Sin embargo, su presencia en pantalla es tan magnética que puse toda la película sobre sus pequeños hombros inconscientes”.
“El terror funciona mejor cuando se siente real, cuando los escenarios se asemejan a lugares donde podría vivir el público y los personajes se comportan de forma auténtica”, agrega el director. “La película adopta una estética realista, localizaciones auténticamente vividas y actuaciones naturalistas para construir un mundo creíble. Cuando se desarrollan los sucesos sobrenaturales, la familiaridad del entorno y los personajes facilita imaginar que el horror le sucede a cualquiera. En esencia, ‘Good Boy’ es más que un thriller paranormal: es una historia sobre cómo enfrentarse a una oscuridad tan universal que trasciende las especies, y la aterradora pregunta de qué podría suceder cuando incluso nuestro protector más fiel presiente algo que nosotros no podemos”.
“Good Boy” no solo es un relato de horror, sino también una historia sobre amor, lealtad y la fuerza de un vínculo que desafía a la oscuridad. En cines de Chile desde el 23 de octubre.
¿Qué pasaría si la historia de Cenicienta se contara desde los ojos de la hermanastra que nunca fue amada? Esa es la inquietante premisa de "La Hermanastra Fea" ("The Ugly Stepsister"), la nueva película de la directora noruega Emilie Blichfeldt que llega a los cines chilenos el 9 de octubre. Con una mezcla explosiva de sátira, comedia negra y body horror, esta cinta transforma un clásico relato de la infancia en una pesadilla grotesca y profundamente provocadora.
En un reino donde la belleza es un negocio brutal, Elvira hará lo imposible por atraer la atención del príncipe y competir con su deslumbrante hermanastra. Entre cirugías grotescas, humor ácido y escenas cargadas de gore, la cinta transforma la inocencia del cuento de hadas en una pesadilla sobre el deseo, la fealdad y la obsesión por el cuerpo perfecto. Elvira no es un personaje para amar, sino para entender. Ella encarna los excesos de una sociedad que empuja a las mujeres al límite en nombre de la perfección.
Estrenada mundialmente en el Festival de Berlín, donde integró la prestigiosa sección Panorama y fue nominada al Premio del Público, "La Hermanastra Fea" rápidamente se consolidó como una de las películas de género más comentadas del año. La crítica especializada no tardó en aplaudir su audacia y originalidad: IndieWire, The Hollywood Reporter y Mashable la destacaron entre lo mejor del festival y en Rotten Tomatoes mantiene un impresionante 96% de aprobación.
Con ecos de películas como "La sustancia", "Raw", "The Neon Demon" y "El cisne negro", la cinta despliega un estilo visualmente provocador y conceptualmente incisivo, donde el humor es tan perverso como corrosivo y el cuerpo se convierte en territorio de lucha y dolor.
Protagonizada por Lea Myren, Thea Sofie Loch Naess, Ane Dahl Torp y Flo Fagerli, "La Hermanastra Fea" confirma a Emilie Blichfeldt como una de las voces más potentes del nuevo cine europeo de terror y sátira social. Una versión subversiva, sangrienta y retorcida de un cuento que todos conocemos, lista para incomodar, divertir y provocar en igual medida.
"La Hermanastra Fea" se estrena el 9 de octubre en cines de Chile. Distribuye BF Distribution.
Esta semana llegó a los cines “Drácula”, una nueva adaptación cinematográfica del clásico de Bram Stoker que une el estilo visual inconfundible de Luc Besson (“El Quinto Elemento”, “Lucy”) con la intensidad actoral de Caleb Landry Jones (“Get Out”, “Nitram”, “DogMan”). Como si fuera poco, el filme cuenta con una banda sonora compuesta por el gran Danny Elfman (“Batman”, “El Joven Manos de Tijeras”).
"Drácula" reinterpreta el mito del vampiro a través de una narrativa profundamente emocional, donde el amor trasciende el tiempo y la muerte. La historia sigue a un príncipe del siglo XV que, tras perder a su esposa, desafía a Dios y se transforma en vampiro. Siglos después, en el Londres del siglo XIX, encuentra a una mujer que parece ser el reflejo de su amada perdida, iniciando una persecución que sellará su destino.
El reparto lo completan Christoph Waltz (“Django sin cadenas”, “Bastardos sin gloria”), Zoë Bleu ("Signs of Love", "Gonzo Girl") y Matilda De Angelis (“Citadel: Diana”) en una producción internacional entre Francia y Reino Unido que apuesta por una estética gótica moderna, efectos visuales impactantes y una narrativa cargada de emociones intensas.
Este film se suma a la nueva ola de adaptaciones del terror romántico, al nivel de producciones recientes como “Nosferatu” (2024) y “Crimson Peak” (2015).
“Me interesaba más su dimensión artística que su oscuridad”
“Todo comenzó porque Caleb Landry Jones y yo queríamos volver a trabajar juntos. Un día, en el rodaje de “Dogman”, le pregunté qué le gustaría hacer después. Hablamos de las grandes figuras clásicas, en particular de los personajes monstruosos, y surgió el entusiasmo compartido por Drácula. Volví a leer la novela, lo que reforzó mi deseo de embarcarme en este proyecto. El libro, en esencia, es una historia de amor, aunque en su época fascinó más por su dimensión fantástica y sangrienta. Con el tiempo, el personaje se volvió un monstruo mítico. Pero para mí, sigue siendo ante todo una historia de amor: la de un hombre que es capaz de esperar 400 años para volver a ver a la única mujer que ha amado, arrebatada por Dios. A partir de ahí, comencé a escribir el guion, sin la intención inicial de dirigirlo, pero terminé apasionándome tanto que decidí hacerlo yo mismo”, destaca Luc Besson. “Desde el comienzo, el Conde Drácula tiene un aura real: es el príncipe de la región, y aunque joven, es un líder nato. Quería mostrar que no necesariamente le gusta la guerra: lucha en nombre de Dios, pero preferiría quedarse con su esposa. De hecho, dice: va a ser una batalla sangrienta. ¿De verdad Dios quiere esto?. No entiende por qué debe recurrir a tanta violencia y muerte, pero lo hace por fe. Es comprensible que, al regresar de la guerra, se sienta traicionado”.
El director agrega que no quería un personaje con “superpoderes” al estilo americano, sino uno con habilidades más plausibles. “Por ejemplo, usa un perfume para atraer a jóvenes mujeres hacia él, ya que no puede ir a donde quiera”, señala. “Me recuerda también al magnate excéntrico William Randolph Hearst: como él, mi Drácula es un esteta, amante de las cosas bellas, telas sedosas, anillos y los viajes. Me inspiré más en ese lado dandy que en Nosferatu. Me interesaba más su dimensión artística que su oscuridad”.
Besson decidió también ambientar la historia en la capital francesa. “A los ingleses no les molesta convertir ‘Los Miserables’ en un musical, ¿por qué habrían de molestarse porque yo lleve a Drácula a París?”, se pregunta. “También me interesaba la fecha del 14 de julio de 1889: es el centenario de la Revolución, y París está de celebración. Todas las trayectorias de los personajes confluyen en ese momento, y fue una fuente de emoción y dinamismo increíbles. Este contexto también puede explicar por qué un vampiro pasa desapercibido en París: la policía y la población están ocupadas con otras cosas. Me gusta esa construcción, como una sinfonía, que culmina en un clímax: Mina ha desaparecido, Drácula está en escena, el sacerdote no sabe dónde buscarlo, y había ahí una energía que me encantó. Y para quienes conocen mi filmografía, no les pasará desapercibido que amo París”.
El cineasta supo de inmediato que Drácula sería Caleb Landry Jones y también que Christoph Waltz interpretaría al sacerdote. “Organicé una proyección anticipada de “Dogman” para él, porque sé que a los grandes actores les interesa más el jugador que el juego. Y cuando vio a Caleb, dijo que sí de inmediato, incluso antes de leer el guion”, cuenta Besson. “Tanto Guillaume como Christoph son muy precisos y siempre están buscando superarse. Siempre estoy abierto a que los actores me pidan repetir una toma, porque quiero que sientan que el set está a su disposición y que tienen tiempo para expresarse. Christoph se tomaba el tiempo de colocar su voz y sus gestos y para la tercera o cuarta toma ya estaba ‘caliente’. Entonces podía pedirle que retomara algún elemento de la primera o segunda toma, y lo hacía. A veces llegábamos a 15 o 20 tomas, no porque no pudiera hacerlo, sino porque iba construyendo la intensidad poco a poco. A veces, durante 5 o 6 tomas, explorábamos un matiz, y luego otro distinto durante otras 5 o 6. Ese es el momento más importante, porque después, en el montaje, tienes una cantidad de material increíble y el lujo de poder afinar la escena como quieras”.
El ganador del Óscar Al Pacino y Dan Stevens (“Downtown Abbey”), reconocido por su versatilidad en cine y televisión, protagonizan “Exorcismo: El ritual”, un inquietante thriller sobrenatural inspirado en el caso de exorcismo más documentado en la historia contemporánea.
Con un guion que toma como base los testimonios reales y archivos inéditos, la película se adentra en un suceso tan estremecedor como verídico, explorando los límites entre la fe, la ciencia y el mal.
La película, que llegará a salas chilenas este 31 de julio, propone una experiencia cinematográfica intensa y aterradora, con una puesta en escena realista que refuerza la conexión con los hechos que la inspiran. Más que una película de posesiones, es una reflexión sobre el miedo, la verdad y lo inexplicable.
En “Exorcismo: El Ritual”, dos sacerdotes deben enfrentarse a sus propios demonios internos mientras luchan por salvar a una joven poseída. Uno de ellos, atormentado por su pasado, y el otro, con serias dudas sobre su fe, se verán forzados a unirse en una serie de exorcismos que pondrán a prueba su resistencia y convicción.
El guion se basa en una historia real. Como sacerdote en la iglesia de Saint Joseph en Earling, Iowa, el padre Joseph Steiger vivía una callada y diligente vida, atendiendo a su congregación. En el otoño de 1928, recibió una visita solicitando solucionar un urgente problema. Durante años, Emma Schmidt, de 46 años, había experimentado aterradores desmayos, una aversión por los objetos sagrados y otras terribles afecciones. Su sufrimiento fue documentado en evaluaciones médicas, reportes de higiene mental, y diarios personales. Después de que un extenso tratamiento psiquiátrico resultó no ayudarle en nada, el sacerdote de Emma le recomendó un remedio un poco más espiritual: un solemne exorcismo. Un recluido convento de la parroquia del padre Steiger fue elegido como el sitio del ritual. A pesar de tener enormes reservas, el padre Steiger estuvo de acuerdo en supervisar el exorcismo. Theophilus Riesinger, un misterioso fraile capuchino, cuya experiencia previa con exorcismo lo convertían en una figura controversial, fue asignado para llegar a cabo la tarea. Con la llegada de Emma a Earling, una obscuridad comenzó a rodear el convento e inexplicables incidentes comenzaron a ocurrir.
“Fue importante para mí asegurarme de que los hechos fueran honrados al contar esta historia”
El director David Midell (“El asesinato de Kenneth Chamberlain”) destaca que la película fue posible gracias a su fascinación por “la intersección de la ciencia, la fe, la espiritualidad y la condición humana”.
“Como todo en mi trabajo, mi objetivo principal al contar una historia verdadera es honrar las experiencias de los individuos reales y transmitir sus batallas, honesta y respetuosamente”, destaca el cineasta. “Al comenzar mi investigación sobre los eventos descritos en el presente, me sorprendió el enfoque tan científico y basado en hechos que muchos han tomado en relación a eventos aparentemente inexplicables. Éste ha sido nuestro principio más importante en nuestro enfoque. Al haber pasado cientos de horas investigando los hechos, la historia, y el contexto de Emma Schmidt y todos aquellos involucrados, mi conocimiento personal del caso ha guiado el proceso creativo a través de múltiples dilemas, contradicciones y yuxtaposiciones. Al yo mismo ser un cineasta en el espectro del autismo, fue especialmente importante para mí asegurarme de que los hechos, así como los desafíos y triunfos experimentados por los personajes, fueran honrados al volver a contar esta historia”.
Midell agrega: “Algunas personas han descrito los exorcismos como un test de Rorschach: aquellos con un trasfondo en la fe o la religión ven una lucha espiritual por el alma de un ser humano, mientras que aquellos con mente más científica ven a una persona con la necesidad de ayuda psiquiátrica. Espiritual o psicológico, lo que no puede negarse es el profundo sufrimiento experimentado por Emma Schmidt, y la valentía y fortaleza requerida por aquellos que se unieron para aliviar su sufrimiento”.
“Exorcismo: El Ritual” no solo revive uno de los casos más inquietantes del siglo XX, sino que invita al espectador a confrontar sus propias creencias sobre lo inexplicable. Con actuaciones memorables de Al Pacino y Dan Stevens, y una puesta en escena que se sumerge con rigor en los hechos documentados, la película se convierte en una experiencia cinematográfica tan perturbadora como profundamente humana.
Liam Neeson, el icónico actor del cine de acción, regresa a la pantalla grande con "Implacable" (“Absolution”), un thriller cargado de adrenalina dirigido por Hans Petter Moland. Con un elenco que incluye a Ron Perlman y Frankie Shaw, la película promete una historia intensa de redención, traiciones y enfrentamientos explosivos.
Neeson interpreta a Thug, un veterano gánster que comienza a perder la memoria. Determinado a corregir sus errores y reconciliarse con su hija antes de que sea demasiado tarde, se embarca en un peligroso camino de redención. Sin embargo, abandonar el mundo criminal no será tan sencillo, y pronto se verá enfrentado a la organización para la que ha trabajado durante más de dos décadas.
Se trata de una propuesta imperdible para los fanáticos del cine de acción y los seguidores de Neeson, quien vuelve a demostrar su talento en un rol que recuerda a grandes éxitos como “Retribution”, “Land of Bad” y “Sleeping Dogs”.
El filme llegó a Chile el jueves 6 de marzo, prometiendo una experiencia cinematográfica llena de tensión, emocionantes secuencias de acción y una historia de lucha interna que mantendrá a los espectadores al borde de sus asientos.
“La calidez de Liam se filtrará a través de este retrato extraordinario”
“Es el retrato de un matón”, señala el director Hans Petter Moland. “Un hombre que ha vivido una larga vida criminal, manteniendo su nariz limpia y siendo leal. Es bueno en su trabajo. Su elección de carrera, incluida una temporada de 6 años en prisión, le ha dejado pocas opciones; sin plan de pensiones, sin ahorros de toda la vida y con una familia que no ha visto en años. Pero peor aún, como un hombre envejecido, Thug se siente fuera de contacto con el mundo criminal en el que vive. Hay algo que más bien le molesta. Está empezando a olvidar cosas que sabía de memoria como el nombre de su jefe, su propia dirección, el nombre de su hermano. A medida que su mente comienza a traicionarlo, Thug está tratando de reparar la relación desperdiciada con su familia. La claridad sobre quién es comienza a filtrarse, justo cuando la demencia comienza a nublar el resto de su vida”.
“Aquí la acción y la violencia son parte del trabajo diario”, agrega el director. “Su humor es seco y directo, a veces involuntariamente abrasivo. Un hombre poco sentimental, desconectado de su propio tiempo. La acción está ejecutada con habilidad, es menos hábil en el manejo de sus relaciones personales. Esto puede ser en ocasiones conmovedor y en otras una fuente de humor. A través de todo, la calidez de Liam se filtrará a través de este retrato extraordinario y poco sentimental de la oportunidad de redención de un hombre violento”.
El cine de acción encontrará en “Implacable” una nueva entrega con todos los ingredientes para cautivar a los amantes del género
El género de terror siempre ha tenido en las historias de fantasmas uno de sus territorios más explorados y también uno de los más difíciles de renovar. ¿Cómo sorprender con algo tan básico y ancestral como el miedo a lo invisible? Es lo que logra “Medium” a través de la mezcla de ingredientes clásicos del cine de fantasmas con una narrativa de venganza, construyendo un relato donde lo familiar se reinventa para inquietarnos de nuevas maneras.
No es de extrañar que detrás de este nuevo fenómeno del horror esté A24, compañía que siempre nos sorprende con apuestas innovadoras y premiadas como “Todo a la vez en todas partes” (ganadora del Oscar) y “La ballena”, entre muchas otras.
“Medium” se ha convertido en una de las películas de terror más aterradoras del momento, avalada por la crítica y con una gran aceptación del público. Es una experiencia única para los fanáticos del horror y quienes buscan un susto inolvidable. En medio de esta aclamación se estrenará en salas chilenas el próximo 16 de enero. La trae BF Distribution.
“Mi objetivo era hacer una película impredecible y difícil de clasificar en los numerosos subgéneros del terror” Los primeros minutos del filme son impactantes, como todo lo que vendrá después. Como ocurre en muchas películas del género, vemos cómo Dani (Carolyn Bracken) llega a una remota casa de campo donde vivirá con su marido, quien trabaja como médico en un hospital psiquiátrico. La aparición de un extraño nos pondrá en alerta y Dani será brutalmente asesinada.
Poco después del asesinato, el sospechoso aparece muerto. Lo que podría ser otra película sobe asesinos tendrá giros insospechados cuando Darcy (interpretada también por Carolyn Bracken), la hermana ciega de Dani, comienza a sospechar que hay más en el asesinato de su hermana de lo que la gente cree.
“Es una historia que he querido contar toda mi vida”, destaca el director Damian McCarthy. “Crecí en la Irlanda rural de los años 80, donde los cortes de energía eran algo habitual. Vivíamos en un bungalow con un largo pasillo que recorría la casa y conectaba todas las habitaciones. En las noches en las que existía la amenaza de un corte de energía, el camino hasta mi habitación al final de este corredor era un viaje largo y ansioso lleno de puertas oscuras abiertas. Yo tenía un miedo terrible a la oscuridad. Mis padres eran dueños de una tienda de arriendo de VHS en West Cork, por lo que la pared de mi habitación estaba cubierta de carteles de películas, casi todas de horror. Tenía a Chucky, Freddy Kruger y Michael Myers esperándome en mi habitación en el final de esa larga caminata. Sus ojos mirándome desde la pared eran los últimos que veía antes de que la habitación se hundiera en la oscuridad”.
“Aquí es de donde proviene todo el horror en la película” continúa el realizador. “Es como finalmente capturé ese miedo olvidado de un niño que enfrenta una larga y oscura noche por delante. Es un thriller psicológico impulsado por personajes que poco a poco se convierte en un horror sobrenatural. Mi objetivo era hacer una película impredecible y difícil de clasificar en los numerosos subgéneros del terror. Es una película de venganza. Es una película de casa encantada. Es una película de monstruos. Es un thriller y una novela policíaca”.
“Te hará pedazos”: los elogios de la crítica Desde su estreno en el Festival de Sitges, “Medium” ha acumulado elogios entusiastas. La película cuenta, de hecho, con un 96% de críticas positivas en Rotten Tomatoes. Éstas son algunas de ellas.
“Está preparada para ser una de las películas más terroríficas del año (...)”. Mary Beth McAndrews | Dread Central.
“Es todo lo que una película de terror debería ser: espeluznante, emocionante, imprevisible, y conduce a un final tan impactante como inevitable”. Matthew Jackson | AV Club.
“Una de las mejores películas de terror del año”. Chris Evangelista | SlashFilm.
“Te hará pedazos”. Chase Hutchinson | Collider.
“Medium” impactará al público y se impondrá como una joya inolvidable para los amantes del género. Es otra obra rupturista de A24, factoría de historias y fantasías que lidera el cine mundial.
El jueves 19 de diciembre, las pantallas chilenas recibirán una de las películas más impactantes del año: “Cómo ser millonario antes que muera la abuela”, un drama que está conquistando a audiencias de todo el mundo.
Dirigido por Pat Boonnitipat y protagonizado por el actor y cantante pop Putthipong Assaratanakul, Usha Seamkhum y Sanya Kunakorn, combina una historia profundamente emotiva con la sensibilidad narrativa que caracteriza al cine asiático contemporáneo.
La película narra la historia de M, quien, impulsado por el deseo de una herencia multimillonaria, deja de lado sus sueños de ser un prometedor comentarista de juegos para cuidar de su abuela, que padece una enfermedad terminal. Sin embargo, ganarse el favor de la abuela no es una tarea fácil. Ella demuestra ser un hueso duro de roer: exigente, meticulosa y sumamente difícil de complacer. Para aumentar el drama, él no es el único que aspira a la herencia. M se ve envuelto en una apasionante competencia, en la que debe hacer todo lo posible para convertirse en el niño de los ojos de la abuela antes de que se acabe el tiempo, todo en pos de una herencia multimillonaria que le cambie la vida.
En la línea de películas aclamadas como “Shoplifters”, “Perfect Days” y “Past Lives”, esta historia ofrece una mirada íntima y honesta sobre las conexiones familiares, la avaricia y la redención. Su enfoque único y conmovedor la convierte en el fenómeno asiático del año, cautivando a públicos de todo el mundo.
“Cómo ser millonario antes que muera la abuela” es un imperdible estreno que desde el 19 de diciembre estará disponible en los principales cines de Chile. Una obra que transformará la perspectiva sobre la familia y las decisiones que definen nuestras vidas.
“El tiempo que tenemos”, la nueva joya de A24 protagonizada por Florence Pugh y Andrew Garfield, llegará a la gran pantalla para contar una historia que emociona hasta lo más profundo, una que explora el verdadero peso de los momentos compartidos cuando el tiempo se convierte en un bien escaso.
Distribuida por BF Distribution, estará disponible en cines chilenos de todo el país desde el 28 de noviembre.
“Una de las mejores películas románticas de los últimos años”
La trama sigue a Almut (Florence Pugh) y Tobías (Andrew Garfield), una pareja que vive el amor en su forma más sincera y apasionada. Su vida juntos atraviesa momentos de pura felicidad, construyendo un hogar y una familia, hasta que un inesperado diagnóstico médico desafía la relación. Este no es un relato de desamor, sino una exploración conmovedora de cómo enfrentar lo irremediable: ¿se centrarán en vivir cada instante al máximo, dejando el mundo a un lado, o en alargar el tiempo a través de tratamientos intensivos? La película invita a reflexionar sobre la calidad frente a la cantidad de vida, abordando una cuestión universal con sensibilidad y profundidad.
Dirigida por John Crowley (“Brooklyn”), la película juega con una estructura en espiral, fragmentando el tiempo y construyendo un ritmo que desarma el drama y, al mismo tiempo, lo amplifica. La narrativa alterna entre momentos de felicidad y dificultad, invitando al espectador a experimentar el viaje emocional de la pareja.
La autenticidad de Pugh y Garfield brilla y su química convierte a “El tiempo que tenemos” en una experiencia profundamente humana. Las escenas de intimidad, en las que ambos personajes se entregan con total vulnerabilidad, hablan de un amor real y tangible.
El carisma del elenco ha sido lo más elogiado por la crítica especializada, pero también el gran trabajo de John Crowley a la hora de ofrecer una historia entrañable.
Andrew Garfield: “(Tiene) una narración elegante, delicada y sutil”
La historia de “El tiempo que tenemos” surgió cuando Nick Payne, guionista británico nominado al Tony, comenzó a explorar cómo manejamos la fugacidad del tiempo en lo cotidiano. Él quería plasmar una historia sobre una pareja enfrentando la inminencia del fin. “En el cine puedes jugar con el tiempo de una manera que ofrece al público una experiencia emocionante”, observa.
A diferencia de la típica comedia romántica, Payne dotó a sus personajes de un humor que fluye de su personalidad y del lado divertido de la vida. “Quería que el humor en la película surgiera de forma natural”, explica. Almut y Tobías no solo lidian con sus retos, sino que encuentran alivio en sus momentos de risa compartida, lo que fortalece su relación.
Además de las fortalezas del guion, el elenco era fundamental para el proyecto. “Pensé: qué gran oportunidad para trabajar con temas e ideas tan profundos a través de una narración tan elegante, delicada y sutil”, recuerda Andrew Garfield. “Desde mi primera película he cambiado mucho como actor y John ha cambiado mucho como cineasta, pero siempre supimos que algún día encontraríamos un proyecto juntos que se sintiera tan significativo para nosotros. Le tengo gran aprecio y confianza a John: es uno de los cineastas más poderosamente emocionales que tenemos”.
Florence Pugh, por su parte, opina: “Veo a Almut como una mujer soltera realmente impulsada y normal, alguien en quien me puedo ver a mí misma y en quien creo que el público se verá reflejado. Fue absolutamente maravilloso interpretar a un personaje que pasa por tantas cosas por las que las personas de mi edad realmente pasan, y fue agradable actuar siguiendo el instinto. No fue difícil encontrar inspiración porque personalmente conozco a muchas mujeres maravillosas, trabajadoras y con opiniones firmes como Almut”.
Una vez que aceptó el papel, la actriz se sumergió en una especie de entrenamiento improvisado en un restaurante de alta gama de Londres. Allí, aprendió a manejar los utensilios y a preparar comidas de manera correcta bajo la atenta mirada del aclamado chef Ollie Dabbous, trabajando turnos típicos de 6:30 a.m. a 4 p.m. “Estar tan completamente inmersa en una cocina tan exitosa fue revelador”, dice Pugh. “Me encanta la comida y cocinar, pero no soy chef, así que quería asegurarme de que Almut realmente se moviera y se comportara como lo haría una chef de clase mundial. Algo que aprendí es que la clave de cualquier cocina verdaderamente excelente es el respeto mutuo entre todas las personas, y ese es el tono que Almut trata de establecer”.
La talentosa Halle Berry regresa al cine con “No te sueltes”, un thriller de suspenso dirigido por el aclamado Alexandre Aja, conocido por su trabajo en “El despertar del diablo”. Con un estreno programado para el 7 de noviembre, la producción promete una experiencia cargada de emociones, terror y adrenalina.
En esta historia de supervivencia y tensiones familiares, Halle Berry da vida a una madre dispuesta a todo para defender a sus hijos de un mal desconocido. La trama sigue a la familia mientras lucha por sobrevivir en su cabaña aislada, siempre conectados por una cuerda que les asegura su protección. A medida que la historia avanza, las tensiones crecen y la desesperación de Berry se convierte en el motor que impulsa la narrativa, entregando una actuación llena de intensidad y vulnerabilidad.
Además de Halle Berry, la película cuenta con Matthew Kevin Anderson, Stephanie Lavigne, Christin Park y los jóvenes talentos Percy Daggs y Anthony B. Jenkins. La producción también tiene el respaldo de los productores ejecutivos de la famosa serie “Stranger Things”, quienes suman un toque especial a esta electrizante historia de terror.
Halle Berry: “Es una historia que tiene corazón”
Aja, cuya distinguida y exitosa carrera como director de terror se remonta a dos décadas, sintió que esto sería “muy diferente de todo lo que he hecho antes. La historia retrata un mundo con mucho simbolismo por todas partes, muchas capas de historia, psicología, relaciones, como un gran cuento de hadas oscuro y aterrador”.
Holly Jeter, socia de Halle Berry en la productora HalleHolly, cuenta que la actriz fue siempre la primera opción para los creadores del filme. “Realmente querían que interpretara a un personaje multidimensional que estuviera muy atribulado y en conflicto, pero que tuviera una gran capacidad de amar. Alguien a la vez desesperado y temeroso, y sin embargo fuerte y valiente, que se cuestiona en su interior si está tomando las decisiones correctas, si está repitiendo los pecados de sus padres”.
“Recuerdo la primera conversación que tuvimos Berry y yo”, agrega Aja. “Realmente se trataba de hacer algo que no fuera sólo otra película de miedo. La bola de fuego que cae del cielo no es lo que da miedo. Lo que da miedo es creer a la persona que huye de esa bola de fuego”.
“Momma, mi personaje, es muy complicada”, dice Berry. “Está torturada. Creo que ella se pregunta si el mal que la rodea es real y creo que se cuestiona durante toda la película si está haciendo lo correcto. Fundamentalmente creo que siente que sí, pero esa es la gran pregunta para mí”.
Para transformar su cuerpo en el de Momma, Berry confió en las habilidades de su maquilladora de toda la vida, Norma Patton-Lowin, quien, además de aplicar todas las cicatrices, quemaduras y tatuajes, recomendó a la actriz que se preparara para el papel haciendo de todo, desde morderse las uñas hasta dejarse crecer las cejas y “todo el vello corporal que puedas”. Luego, una vez que Berry estuvo en el set, “le manchamos temporalmente los dientes”, cuenta Patton-Lowing. Este grado de inmersión era importante para Berry. “Cuando los dientes se tiñeron de amarillo, estaba dentro”, dice Halle. “Me metí en la zona”.
“Creo que encontrarán diferentes interpretaciones de la película”, dice Aja sobre las expectativas. “Ya en el guion era así. El estudio, yo mismo, Halle... todos leyeron algo ligeramente diferente, los mismos temas pero con un enfoque más personal”.
Berry cree que todos estos factores servirán para atraer a un público amplio y diverso. “Incluso si no eres madre, conectarás con una madre que quiere tanto a sus hijos y lucha con todo”, afirma. “Vas a tener a Alex Aja y lo mejor que hace, y tienes garantizados algunos escalofríos y emociones porque realmente lo hace de una manera magistral. Pero es una historia que tiene corazón, porque en el corazón de ella está esta familia que está lidiando con un trauma generacional”.
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